RECENSIONE: Il Problema Difficile, Teatro Dorfman ✭✭

The Hard Problem

Il Teatro Dorfman

9 febbraio 2015

2 stelle

Tom Stoppard. Due parole che fanno battere il cuore velocemente in attesa. Due parole che evocano un repertorio di meraviglie teatrali gloriose, abbaglianti, intelligenti e ispiratrici - spesso molto divertenti - da Rosencrantz And Guildenstern Are Dead, il suo primo grande successo, fino a Rock'n'Roll, il suo ultimo lavoro per il teatro, debutto alla Royal Court nel 2006 e poi trasferito nel West End e a Broadway. Due parole che si sono unite all'annuncio del saluto finale di Nicholas Hytner al National Theatre, per promettere l'evento teatrale del 2015; un'altra scintillante esplorazione di idee, un altro esame di questioni scientifiche o filosofiche, un altro testo pieno di allusioni letterarie e personaggi caldi e reali.

Quello spettacolo è The Hard Problem, ora in scena al Dorfman Theatre, con la prima parte del suo ciclo praticamente esaurita. Al cuore di questo spettacolo c'è questa domanda: se nell'Universo non c'è niente se non materia, come si spiega il concetto di coscienza? Esplorando questioni di mente e corpo (sono uno solo o separati?), altruismo ed egoismo, l'esistenza di Dio, il concetto di 'bene', come operano gli hedge fund (sì, davvero) e il potere della coincidenza, il dramma di Stoppard segue le vicissitudini di Hilary, una ricercatrice in psicologia. Anche se questo sembra il consueto materiale di Tom Stoppard, The Hard Problem è unico per un aspetto notevole.

È incredibilmente noioso.

Il vero problema difficile riguardante questa produzione di The Hard Problem è questo: quale creativo ha maggior colpa, lo scrittore o il regista?

Dire che la produzione è deludente è un elogio. In parte, questo è dovuto al fatto che si trova nel teatro sbagliato. Il Dorfman è uno spazio di grande intimità, e sebbene questa sia essenzialmente la storia delle lotte personali, private e professionali di una donna, le idee che la sostengono non sono intime - sono universali, nel tema e nella portata. Quindi, usare lo spazio del Dorfman sembra un inganno; un tentativo di creare interesse nella situazione e nei personaggi mediante l'uso di uno spazio di recitazione più piccolo. Un tentativo che fallisce.

Ha anche un'altra conseguenza. Il dramma si svolge in diversi luoghi distinti. Anche se il design di Bob Crowley trova un modo per accoglierli tutti, può farlo solo affidandosi a cambi di scena laboriosi e apparentemente interminabili accompagnati da intermezzi di musica classica. Un palco più grande avrebbe potuto permettere transizioni immediate in ambientazioni più dettagliate ed eliminato la necessità degli stridenti interludi necessari qui solo perché la troupe possa smontare e risistemare il mobilio.

Il pezzo centrale del design di Crowley è una scultura di luce fluorescente sospesa dal soffitto, più o meno nella forma di un cervello umano, che si illumina in modi diversi e in colori diversi, talvolta di colori che cambiano. È molto impressionante e fornisce un costante promemoria di uno dei temi del dramma: la nozione delle relazioni tra mente e cervello e mente e corpo: in entrambi i casi, "Sono uguali?"

Il testo è complesso e denso, pieno zeppo di idee; le meccaniche della presentazione del dramma non aiutano particolarmente il pubblico a empatizzare con il testo. Pertanto, affinché la produzione possa spiccare il volo, il cast deve essere eccezionale.

Purtroppo, non lo è.

La migliore performance viene da Damien Molony nei panni di Spike, lo snob intellettuale che non ha tempo per alcuna idea che non si accordi con il suo modo di pensare e che è l'occasionale amante del personaggio centrale, Hilary. Il vero nome di Spike è Spencer e il fatto che si chiami Spike è decisamente significativo. Si crede un donnaiolo (davvero, pensa che qualsiasi donna sarebbe felice di fare sesso con lui, anche una lesbica in una relazione felice) e appare in vari stadi di spogliarello improbabile. Molony è eccellente nel fare il cattivo ragazzo, e cattura perfettamente anche il lato cinico di un accademico/ pensatore che disprezza coloro con cui non concorda ma non disdegna avere rapporti sessuali. Incorpora la nozione di egoismo.

Il sempre affidabile Anthony Calf svolge con facilità il ruolo del ricchissimo Jerry, la cui mente lavora a cento all'ora e che tiene aperte le sue opzioni su qualsiasi teoria filosofica o nozione scientifica comportamentale scelga di essere interessato. Il suo interesse deriva dall'effetto che la scienza ha sui suoi schemi di investimento in hedge fund e Calf eccelle nel mostrare la mente quasi mono-orientata di Jerry verso l'accumulo di denaro. Mostra sprazzi di altruismo, ma è essenzialmente un altro supremo Egoista.

C'è un terzo Egoista convinto: l'arrogante Amal, il cui senso di superiorità è Grand Canyonesque finché Jerry non lo mette in punizione per due anni. Parth Thakerar dà vita all'arrogante Amal in modo vivace. All'inizio del dramma condivide opinioni e una visione che rispecchiano quelle di Spike, ma dopo il tempo sulla punizione di Jerry potrebbe ripensare alle sue idee come questo discorso indica:

“Non faccio trading. Non propongo. Lavoro sui modelli al computer che dovrebbero gestire il rischio. Finché il mercato si sta correggendo da solo, i modelli sembrano funzionare, In teoria, il mercato è un flusso di atti razionali da parte delle persone interessate a sé; quindi il rischio dovrebbe essere computabile, e i modelli possono essere provati matematicamente a fallire una volta nella vita dell'universo. Ma di tanto in tanto, il comportamento del mercato diventa irrazionale, come se fosse impazzito o innamorato. Non computa. Solo i computer computano. Quindi ci sto pensando.”

Considerando che quando il dramma inizia, Amal pensa che i computer possano fare qualsiasi cosa – e più - di un cervello, questo è un bel cambiamento di posizione. Thakerar mostra il viaggio di Amal da un punto di vista accademico rigidamente certo, attraverso un'umiliazione personale, fino a un pensatore flessibile e adattabile. Dei tre egoisti centrali, Amal, in qualche modo incredibile, si rivela essere il più caloroso. È un merito di Thakerar essere riuscito a farlo.

Ci sono una serie di altri ruoli con diversi gradi di importanza: il capo Dipartimento veterano di Jonathan Coy, Leo, che non accetta la visione della Scienza di Spike/Amal; Bo di Vera Chok, così disperata di piacere che farà cose sbagliate, il cui ruolo nella trama è completamente incredibile; e la coppia lesbica improbabile di Julia di Rosie Hilal e Ursula di Lucy Robinson. Si sospetta che questi personaggi siano presenti non solo come punti della trama; sembrano essere lì come persone con cui il pubblico può identificarsi e per le quali possono preoccuparsi o relazionarsi. Ma la recitazione non ha quel risultato.

Davvero, nessuno di questi personaggi è sufficientemente amabile da far interessare su cosa succede. Alcuni di loro hanno storie ridicole/evidenti che sono al meglio banali, e, nel peggiore dei casi, ridicole. Peggio di tutti, il modo in cui questi personaggi interagiscono con Hilary la sminuisce come personaggio. È la rappresentazione dell'Altruismo - ha bisogno di tutto l'aiuto possibile per navigare nel mare di squali scientifici in cui nuota. Ma il modo in cui la trama si svolge non ne riceve alcuno; piuttosto, è fatta sembrare fondamentalmente imperfetta da, almeno, Leo, Jerry e Bo

Il dramma non può funzionare senza che il personaggio di Hilary sia il risultato di una performance trascendente. Molto è richiesto all'attore che interpreta Hilary - dialogo difficile, situazioni difficili, ed emozioni difficili - e deve navigare sviluppi di trama improbabili e un abisso di sentimentalismo prevedibile quando le carte si sistemano (cosa che, a meno che tu non sia addormentato, accade molto presto nello spettacolo). È un compito monumentale questo di interpretare Hilary in The Hard Problem.

Olivia Vinall gestisce il compito, ma davvero solo appena. Hilary richiede un potere interiore, un'incandescenza di spirito e una destrezza vocale che Vinall non possiede. Non è Emma Fielding o Carey Mulligan – per nominare solo due attrici che una volta avrebbero potuto fare giustizia a questo ruolo. Vinall lavora duramente e non si può criticarne l'impegno nel compito, ma non è all'altezza della grande sfida posta da Stoppard e non è, in alcun modo, aiutata dalla messa in scena di Hytner o dal resto del casting.

Alla fine, però, la maggior parte della responsabilità ricade su Stoppard. The Hard Problem semplicemente non si tiene abbastanza bene come opera teatrale. Non ci sono trama e carattere sufficienti, né abbastanza calore, per rendere il gioco di principi scientifici, teorie e enigmi degno di essere guardato. A differenza di Arcadia, non ci sono sorprese, nessun personaggio affascinante, nessuna interazione personale intrigante. Piuttosto, The Hard Problem è popolato da persone spiacevoli e antipatiche che spacciano gergo scientifico difficile in un mare di sentimentalismo prevedibile e banalità. Ci sono una manciata di buone battute ma una manciata non è sufficiente. Gli appunti dettagliati nel programma hanno fornito più interesse drammatico di circa 100 minuti di tempo sul palco. Alla fine dello spettacolo, ci si sente come la Moglie del Fornaio dopo il suo incontro con il Principe di Cenerentola nel secondo Atto di Into the Woods: per citare, "È tutto qui?"