レビュー：フィングス・エイント・ワット・ゼイ・ユースト・トゥ・ビー、シアター・ロイヤル・ストラトフォード・イースト ✭✭✭✭

『Fings Aint What They Used T'Be』。Photo: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

シアター・ロイヤル・ストラトフォード・イースト

2014年5月21日

★★★★☆

ライオネル・バート（作曲・作詞）とフランク・ノーマン（脚本）による『Fings Ain't Wot They Used T'Be』が、誕生の地であるシアター・ロイヤル・ストラトフォード・イーストに新演出（テリー・ジョンソン演出）で戻ってきた。すると、いつもの英国の観劇層の前に、厄介で、ときに不穏ですらある疑問がいくつも立ち上がってくる。

ライアン・モロイは、こんな作品で時間を無駄にして何をしているの？ ジェシー・ウォレスって――え、マジで？ まさかバートが、彼女のためにあの曲を書いたはずがない？ どうしてこれを今さら復活上演するの――ナショナル（National Theatre）じゃまず観られないでしょ？ ちゃんとしたラインダンス（コーラスライン）はどこ？ 舞台でその言葉遣いはアリ？ 私はいったい何を観たんだ？

こうした難問は、きちんと腰を据えて考える価値がある。

まずはライアン・モロイ。大ヒット作『ジャージー・ボーイズ』でフランキー・ヴァリを演じ、一躍名を馳せたモロイだが、本作の前半（第1幕の多く）では、ほとんど何もしない。アンサンブルの一員として皆と歌い踊り、フレッドのバーにたむろする“ニセ悪党”の寄せ集め――こそ泥まがいの小悪さや悪だくみに励み、ときには売春の段取りまで――その一人にすぎない。

その役回りも、モロイは文句なしに上手い。疑いようがない。だが、なぜ彼はわざわざ？

理由は第1幕の途中で明らかになる。彼はホレスとして登場し、フレッドに呼ばれてバーの内装を“今どき”に変える陽気なインテリア・デコレーターを演じるのだ。ホレスは夢の役である。派手でダイナミック、客席をさらう大ナンバー「Contempery」、突き抜けたキャンプさ、そして第2幕にはドレス姿まで。モロイのホレスは、どこを取っても素晴らしい――粋で、泡立つように軽やかで、ダンスも巧い。歌も見事で、発音も明瞭、コメディの間も一切外さない。ミュージカルにおける“正統派のキャラクター演技”がここにあり、モロイは主演級にしては珍しいほど、厚みと広がりのある才能を披露する。あらゆる意味で痛快な、ブラヴー級の快演だ。

ジェシー・ウォレスは『イーストエンダーズ』のカット・スレイター役でよく知られている。確かに、その人物像と本作のリルには表面的な共通点もあるが、驚くべきはむしろ逆で、リルはまったく別の演技として立ち上がっていることだ。カットにあった荒々しさ、落ち着きのない動き、唸るような怒り、くすぶる敵意は消え、リルはタフでありながらも優しく、公平で、根はロマンチスト。沈黙の瞬間こそウォレスは輝く――そして歌もダンスも手を抜かない。「Do You Mind」も「Polka Dots」も彼女の手にかかると実に美味しく、タイトル曲にも、豪快さとディーヴァの風格をたっぷり注ぎ込む。

全方位で、ただただ見事だ。カット役では当たり外れがあることもあるのに、ここまで隙なく“ハマる”のは驚くしかない。しばしばバーバラ・ウィンザーを思い出させるのも、率直に言って理想的だ。

制作チームは改訂版の脚本に、バートが書きながら初演には入っていなかった楽曲を挿入している。「Do You Mind」と「Living Doll」は当時のポップ・ヒットで、このスコアの中に自然に収まり、バートがこんな曲を書いていたの？と驚く人もいるだろうが、事実そうであり、本作のスタイルに完璧に合っている。「Where Do Little Birds Go?」や「Big Time」など、他の追加曲も同様に機能し、人物像や共感を厚くする。増強されたスコアは、まさに至福のミュージカル・トリートだ。

ハンズの鋭く巧みな演出、そしてエリオット・デイヴィスによる脚本面の加筆を得て、本作は稀有な存在であることを証明する。リバイバルであり、時代物であり、なおかつ今も社会を悩ませる問題――階級間の隔たり、犯罪の誘惑、男性が女性に対して行うあまりにひどい扱い、友情の真の意味、本当の善と悪の見分け方――をめぐる寓話でもあるのだ。練り直され、補強され、仕立て直された1959年のこのミュージカルは、現代の英国に多くを差し出す。過去と現在と未来を、同時に垣間見せてくれる。

本プロダクションは、英国ミュージカルにおけるバートの貢献が、いかに重要だったか、そして今なお重要であるかを示している。同時に、ナショナル・シアターのアプローチの不十分さにも光を当てる。バートの作品群はレパートリーに不可欠であり、ナショナル・シアターが持つ総力をもって上演されるべきだ。それはヘア、ベネット、オケースィ、ストッパード、あるいは他の数多の劇作家と同じくらい重要で、ある意味ではそれ以上でもある。なぜならバートは常に、普通の人々の暮らしを映し出してきたからだ。

このプロダクションの最良の点のひとつは、ミュージカルにまつわる“常識”や偽りの確信を嫌悪していることだ。ここに、男女いずれの「きらびやかな」コーラスラインもない。代わりにいるのは、あらゆる体型の、とびきり優秀で、とびきりセクシーな女性たち（ヴィヴィアン・カーターの熱いほどスレンダーな姿から、スージー・チャードの豊満で見事にたっぷりした体つき――その見事な胸はアインシュタインの重力理論にさえ反抗しているかのようだ――まで）。彼女たちは一瞬一瞬に官能的な歓び、気だるい至福、そして斜に構えた、散漫で、色あせた期待感を吹き込む。全員がトリプルスレット。素晴らしいを超えている。

トッシャーの世界に迷い込み、彼のせいで傷つき、それでも最後に陽の当たる瞬間を得るイングェニュのロージーを演じるサラ・ミドルトンもまた魅力的だ。か弱く優しい――鋼の上にきらめく絹のように。

もうひとつ特筆すべきは、作品の言葉遣いが1959年にしっかり据え置かれていることだ。当時のイーストエンドの言葉の色彩、きらめき、無礼さ、そして魅力がそのまま保たれ、政治的正しさという厄介な触手に汚されていない。どこで「The Student Ponce」なんて題の曲が聴けるだろう？ この言語が作品全体にもたらす豊かさは、測り知れない満足を与えてくれる。

豊かなのは台詞だけではない。ウィリアム・ダドリーの美術と衣裳が、時代、階級、そして作品のスタイルを見事に打ち立てる。テキストと創造的ヴィジョンの幸福な結婚だ。ベン・オメロッドの照明も素晴らしく、巨大なビデオスクリーンを巧みに用いて、緊張にも幸福にも、空気を足し、ムードを増幅させている。

だが“仕上げのアイシング”であり、予想外の高揚であり、最も純粋な神の火種となるのは、ネイサン・M・ライトによる、筋肉質でセクシーで魅力的、そして抗いがたい振付だ。ダンスのステップが人物理解に寄与するのは、実に稀だが――ここではまさにそれが起きる。観客は、ウォレスのリルについて、いくつもの場面以上に、彼女がステップをどう踏むかで多くを知る。モロイのホレスも、ステファン・ブースによる熟れた、意外性のあるトッシャーも同じだ。むろんキャスト全員がそうである。全編を通して、ゲイリー・ワトソンとスティーヴィー・ハッチンソンのフットワークも見事で、技術的に印象的なうえ、背景のディテールとしても素晴らしい。

ライトの最も巧みな仕事は「Where It's Hot」の扱いにある。終始すばらしいコメディ調で魅せるクリストファー・ライアンに、レッド・ホット役として舞台をさらうチャンスを与えているのだ。だが大ナンバーも同じくらい見事で、舞台は小さいのに、振付が窮屈にも雑然とも見えない。途切れることなくきらめき続ける。

ゲイリー・ケンプとマーク・アーデンが、他のキャストの何人かほど驚異的ではないのは事実だが、ほとんど問題にならない。美味しいコメディの名演がこれほど揃っている――カーターとウィル・バートンのマートル＆パーシーなど、まさに天啓級――のだから、男性リード2人の控えめさはほとんど気にならない。

ハンズは、「古臭い」として見落とされ、捨てられがちな作品を、見事で、歓びに満ちた、そして実に勝利のリバイバルへと作り上げた。舞台から脈打つ生命力と美しさと純粋な快楽は、長い、長い上演を受けるにふさわしい。

もっと多くの『Fings』が、こうだったなら――昔みたいに。