RECENSIONE: Strange Interlude, Teatro Nazionale ✭✭✭✭

Strano Interludio

Teatro Nazionale

28 agosto 2013

4 Stelle

Non penso spesso, dopo aver visto una produzione al Teatro Nazionale, a pensieri come "avrei voluto che non avessero tagliato così tanto il testo" oppure "avrei voluto che si fosse mosso a un ritmo più lento e languido" ma questi erano i pensieri che vorticosamente attraversavano la mente dopo aver visto l'ipnotica ripresa di Simon Godwin di Strano Interludio di Eugene O'Neill (un'opera che valse a O'Neill il suo terzo Premio Pulitzer) attualmente in scena, purtroppo, davanti a un pubblico lamentabilmente esiguo nel Teatro Lyttleton.

Il lavoro di Godwin qui è eccellente; questa è una produzione sontuosa ed elegante che espone con cura i temi e le problematiche con cui O'Neill si è confrontato - in particolare, la nozione d'amore e cosa significhi davvero amare, e il potere paralizzante ma nobilitante e abilitante dell'amore non corrisposto o, forse più accuratamente, inespresso.

Tra i molti attributi di prim'ordine della produzione, il pezzo forte è un allestimento straordinario della onnipresente Soutra Gilmour che copre molte location, ma lo fa in un modo che corrisponde al centro emotivo del testo. Così, nelle scene iniziali, quando il personaggio centrale Nina si sente intrappolata dalle sue circostanze o dal predominante maschio dominante nella sua vita, gli allestimenti riflettono il concetto di confinamento, contenimento, solitudine, e dopo che Nina si sposa, l'allestimento si apre, permettendo spazio per respirare. Poi, quando suo marito ha successo ed è ricco, il mondo di Nina diventa sia aperto che chiuso, riflettendo il suo stato, oscillando tra il sollievo che suo figlio le fornisce e la cattura del suo spirito che comporta il matrimonio con un uomo che ama ma di cui non è innamorata. Le scene finali, che sono piene di dolore ma anche di splendido rilascio e accettazione, si svolgono in spazi aperti enormi che riflettono il potere della madre più grande di tutte - la Natura.

La vista di uno yacht a grandezza naturale che appare da dietro un appartamento Art Deco di New York è una di quelle che non svanirà per un po'.

Il lavoro di Gilmour qui, chiaramente con un budget straordinario, è davvero magnifico.

Totalmente coinvolgente e seduttivamente luminosa come Nina, Anne-Marie Duff si rivela una delle più grandi attrici che siano mai apparse su un palco britannico. La sua fisicità, il suo senso di complessità interiore, i suoi silenzi, la sua articolazione del dolore, la sua straordinaria capacità di essere diverse Nina, ma un solo tutto; ha tutto. Questa è una di quelle performance gloriose, che affermano la vita e giustificano il teatro dal vivo.

O'Neill utilizza in questo gioco un dispositivo, ormai familiare ai pubblici, dove i pensieri interni del personaggio sono rivelati al pubblico come indirizzo diretto/a parte e sono in contrasto con le posizioni dichiarate dei personaggi - questo deve essere stato incredibilmente potente nel 1928 quando la commedia debuttò - e l'unica lieve critica alla regia di Godwin e all'esibizione di Duff è che non vi è data abbastanza cura alla distinzione tra i due; spesso confusamente, Duff elide da uno stato all'altro, in particolare nella prima metà della commedia.

All'altezza di Duff in ogni passo del cammino, forse superandola effettivamente perché la sua parte è meno accuratamente costruita, meno primadel grande lavoro, è il favoloso Charles Edwards che trova e inchioda ogni momento di commedia, dolore e meticolosa miseria - la sua scena finale con Duff è fragile, imbarazzante e straordinaria.

Geraldine Alexander è meravigliosa come la suocera di Duff, una donna così afflitta da sensi di colpa e paura da distruggere una manciata di altre vite cercando di prevenire una ricorrenza della propria particolare tristezza. Darren Pettie offre un lavoro solido come Edmund, il vero e mai assicurato amore di Nina e ci sono dei lavori meravigliosi da parte di Wilf Scolding come il figlio adulto di Nina: la sua scena dopo il funerale nell'ultimo Atto è notevole per la sua intensità, onestà e chiarezza. È una scena che solo il cuore più duro potrebbe rimanere indifferente.

Jason Watkins, un attore fine nel ruolo giusto, sembra essere l'uomo strano qui; come Sam, il marito di Nina ma non il padre di suo figlio, sembra più una caricatura (un mix strano tra Mickey Rooney e WC Fields) sia nella voce che nella fibra d'essere che un personaggio. Questo potrebbe essere una scelta deliberata di Godwin e, se così fosse, è l'unico errore qui. Non è che Watkins sia cattivo; è solo che la sua interpretazione non si adatta o combina con le altre, soprattutto nelle scene iniziali. Nel secondo atto, il suo lavoro diventa più uniformemente abbinato agli altri.

In effetti, il secondo atto qui è piuttosto magico in ogni modo, con solo la leggera stranezza del bambino Gordon e l'inspiegabile età di Madeline di Emily Plumtree (è circa dieci anni più grande) a rompere la tela scintillante tessuta da questa produzione straordinaria. Il dolore di questi personaggi e il loro viaggio è così squisito, così languido, che si percepisce che un ritmo leggermente più lento e spazio per respirare sarebbe stato benefico sia per il cast che per il pubblico - ma questo è lamentarsi.

La produzione sensazionale di Godwin sarà a lungo ricordata - principalmente per essere esattamente ciò che il Teatro Nazionale dovrebbe essere sempre: produzioni di prima classe di testi di prima classe con cast di prima classe. La tripla minaccia del mondo teatrale.