RECENSIONE: The Rivals, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

The Rivals

Teatro Arcola

16 ottobre 2014

5 Stelle

Recensore - Tim Hochstrasser

Le produzioni delle due grandi opere di Sheridan, The Rivals e The School for Scandal, sembrano meno frequenti al giorno d'oggi, il che è un vero peccato dato l'ampio ventaglio di opportunità che ciascun'opera offre per un palcoscenico di alta qualità di tutti i tipi per attori di tutte le età, con ruoli di ugual peso e arguzia per uomini e donne. Quando tutte le opere di Wilde, anche le meno importanti, ricevono uscite regolari, è sconcertante che questi due capolavori, così simili nelle loro sfide stilizzate, siano molto meno visibili. È quindi molto gradita l'opportunità di salutare una nuova e ottima versione del primo grande successo di Sheridan, ancora in scena per alcuni giorni al Teatro Arcola di Dalston. Non perdetevela finché potete....

The Rivals non è un'opera perfetta. Fallì quando fu prodotta per la prima volta nel 1775 e anche dopo tagli e riscritture sostanziali la seconda metà può risultare pesante. Gran parte della trama è stata svelata a quel punto e l'attenzione del pubblico può svanire se il testo non è messo in scena con ritmo, e con una grande quantità di movimenti e azioni sceniche inventive. Le produzioni possono anche essere facilmente troppo confortevoli, trattandola come un dramma in costume che fornisce un veicolo da star per gli attori che interpretano la signora Malaprop, Sir Anthony Absolute, e le due coppie i cui manovre intorno, lontano e infine verso l’un l’altro costituiscono l’argomento principale. Eppure dovrebbe essere un'opera inquietante che si stabilizza solo alla fine e con riluttanza in un ritmo di formazione di coppie.

Costanti eruzioni di rabbia, frustrazione sessuale, discriminazione tra città e campagna e tra inglesi e irlandesi, e ostilità tra figlio e padre, servo e padrone e padrona corrono come un filo conduttore attraverso ogni scena; e varie categorie di vanità di genere, sia misogine che misantropiche, costituiscono la radice di gran parte dell'umorismo, alcuni ancora disturbantemente crudeli e beffardi. Fu la rozzezza dell'opera, non il suo raffinamento come commedia di costume a dominare la sua accoglienza iniziale leggermente scandalosa; qualunque produzione deve catturare queste qualità se vuole farci guardare di nuovo l'opera.

Va dato grande credito al cast e alla squadra creativa per avere il coraggio di resistere alla tentazione di aggiornare l'opera per il bene della novità e invece scavare nel testo per trovare nuove e convincenti risposte.

La regista Selina Cadell scrive nel programma che 'gli attori oggi sono molto abituati a imporre l'umore al contenuto, avendo un rapporto con la lingua molto meno sicuro. La sfida per l'attore nella Commedia della Restaurazione, quindi, è trovare come il personaggio esiste attraverso la lingua e solo la lingua.' Invece di un naturalismo spurio, abbracciano la sfida di trovare la natura nell'artificio come fosse già la 'commedia frivola per gente seria' di Wilde. Gli attori interpretano i loro ruoli con massimo impegno e l'umorismo è naturalmente tanto maggiore per questo. Inoltre trovano esattamente il ritmo giusto per il testo non affrettando la consegna dei discorsi splendidamente elaborati di Sheridan. Cavalcare quelle lunghe frasi, con la loro accumulazione di clausole equilibrate e qualificative, richiede abilità simile a quella di un surfista sul crinale di un'onda in frantumazione...aspettatevi troppo e perderete il pubblico; affrettate le sequenze e mancherete il momento clou.

Ognuno del cast è stato esemplare nel prendersi il tempo necessario quando richiesto e aumentare il ritmo quando la scena richiedeva dinamismo e interazione fisica. Affidandosi al linguaggio sulla pagina e sviluppando attentamente il personaggio attraverso di esso i benefici sono stati maggiori nelle scene finali quando l'impulso della trama rallenta: tali interpretazioni dettagliate offrono un umorismo proprio in quella fase. Ogni attore ha capito che in un'epoca in cui il contatto fisico e il contatto umano erano limitati e formali, il linguaggio nel suo pieno spettro, dal spirito delicato alla licenziosità audace, deve giocare tutta la gamma di emozioni, frustrazioni e gelosie che in un'opera moderna sarebbero indicate dal linguaggio del corpo. È e era perfettamente accettabile rompere frequentemente la 'quarta parete' e ricordarci che eravamo in un'opera, che era come il pubblico del diciottesimo secolo considerava questa esperienza, ma per far funzionare questo il linguaggio deve essere trattato con completo rispetto e recitato con tutta la passione. È stato un raro piacere ascoltare il testo consegnato con tale sicurezza e puro godimento tridimensionale delle sue possibilità immaginative.

Non ci sono anelli deboli in questo cast molto raffinato ed è inevitabilmente ingiusto evidenziare particolari esibizioni. Ma per la loro abilità tecnica nel farci riflettere su un testo familiare, devo lodare Jack Absolute di Iain Batchelor e l’interpretazione di suo padre di Nicholas Le Prevost. Minacciando la rabbia ma fallendo nel consegnarla fino a quando non te l’aspetti, Le Prevost ha dato una lezione magistrale in tempi comici; e Batchelor ha riempito ogni aspetto del suo ruolo multifacetico come Capitano Jack ed Ensign Beverley con invenzione disinvolta.

Gemma Jones spumeggiava e si agitava efficacemente come la signora Malaprop, un soffice fiocco di seta grigia e tulle rosa, e merita credito per NON enfatizzare troppo il suo uso creativo del linguaggio. 'L'ananas della cortesia' ha trovato il suo posto come il culmine di un meraviglioso paragrafo non come una barzelletta isolata.

Jenny Rainsford languiva elegantemente come Lydia con più mordente e combattività in questo ruolo di quanto siano solite fare, e Justine Mitchell era un modello di contegno sobrio ma precisamente sottovalutato come la molto afflitta Julia. Adam Jackson-Smith ha interpretato Faulkland come se fosse John Cleese, il che ci ha aiutato a dare un utile punto di riferimento per gli scrupoli autodistruttivi e tediosamente sfinenti del personaggio.

I ruoli di riserva dell'irlandese e dell'agricoltore di campagna nuovo in città sono meno sviluppati nella scrittura, ma sono stati ben interpretati durante la serata. Tutti i servitori hanno preso i loro momenti di intervento e commento con bravura.

Se avessi un appunto, sarebbe con la messa in scena. Il Teatro Arcola è uno spazio di forma difficile, e necessita di una gestione molto attenta se le scene devono fluire facilmente l'una nell'altra (come è stato fatto così bene nella recente produzione di Carousel). Qui c'era un po' troppo da fare tra le scene, sia nel muovere le scenografie (per esempio una inutile sagomatura di un'urna alzata e abbassata per indicare una scena all'aperto), o negli intermezzi musicali o gag ricorrenti. In un'opera lunga come questa e dove la consegna del linguaggio era così giusta, era un peccato che le scene non avessero potuto fluire più senza soluzione di continuità e soprattutto nella seconda metà strutturalmente più debole. Anche se è ambientata a Bath in effetti, non abbiamo bisogno di vedere Bath sul serio, o perlomeno non a un grado elaborato.

Tuttavia, questo punto a parte, questa produzione è una memorabile e stimolante rivisitazione di un vecchio classico e una delle serate più divertenti a teatro attualmente in città. Non devi essere d'accordo con il mio 'scompiglio di epiteti', solo non perdertela....