RECENSIONE: Our Town, Almeida Theatre ✭✭✭✭✭

Foto: Marc Brenner Our Town Almeida Theatre 21 ottobre 2014 5 stelle

Thornton Wilder ha vinto tre Premi Pulitzer. Il premio che ottenne nel 1938 fu per Our Town, che debuttò a Broadway quello stesso anno. Quanto deve essere stata insolita, sconvolgente, forse persino inquietante, quella prima produzione per i frequentatori del teatro - senza scenografie, pochi oggetti di scena, la mimica delle attività quotidiane, un narratore che parla direttamente al pubblico, infrangendo la Quarta Parete, scorci di fili narrativi e brevi vignette che delineano personaggi particolari. Deve essere stato inebriante, intrigante, ispirante. Fresco.

Realizzato in modo elegante e abile, Our Town può ancora essere tutte queste cose - e di più. Come la magistrale ripresa di David Cromer del dramma, ora in scena all'Almeida Theatre dopo stagioni di successo in giro per il mondo, stabilisce senza sforzo.

Cromer è un genio. Qui tutto - assolutamente tutto - funziona. Perfettamente. Sublime. Con tutto il cuore. Non c'è nulla di cui lamentarsi o discutere.

Almeno, cioè, se non sei idoneo a essere eletto presidente degli Stati Uniti d'America. Perché, come suggerisce il programma, dato il logo/icona di questa produzione, Cromer cerca di rendere il lavoro di Thornton più universale richiedendo agli attori di usare accenti familiari e provenienti dal Regno Unito. Questo è, forse, controverso, poiché Wilder è considerato americano quanto la torta ai mirtilli e, in verità, il copione presenta ritmi e parole o frasi specifiche che immergono il dialogo nel New Hampshire, dove la città al centro dell'azione, Grover's Corners, si trova. Quindi si può capire perché gli americani potrebbero sentirsi proprietari degli accenti utilizzati in una produzione di questo grande dramma “americano”.

Ma, lungi dall'indebolire il potere e l'efficacia del lavoro di Wilder, la decisione di Cromer sugli accenti pagano veri dividendi. I chiari divisori di classe, spesso persi per orecchie non americane, sono cristallini quando gli accenti inglesi sono in gioco. Inoltre, la parte "nostra" del titolo del dramma assume un vero significato. Questa produzione non riguarda un luogo pittoresco e antiquato nei terreni agricoli d'America - no, questo è un dramma su di noi, sulle nostre città, la nostra gente, le nostre vite. Gli accenti locali guidano l'universalità dell'opera.

Ma, in realtà, l'intera visione di Cromer fa ciò. Il set di Stephen Dobay e i costumi di Alison Siple si combinano per creare un panorama ordinario, una palette di riconoscimento e familiarità. Due sezioni della fila anteriore diventano, quasi, i figurativi recinti o viottoli della città, che fanno sentire alcuni del pubblico seduti lì a disagio, ma ribadiscono l'inclusività dell'approccio al testo. L'illuminazione di Heather Gilbert è semplicemente magica; il graduale cambiamento di luce evoca il passaggio previsto del tempo e dell'ora. Le luci stesse - fatte per sembrare normali luci domestiche - aggiungono al sentimento di domesticità e intimità. E mantenendo le luci in sala accese si assicura che il pubblico ricordi sempre di osservare ciò che sta accadendo consapevoli che può essere visto, uno dei temi di Wilder sul modo in cui le vite sono vissute (o no).

E, quando arriva nel terzo atto, il trucco di design spettacolare è mozzafiato. Assolutamente mozzafiato.

È anche questo atto che vede l'uso degli accenti americani in una scena di flashback, un'altra decisione di regia ingegnosa, allineando la storia della città con il Narratore, mentre, simultaneamente, trova un altro modo per riflettere l'universalità dei temi mentre ricorda al pubblico dove il dramma ha avuto origine.

Il dramma di Wilder è ingannevolmente semplice in superficie ma quella semplicità è solo la coperta - i tesori sotto sono abbondanti e affascinanti. Questo è un dramma, essenzialmente, su ciò che significa essere un essere umano e le cose che gli esseri umani abitualmente fanno, sotto pressione dei coetanei o dei genitori o perché pensano di sapere di cosa si tratta la vita, per fare meno delle loro vite. È tanto sconvolgente quanto seducente.

Se fosse scritto oggi, vincerebbe un altro Premio Pulitzer. Senza dubbio. È fresco, importante e urgente come lo era nel 1938. Cromer comprende completamente e assicura che il pubblico lo capisca.

Oltre ai compiti di direzione, Cromer interpreta il direttore di scena, il narratore di Wilder che comunica con il pubblico e, come loro, guarda le azioni degli abitanti del paese. Adottando un approccio scolastico non condiscendente, Cromer è straordinariamente bravo, sia che interpreterà uno dei piccoli personaggi nel racconto (come l’uomo della soda, il celebrante del matrimonio come esempi) sia che fornendosi informazioni al pubblico o interagendo con il pubblico, stimolando la loro partecipazione. Usa il suo nativo accento americano – e quindi incornicia l'opera come un'opera americana, senza però interferire nell'universalità dei temi e dei personaggi. È così elegante, così ineffabilmente, astutamente perfetto, così mercuriale ed empatico. È una performance magnifica.

Ma non è assolutamente l'unica qui. Ogni singola persona che appare è perfettamente scelta e aggiunge lustro e piacere con la loro presenza. Ogni singola persona. Anche quelli che non hanno battute. Non ricordo un ensemble più impeccabilmente scelto. Mi tolgo il cappello di fronte a ciascuno di loro. Questo è recitazione d'insieme al suo massimo. Calorosa, abbracciante, dolorosamente onesta, perfettamente familiare.

Ci sono alcuni protagonisti che necessitano una menzione speciale. Christopher Staines è superbo nel ruolo di Simon Stimson, il maestro del coro alcolizzato che è oggetto di infiniti pettegolezzi nel villaggio ma per il quale nessuno muove un dito per aiutare. Commovente e esilarante, il lavoro di Staines qui è puro piacere. Chiunque abbia mai fatto parte di un coro comprenderà completamente il modo magistrale in cui Staines raffigura l'angoscia infinita dell'uomo che insegna le varie parti al coro; è molto, molto divertente. E contrappunta, con brutale elettricità, i momenti in cui Stimson è perso nel fugue della sua stessa disperazione e cinismo.

La rappresentazione brutalmente onesta di Annette McLaughlin della vuota pettegola del villaggio, Mrs Soames, è particolarmente fruttuosa e gioiosa. Il lattaio affidabile di Daniel Kendrick, Howie, e il Dr Gibbs di Rhashan Stone, ammirato pubblicamente ma privatamente spregevole, sono deliziosi, perfetti bocconi.

Anna Francolini offre la performance della sua vita come Mrs Gibbs, la moglie del medico del villaggio che passa le giornate a garantire che i bisogni della sua famiglia siano soddisfatti ma che sogna i propri sogni pur sapendo che saranno sempre fuori portata. Il suo senso di ansia materna è perfettamente calibrato come la nozione di una vita completamente sprecata con un marito ingrato e pretenzioso. È davvero meravigliosa nel Terzo Atto; sobria, precisa, multi-strato. La morte prematura del suo personaggio non ostacola la performance meravigliosamente giudicata da Francolini.

L'intera famiglia Webb è perfettamente disegnata: la madre esausta Kate Dickie; la studentessa intelligente e precoce Laura Elsworthy (della vita come si scopre), Emily; il tragico Wally di Arthur Byrne; e il meravigliosamente ordinario padre di Richard Lumsden. Hanno una vitalità come unità familiare che è notevole. Due scene sono particolarmente meravigliose: in cui Mr Webb impartisce saggezza al suo futuro genero (esilarante e profonda); e l'occasione del dodicesimo compleanno di Emily (calda, emozionante e, in ultima analisi, devastante).

Tuttavia, la performance della serata arriva da David Walmsley nel ruolo di George Gibbs. Non so quanti anni abbia Walmsley ma non è un adolescente, tuttavia nel primo atto convince completamente come tale, quel tipo di ragazzo adolescente triste e perso con cui tanti genitori sono familiari. Ogni secondo che è sul palco, Walmsley è completamente impegnato, completamente persuasivo e completamente magnifico. Nel secondo atto, le sue interazioni goffe con l'Emily di Elsworthy sono indimenticabili – dal compito apparentemente complicato di portare i suoi libri al momento terribilmente imbarazzante quando dichiara il suo amore per lei. Tenero, sincero e senza tempo, Walmsley è eccezionale sotto ogni aspetto. Il suo progresso da giovane arrabbiato a marito e padre impegnato e virile è assicurato e completamente reale. E la sua quasi silenziosa, straziante rappresentazione di angoscia paralizzante nel terzo atto corona questa piuttosto shakespeariana interpretazione.

Questa è una ripresa fenomenalmente efficace e ambiziosa di un capolavoro. Ristabilisce la fiducia nel potere e nella magia del teatro e mostra, in modo molto chiaro, come scegliere attori che sappiano recitare sia la chiave per il successo del teatro. Ti fa sollevare il cuore e lo spirito, anche se potresti versare qualche lacrima lungo il percorso. Potente. Coinvolgente. Indimenticabile. Calorosa. Un Our Town per il nostro tempo.