RECENSIONE: Il Pagliaccio dei Pagliacci, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Il Clown dei Clown

Arcola Studio 2

04/08/15

5 Stelle

I doppi spettacoli possono spesso essere problematici. Raramente formano una combinazione armoniosa: uno può sembrare semplicemente un riempitivo per l'altro, un modo per allungare la serata; oppure i temi e le idee trattati possono remare in diverse e confuse direzioni; o un contrasto troppo netto tra commedia e tragedia può lasciare un gusto insoddisfacente come troppi drink mischiati ad un matrimonio. È uno dei grandi successi de Il Clown dei Clown che le due metà della serata siano perfettamente integrate e offrano molti punti di contatto e intuizione illuminanti fra le due. La prima metà è dedicata a una performance di Pierrot Lunaire di Schoenberg, un'opera per soprano e gruppo da camera che riesce ancora a sorprendere e affrontare il pubblico oltre un secolo dopo la sua prima. Vale la pena fermarsi un attimo a considerare con attenzione quali siano le sfide. Si parla molto dell'atonalità delle impostazioni e dell'uso del Sprechgesang (ritmo e intonazione sono fissati ma semplicemente non sostenuti), ma in realtà questi sono i problemi minori. Ci si abitua al mondo sonoro dopo un po' di esposizione, non ultimo perché l'uso di dispositivi formali tradizionali nella scrittura (canone, fuga, forme di danza ecc.) aiuta a renderlo leggibile. Più difficile da capire sono i testi inizialmente sconcertanti - 21 poesie simboliste - e il genere presiedente – melodramma – che ora è un territorio perduto e alieno per noi. Mentre la figura di Pierrot, il clown malinconico, è un tropo familiare, la poesia francese (di Albert Giraud e tradotta in tedesco da Otto Hartleben) ci immerge in un mondo di associazioni oscure e persino minacciose che sono allo stesso tempo frustrantemente astratte.

Non c'è una narrativa specificata, solo una serie di suggerimenti che coinvolgono l'esplorazione delle conseguenze distruttive dell'inseguimento sfrenato del desiderio fino alla depravazione. Si esplora l'immaginario associato al fascino sensuale di bevande, danze, musica, gioielli, profumi e bei vestiti, insieme a una gamma di significati simbolici associati alla luna, alla malattia, alla notte, alla religione – ovviamente - alla morte. Vi è un tono pervaso di nostalgia e rimpianto per l'amore perduto, la felicità e la patria. Mentre qualcosa di tutto ciò emerge nelle utili traduzioni parallele e nei testi forniti nel programma, ciò che ci manca completamente ora è il modo in cui quest'opera è intesa sia come celebrazione che sovversione del genere popolare del melodramma – testo parlato con un sottotono strumentale. Conosciamo il melodramma, se lo conosciamo, come un importante precursore della musica cinematografica; ma ciò che fa Schoenberg qui è prendere un genere stanco, complacente di auto-congratulazione borghese e rimodellarlo come un veicolo audace per l'Espressionismo tedesco.

Di conseguenza, qualsiasi tentativo di reinterpretare quest'opera deve recuperare un senso di direzione e rischio negli atti di comunicazione emotiva che si trovano al suo cuore, e qui la concezione del Direttore Artistico, Leo Geyer, e del Regista, Joel Fisher, funziona estremamente bene. I cinque strumentisti sono posizionati sul retro dello spazio scenico e, per ciascuno dei 21 numeri, c'è una serie parallela di interazioni ballettiche sul palco. Queste sono tra il cantante, Emma Stannard, vestita in stile contemporaneo come se fosse appena uscita da un dipinto di Klimt, e Pierrot (Matt Petty), vestito con una tuta bianca, oppure tra Petty e gli altri due personaggi principali con i quali Pierrot è associato nella tradizione della commedia dell’arte - Columbine (Amelia O’Hara) e Cassandro (Peter Moir), o solamente Pierrot da solo. Ognuno di questi movimenti non è focalizzato sulla definizione narrativa, ma piuttosto sulla definizione dell'emozione che è il nucleo di ogni poesia. Questo è risultato essere sia veramente illuminante che piacevolmente non prescrittivo. Pierrot è un'opera difficile da portare a termine in esecuzione da concerto, figuriamoci in forma teatrale, e tutti gli interpreti meritano grande merito. Stannard era completamente nel ruolo oltre che impeccabile nelle note, e gli strumentisti erano incisivi e nitidi nel loro ensemble. In uno spazio molto limitato, i ballerini, e Petty in particolare, hanno delineato forme toccanti con abilità tecnica e rara grazia poetica, trovando momenti di violenza e perdita di controllo che esternalizzavano la natura instabile e sgradevole del verso. Il lavoro di Petty ha catturato il pathos, l'auto-disprezzo e la rabbia repressa di Pierrot con precisione grazie alla coreografia di Alfred Taylor Gaunt, che era pienamente consapevole di come interpretare quest'opera attraverso il movimento. Leo Geyer ha diretto con autorevolezza e completa padronanza di una partitura immensamente esigente. Sebbene durasse solo 40 minuti, questa prima metà era emotivamente faticosa ed era difficile immaginare come potesse essere seguita, o addirittura se potesse esserlo. Tuttavia, la seconda metà - una 'stravaganza circense' chiamata Sideshows, con un testo di Martin Kratz su una partitura ispirata al jazz di Geyer - è stata un vero e proprio incanto. Geyer è riapparso per dirigere i procedimenti vestito da Maestro di Cerimonia, e i partecipanti hanno indossato costumi (in un caso, drag) riapparendo come Honker, Scraper e Mrs Scraper, e Tickler. La musica era in effetti intransigente per l'ascoltatore quanto il Schoenberg, ma lo spirito, il brio e lo stile di musicisti, ballerini e cantante (Rachel Maby) hanno creato i personaggi in modo molto economico. In rapida successione abbiamo assistito a clown, una cartomante, un orso danzante che è sfuggito al controllo, un serpente tanto affascinato quanto efficacemente dal clarinettista Antanas Makṧtutis, e una giovane artista, Delilah, con sua madre barbuta. Le convenzioni tradizionali del circo e del balletto e del decoro orchestrale sono state deliziosamente sovvertite pur continuando a tracciare continuità di carattere e umore con la prima metà della sera.

Questo spettacolo è una collaborazione tra due diversi ensemble - Constella Ballet and Orchestra da un lato e Khymerikal dall'altro. È una rivendicazione della fede di tutti i partecipanti nella relazione liberatoria e di mutuo supporto tra danza e musica contemporanea. La sinergia e la collaborazione interpretativa tra le due forme d'arte è stata magnificamente manifestata nel processo. La serata nel suo insieme ha fornito un avvio superbamente stimolante al Grimeborn Festival all'Arcola. Ci sono state fornite nuove intuizioni su un'opera antica che l'hanno resa molto meno intimidatoria e più accessibile del solito; e nella seconda metà è stato dato libero sfogo al lato gioioso e folle della vita del clown e del circo in un'opera nuova. Tradizione e la sua sovversione, i due principi governanti del Grimeborn, erano in questo caso in perfetto equilibrio.

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