RECENSIONE: Strike Up The Band, Upstairs At The Gatehouse ✭✭

Julian Eaves recensisce il musical di George e Ira Gershwin, Strike Up The Band, al Upstairs At The Gatehouse.

Il cast di Strike Up The Band. Foto: Andreas Lambis Strike Up The Band

Upstairs at the Gatehouse

8 marzo 2019

2 Stelle

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Rarità non si fanno più rare di così: dopo quasi un secolo, Londra finalmente vede una produzione professionale della commedia musicale del 1927 di George e Ira Gershwin, con un libro satirico e anti-guerra di George S. Kaufman, tutto centrato su un conflitto insensato tra gli USA e la Svizzera provocato dal tema controverso del... formaggio. Riproposto per una produzione nel Connecticut a metà degli anni '90 al Goodspeed Theatre, e per un paio di versioni concertistiche negli USA da allora, il copione colpisce ancora duramente con le sue frecciate pungenti e rilevanti al bellicismo americano all'estero e al neofascismo in patria (che riconosciamo così dolorosamente bene ora nell'era Trump), il lavoro originale di Kaufman sottolinea con chiarezza dura come, dopo tutti questi anni, non sembra essere cambiato molto.

Foto: Andreas Lambert

Se questo sembra un piatto forte da mescolare con il mondo leggero e frizzante delle melodie di George e delle intricate rime di Ira, beh, sì, lo è. Lo spettacolo oscilla avanti e indietro tra toni e stili con un'imprevedibilità sconcertante, cercando di trovare una strada attraverso la miscela inebriante e volatile. Un momento, abbiamo un ensemble gilbertiano, con melodie sovrapposte creando un senso di scala sociale. Poi, arriva una routine comica 'stile vaudeville' per un paio di attori, piena di battute spiritose e buffonerie. E poi, ci catapultiamo in una critica sociale aspra del tipo che Elmer Rice o Cliff Odets potrebbero aver scritto - o stavano per farlo. Ci sono molti momenti in cui non si sa se ridere o piangere, e questo non facilita la vita alla squadra creativa o al cast.

Il regista Mark Giesser ha certamente esperienza in materiale di questo genere, ma anche lui sembra smarrito su come conciliare gli elementi disparati e competitivi di questa strana creatura, come anche la coreografa Orley Quick, il cui background sembra ben poco prepararla a sapere cosa fare con materiale così idiomaticamente preciso. Inoltre, la maggior parte del cast ha solo una limitata esperienza nella gestione della commedia di questo tipo particolare e la squadra (se effettivamente hanno lavorato insieme come una sola) di regista e coreografa ha solo successo parziale nel permettere loro di scoprire come farlo funzionare in scena. Inoltre, la regia spesso non offre altro che linee rette di interpreti, che recitano i loro discorsi, apparentemente mentre aspettiamo di capire cosa fare dopo. Con un argomento così impegnativo, la sensazione che non ci sia una spinta totalizzante e convincente alla guida della produzione diventa schiacciante. A questo si aggiunge che sembra esserci stato un budget terribilmente inadeguato per l'arredamento, con i set scadenti di Camille Etchart che sembrano tristi e trascurati anche nello spazio dalle dimensioni modeste sopra il pub Gatehouse a Highgate. I costumi di Julia Scrimieri vanno meglio, ma evidenziano solo l'aspetto 'recita scolastica' della produzione. Le luci di Will Leighton avrebbero forse potuto aiutare ad estendere il mondo 'fisico' abitato dalla presentazione, ma non optano per fare nulla di diverso da quanto previsto e ovvio. Il tutto assume l'aria di una performance 'scratch'. Se riesci a sopportarlo, allora forse puoi riuscire a godertelo.

Foto: Andreas Lambis

Una zona dove sicuramente sono stati spesi soldi, e forse troppi, è sulla band. Bobby Goulder ha un'ottima banda e il regista ha deciso di sfruttare quest'assetto e posizionarli al centro del fondo palco. Questo permette loro di sovrastare qualunque cosa gli interpreti cantino davanti a loro (il design sonoro di Harry Emerson a malapena dà loro supporto), e le orchestrazioni - un mix affascinante di parti originali del 1927 e le creazioni di Goulder per questa produzione - consentono loro di farlo ripetutamente. I cantanti sono costretti a spingere le loro voci, spesso giovani - ancora in fase di sviluppo - mentre affrontano la lunga e rumorosa partitura. Si percepisce che si rilassano un po' nei grandi numeri corali (che sono splendidi, pieni di bella musica di Gershwin), ma allo stesso modo, si avverte il loro dolore in quasi ogni altro numero. Oh, le cose non sono migliorate dal fatto che il tempo di durata della produzione sia pubblicizzato come 1 ora e 50 minuti, incluso un intervallo, quando - in realtà - dura quasi un'ora in più: qualcosa da tenere a mente quando si pianificano le visite al bagno!

Quindi, in mezzo a tutte queste (molto dure) sfide, come se la cava il cast? Sono abbastanza sicuro che le decisioni che hanno preso siano state tutte autorizzate (almeno) dal regista. Richard Emerson ci offre una caratterizzazione monocorde come il re del formaggio americano, Horace J. Fletcher, che rapidamente annoia e poi gradualmente irrita. Beth Burrows probabilmente è la migliore del gruppo con una parte che ha più spessore drammatico, la figlia dell'agro-industriale, Joan Fletcher, ma ancora una volta deve oscillare selvaggiamente tra stati d'animo opposti. Paul Biggin, l'altra metà dell'interesse amoroso principale, Jim Townsend, fa uno sforzo energico per saldare insieme gli elementi contraddittori del suo ruolo, ma è un compito impossibile per lui, specialmente quando gli si chiede di interpretare un simbolo debole e umiliato - non un personaggio facile a cui affezionarsi. Pippa Winslow è una delle interpreti più esperte nel gruppo, ma ancora una volta dà l'impressione di fare sempre ciò che il regista richiede invece di far suo il comico (cosa di cui sono sicuro è più che capace). Come la soubrette, Anne Draper, Charlotte Christensen è vivace e frizzante e sono sicuro sarebbe ancora più affascinante se potessimo sentire più di ciò che canta. Interpretando il suo opposto, Adam Scott Pringle sembra tutto ciò che un giovane dovrebbe essere, ma - ancora una volta - è esausto dal dover lottare contro quella band. Due interpreti più stagionati, Robert Finlayson (nel ruolo del Colonnello Holmes autoritario) e Nicholas McBride (come C Edgar Sloane), sono soffocati come sembrano essere quasi tutti gli altri, così come Sammy Graham nel suo Bob deliziosamente goffo.

Foto: Andreas Lambis

Tuttavia, unico in tutta la compagnia, quello che sembra aver afferrato l'essenza particolarmente strana e bizzarra della commedia qui è George Spelvin di David Francis: la sua padronanza di più personaggi e gag ricorrenti è sicura e agile; è anche fortunato che il copione non richieda mai che faccia cose in rapida successione che siano l'opposto polare l'uno dell'altro - un colpo di fortuna - né che debba cantare molto. Così fortunato! Quando è in scena, quindi, ci si può rilassare e assaporare la produzione, contemplando cosa potrebbe essere stato, se avessero avuto un copione migliore, un regista, un designer, un direttore musicale, un coreografo, e così via. È davvero una gran fortuna per il resto degli altri, che, per colpa non loro, hanno una lotta quasi costante tra le mani.

Quindi, ne vale la pena? Per le persone che insistono assolutamente a riempire fastidiosi buchi nella loro conoscenza enciclopedica del teatro musicale, allora sì - in generale - vale la pena sedersi. Se stai solo cercando una serata divertente, potresti trovare questa abbastanza al di sotto delle aspettative. Upstairs at the Gatehouse, specialmente nelle produzioni della sua compagnia di casa Ovation (di cui questa sicuramente NON è una derivazione), ha una reputazione fantastica per portare produzioni di piccola scala di qualità a un pubblico appassionato ed educato. Questa, nel complesso, è probabilmente una di quelle di cui si preferirebbe non parlare troppo.

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