RECENSIONE: The Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

The Flannelettes. Foto: Francis Loney The Flannelettes

King's Head Theatre

19 Maggio 2015

5 Stelle

The Flannelettes arrivano al King’s Head Theatre come parte delle celebrazioni per il suo 45° anniversario. La pièce riunisce Richard Cameron e Mike Bradwell, il team che ha avuto tanto successo al Bush con The Glee Club (2002) e opere simili. Condivide molte qualità simili con il suo predecessore di successo nazionale: un'ambientazione in una città del Nord depressa, popolata da donne dure o sfruttate e uomini violenti o inefficaci; dove la musica riempie il grande divario tra le dure circostanze della vita quotidiana e le aspirazioni e i desideri dell'anima. Il sipario si alza su una routine di tributo a Tamla Motown in un Miners’ Welfare Club, che ci presenta cinque dei sei personaggi della pièce – Brenda (Suzan Sylvester), una vedova che gestisce il rifugio per donne locali; sua nipote, Delie (Emma Hook), che ha 22 anni ma un'età mentale di un decennio più giovane; Roma (Holly Campbell), la sua amica più anziana e la fidanzata molto abusata di un capo banda locale; Jean (Celia Robertson), una donna istruita delle Home Counties, recentemente arrivata al rifugio, e George, (Geoff Leesley) un pawn-broker locale geniale ma sbiadito, trascinato su gambe per fare numero. Più avanti nella scena si unisce Jim (James Hornsby), un ufficiale di polizia di comunità sposato, che si scopre avere una relazione con Brenda. Il numero di apertura è parte di un atto regolare, e il suo tono di aspirazione romantica che vola in alto, accoppiato a un senso di inevitabile e inesorabile delusione, stabilisce il modello per la pièce nel suo complesso. I personaggi fanno del loro meglio per sfuggire a un insieme di predicamenti apparentemente preordinati e poi provano o eseguono numeri Motown come commento corale sulla violenza e la desolazione che minacciano di sopraffarli. Se ciò sembra sia uno scenario familiare che statico, permettetemi di dire immediatamente che ciascuna delle molte scene è splendidamente realizzata in modo tale da stabilire prima ricca e profonda caratterizzazione da cui emerge un dramma di potere grezzo nella seconda metà. Queste sono interpretazioni dettagliate dove molti piccoli punti di testo o manierismo o gesto ritornano a colpirti con un nuovo significato alla seconda richiesta e notifica. C’è un delicato equilibrio tra commedia e pathos che continua a oscillare e spostarsi fino a una decisa svolta oscura nelle ultime scene che sono interpretate con grande grazia e abilità da tutti i coinvolti. Anche se ci sono interpretazioni eccezionali che devo sottolineare in questa recensione, è soprattutto un successo d'ensemble, dove lo scrittore assicura, come un librettista d'opera, che ciascuno dei personaggi abbia efficaci momenti solisti, e duetti di contrasto prima di partecipare a ensemble di vera energia, arguzia e – dove necessario – rabbia. Tutti gli attori sono forti e distintivi; e per tutta la tristezza avvolgente della fine, si presenta come una produzione molto felice che lascia al pubblico la sensazione che si sta svolgendo un'affermazione della vita oltre a un esame forense di un abisso di abuso.

Parte della ragione di questo senso di equilibrio e del successo complessivo della produzione è che il focus è molto sulla sviluppo individuale del carattere piuttosto che sull'attribuzione schematica di colpa. Non c'è una tesi dogmatica in gioco qui: il degrado socio-economico della città mineraria è un dato, un triste sfondo non un'agenda politica. Non che ci sia qualcosa di sbagliato in astratto, ma renderebbe la pièce molto diversa – un approccio alla David Hare non si fonderebbe con il grido primordiale dell'anima utilizzato così emotivamente qui. Fondamentale per l’azione è l’interpretazione stanca, non illusa, infinitamente paziente e accettante di Brenda da parte di Sylvester. È il centro emotivo calmo della pièce intorno a cui girano gli altri personaggi e a cui ritornano. Sarebbe facile trasformarlo in una caricatura di una donna del Nord stoica e tenace, ma non perde le opportunità che le sono offerte di rivelare la sua delusione e il danno emotivo. Ci sono momenti di toccante vulnerabilità nelle sue interazioni con i due uomini nel cast in particolare che sono molto commoventi. Accanto a lei nel rifugio, Robertson riesce abilmente a trasmettere il viaggio di Jean da moglie maltrattata traumatizzata a resistenza coraggiosa e recupero nonostante la perdita della sua famiglia – l'unico vero personaggio alla fine della pièce in uno stato psicologico migliore di prima. I due uomini – George e Jim – sono più difficili da eseguire a causa del costante, estenuante senso di fallimento nei loro personaggi – George ha le migliori intenzioni, vera gentilezza ed empatia, ma energia e capacità ridotte di portare a termine le cose; Jim ha energia ma poca comprensione emotiva, che si tratti di lui stesso o di altri. Entrambi non comprendono le disastrose conseguenze delle loro azioni per le donne nel rifugio. Il potere risiede ancora in uomini deboli o (fuori scena) teppisti e manipolativamente abusivi. Entrambi gli attori riescono a rendere questi uomini simpatici anche se l'impulso emotivo e il flusso della pièce è quello di impostare un lamento per e delle donne.

Ma le interpretazioni eccezionali indubbiamente riposano con Holly Campbell ed Emma Hook. Per gran parte dell'azione, Campbell deve interpretare una donna che non ha più alcuna autostima e che sta recuperando o sta per ricevere ulteriori abusi fisici. Cattura molto economicamente e senza sentimentalismo la qualità dallo sguardo vuoto e intorpidito della vittima perpetua, pur preservando una voce e una personalità differenti per le sue speranze di una casa propria. Nelle sue scene con Hook, il loro mutuo recupero di uno spazio per la speranza è molto commovente. Delie, però, è il centro dell'attenzione del pubblico ogni volta che è in scena. Interpreta il suo personaggio con innocenza, certo, ma con molti altri strati: la visione a tunnel e la curiosità incessante di un bambino con energia abbondante ma fiducia mal riposta viene comunicata potentemente nella prima metà; e nella seconda, mentre l'oscurità si chiude intorno a lei, lo sconcerto, il dolore incomprensibile e il disperato desiderio di mantenere un qualche tipo di ancora sicura nel mondo adulto iniziano a prendere il sopravvento e si intravedono i contorni di un'interpretazione di vera grandezza. Il suo monologo nell’ultima sezione della pièce è uno dei due o tre migliori momenti teatrali che ho vissuto quest’anno; uno di quei momenti in cui il pubblico è completamente in sintonia con l'attore e tutte le considerazioni estranee sono messe da parte.

Questa pièce è un degno tributo a tutto ciò per cui il King's Head è noto. Non perdere occasione di vederla negli ultimi giorni e posso solo sperare che approdi presto su un altro palco.

The Flannelettes sarà al King's Head fino al 6 Giugno 2015