RECENSIONE: Il Crogiolo, Teatro Old Vic ✭✭✭✭✭

Il Crogiuolo al The Old Vic. Foto: Tristram Kenton Il Crogiuolo

Teatro Old Vic

30 Giugno 2014

5 Stelle

L'auditorium è spesso di fumo ardente. Si può sentire l'odore del fieno bruciato e il persistente sentore di cenere ad ogni respiro. Il palco è spoglio, sebbene disseminato di vecchie sedie consunte e con un mucchio di stivali da fattoria scartati al centro, simili a una pira, o forse a un memoriale.

È buio, quasi come un Venerdì 13, e un senso palpabile di terrore è ineludibile. Schegge di luce infrangono l'oscurità a intervalli irregolari. Fluttuazioni di cenere discendono sporadicamente dal soffitto. Essendo un teatro in tondo, il disagio e l'inquietudine degli altri spettatori sono cristallini - e sorprendenti. Più di ogni altra cosa, mentre guardi le tende e i pannelli grigi che si estendono nell'auditorium e si snodano intorno ad esso, sei consapevole di una sensazione di stare in giudizio.

E in questo, prima ancora che la prima battuta sia pronunciata, la splendida rivisitazione di Yaël Farber del capolavoro di Arthur Miller (beh, uno di essi), Il Crogiuolo, ora in anteprima al The Old Vic, inizia come intende continuare: con una precisione gelida e inquietante.

Il Crogiuolo è un'opera lunga (qui inizia alle 19.30 e termina intorno alle 23.15 con un intervallo di 20 minuti) e nelle mani sbagliate può essere davvero terribile: una farsa melodrammatica nelle peggiori produzioni.

Ma Farber non commette errori nel casting, nel design, nel ritmo, nel tono o nell'intensità, con il risultato che l'opera pulsa di vitalità, è sia viscerale che sensuale e, anche se conosci la trama, si svolge come il terrificante thriller psicodramma che è.

Adotta uno stile tematico per l'allestimento e il cambiamento delle scene che funziona in modo spettacolare. Figure silenziose e solenni, tutte vestite con sfumature di marrone o nero o bianco sporco - non c'è nulla di colorato in questo mondo - si muovono quasi fosse un balletto, stabilendo tristezza e creando l'impressione di una danza di morte mentre si sistemano tavoli, sedie, panche, bacinelle e così via. Niente di tutto ciò avviene rapidamente; è quasi insopportabilmente funereo, ma crea e sostiene l'atmosfera in modo trionfante.

L'immagine di apertura di Tituba che canta ambiguamente su un mucchio di calzature scartate è potente - e allestisce lo spazio scenico come un crogiuolo dove saranno compiuti atti strani. Bolla, bollicina, pena e guaio: questo è desiderio sottostante qui. Con l'inizio del secondo atto, il movimento silenzioso di una singola figura femminile che tiene una corda dietro di sé, parla più eloquentemente delle morti che sono avvenute da quando il primo atto è finito di quanto un passaggio di dialogo o una rappresentazione effettiva di impiccagione potrebbero fare. È sia radioso che raccapricciante.

Il set di Soutra Gilmour è magnificamente adattabile; cascina, camera da letto, chiesa, tribunale, prigione. Diventa ciò che deve essere con facilità e fluidità che sottolinea il periodo dell'ambientazione dell'opera e le incertezze contrastanti delle vite dei personaggi. L'illuminazione accattivante e angosciante di Tim Lutkin amplifica l'efficacia del set e, insieme alla musica impressionante, inquietante, fragile di Richard Hammarton, crea l'ambientazione perfetta per il conflitto tra bene e male, interesse personale e conformismo, vendetta e condiscendenza ostinata.

Il casting è impeccabile. Ci sono 24 attori nella compagnia; ciascuno è impeccabile.

Questa opera può sprofondare in risolini di scherno se le giovani donne che costituiscono il gruppo di Abigail non sono in grado di essere convincenti, specialmente nella scena chiave in cui tutte potrebbero, o non potrebbero, condividere una visione gestaltica che strappa la Mary Warren distrutta di Natalie Gavin dal senso di verità e sigilla il destino di John Proctor e Rebecca Nurse.

Ma qui non c'erano problemi. Uniformemente, le giovani donne erano eccezionali, i loro urli gutturali, demoniaci e acuti e le eruzioni corporee sono terrificanti. Credibili e agghiaccianti. Samantha Colley è una Abigail sensuale, provocante e infine vile e malvagia. Non ne ho mai vista una migliore. È la definizione vivente di una donna disprezzata.

William Gaunt è davvero meraviglioso come l'animato e sbalordito Giles Corey e il calore e la profondità che porta al personaggio assicurano che la descrizione del suo macello sia dolorosa da sopportare. Ann Firbank è ugualmente meravigliosa come la serena Rebecca Nurse, e il suo commento casuale riguardo al non aver ricevuto la colazione mentre viene condotta all'esecuzione lacerano l'anima. Osserva tutto ciò che accade e la sua calma e il suo aspetto beatifico sono un superbo contrappunto agli istrionismi dei membri più giusti della comunità.

Jack Ellis infuria e ruggisce con zelante furore religioso come il supercilioso, ripugnante Danforth, un uomo così sicuro della stregoneria da ignorare ogni buon senso per eliminarla. È un ruolo meraviglioso ed Ellis lo sfrutta al massimo. La precisione del suo linguaggio e della sua espressione è deliziosa e nei rari momenti in cui l'incertezza attraversa i suoi lineamenti, i livelli di complessità politica insiti nel suo personaggio sono abilmente disegnati.

Adrian Schiller rende ogni momento memorabile per il reverendo Hale. Dell'establishment, Hale compie il viaggio più significativo, spostandosi dall'incertezza alla convinzione e ritorno - e Schiller lo mostra chiaramente. Un'altra performance piena di gioia sottile.

Non li elencherò tutti ma ogni membro della compagnia fa la sua parte, lascia il suo segno - da Harry Attwell, disgustoso e sprezzante Putnam, a Neil Salvage, angustiato e desolato Francis Nurse. Christopher Godwin è la personificazione della presunzione come Hathorne.

Ma il cuore e il nucleo della commedia, la sua fibra e vigore, risiedono in John ed Elizabeth Proctor. E qui, entrambi gli attori portano un'intensità ricca, profondamente sentita e condivisa alle loro performance.

Anna Madeley è perfetta come Elizabeth, il suo senso di moglie e madre è profondo e totalizzante. Porta il dolore di ciò che è avvenuto tra John e Abigail prima che lo spettacolo inizi con dovere stoico – c'è un momento meraviglioso quando versa l'acqua per il lavaggio pre-cena di John e dove il tempo impiegato e il distacco impiegato nel compito parlano volumi delle loro semplici vite e della leggera distanza che attualmente separa la coppia.

Il momento più straordinario dell'opera arriva quando Danforth interroga Elizabeth sul fatto che suo marito sia stato un adultero. Non volendo vergognare suo marito, Elizabeth inaspettatamente e non caratteristicamente mente e dice che non è stato adultero con Abigail, non sapendo che John ha confessato e che la sua menzogna lo condannerà. Madeley interpreta questa scena in modo straordinario, travagliata dal dolore e dalla paura, non volendo mentire ma desiderando salvare il suo uomo. Anche sapendo cosa succede non impedirebbe alla tensione che Madeley produce qui. E l'esplosione di passione e paura che segue, seguita dalla tranquilla accettazione finale della necessità che uomini onesti muoiano piuttosto che essere costretti alla falsità - è tutto fatto in modo esperto. Magistrale. Sottovalutato. Profondamente toccante.

Poi c'è Richard Armitage come John Proctor.

Ci sono molti modi per affrontare questo personaggio: tormentato, defiante, intellettuale, selvaggio, incompreso – tutte sono scelte legittime a seconda della produzione. Armitage lo interpreta come un semplice contadino, che lavora ininterrottamente per provvedere alla sua famiglia, che considera la sua fede importante ma non più importante della vita di sua moglie, dei suoi figli e dei suoi amici. Un uomo che ha tradito se stesso per piacere carnale con Abigail e ha così spezzato Elizabeth; un uomo che non si perdonerà mai.

Armitage è tutto muscoli e furia, ma ci sono momenti di grande, sincera tenerezza e affronta le sezioni liriche della commedia con grande bellezza. Urla molto - ma non è fuori luogo o esagerato; questa è più la risposta della semplice orsa che il suo Proctor è, intrappolato, messo all'angolo e maltrattato. Un Proctor ipnotico e unico. È al suo meglio affrontando il disprezzo pugnace di Danforth e la duplicità del reverendo Parris (un delizioso Michael Thomas) ma non si può negare il genuino sentimento, la totale comprensione che porta alle sue scene di rimpianto e perdita con l'Elizabeth di Madeley.

In effetti, questo è il grande successo della produzione di Farber. È cristallino nel raccontare la storia, spietato nel fornire i dettagli e romantico e sensuale nel suo complesso.

Una brillante, sublime e terrificantemente efficace resa del meraviglioso lavoro di Miller.

Imperdibile.