RECENSIONE: Siegfried & Götterdämmerung, Hackney Empire ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser recensisce Siegfried & Götterdämmerung dell'Arcola, parte del Ciclo dell'Anello di Wagner all'Hackney Empire.

Siegfried & Götterdämmerung dell'Arcola all'Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Siegfried & Götterdämmerung

Hackney Empire

6 Agosto 2022

5 Stelle

L'Arcola Theatre ha iniziato il suo ciclo dell'Anello prima della pandemia, e ora ha raggiunto una conclusione trionfante, una rivendicazione non solo per il team di produzione ma anche per la versione ridotta de L'Anello creata da Graham Vick e Jonathan Dove. Nessuno tenterebbe seriamente di mettere in scena le versioni complete delle ultime due opere in un solo giorno, ma con la durata ora ridotta rispettivamente a due ore e due ore e quarantacinque minuti, è più che fattibile. Improvvisamente si può apprezzare tutto l'arco della vita di Siegfried. La rimozione delle sezioni di riassunto del plot retrospettivo, che Wagner aveva introdotto supponendo che il pubblico non fosse familiare con le altre parti, libera tutti sul palco di recitare e cantare nel momento. L'impulso drammatico viene restituito alla storia senza alcuna perdita di profondità nella caratterizzazione.

Siegfried & Götterdämmerung dell'Arcola all'Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Gli stessi risultati positivi si applicano alla musica. Con meno di venti musicisti in buca, all'inizio si potrebbe pensare che questo davvero non possa funzionare. Ma una volta che ci si abitua al suono, il risultato è gioioso. L'equilibrio tra musicisti e cantanti è ripristinato, il che permette veri momenti di intimità rilassata, a parte ridurre la tensione vocale sui cantanti principali. Sì, manca quel tremolio degli archi interni che Wagner creava con tutte quelle linee di viola, ma invece, si sentono tutti i tipi di assoli strumentali che affiorano in superficie di solito nascosti nella zuppa orchestrale complessiva. A volte i montaggi tra le scene sono troppo netti per i miei gusti – mi sarebbe piaciuto che più delle transizioni orchestrali fossero state preservate, non da ultimo perché l'arte della transizione era qualcosa in cui il compositore eccelleva in una maniera proto-cinematica. Ma l'essenza viene preservata, grazie alle abilità della Orpheus Sinfonia e del loro direttore sottile, Peter Selwyn.

Siegfried & Götterdämmerung dell'Arcola all'Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Lo sfarzo sbiadito e la stravaganza del Hackney Empire stesso è emblematico della dubbiosa grandiosità di Valhalla, quindi non c'era bisogno di literalismo nella messa in scena. Invece, e attingendo dal set della precedente Walküre, abbiamo una struttura di impalcature con numerose piattaforme a diversi livelli. Questo ha il vantaggio di facilitare ingressi e uscite prolungati, sempre una caratteristica delle opere di Wagner, permettendo anche ai personaggi molteplici punti di vista per cantare. In Siegfried il palco era disseminato dei detriti della caverna di Mime, e scatole di cartone facevano servizio per l'oro accumulato nella caverna di Fafner. Mobili usurati fornivano un'ambientazione borghese appropriata per gli aspiranti Gibichung. Gli effetti speciali erano più hit and miss – l'illuminazione a strisce verticali scendeva dalle funi in alcuni punti per fornire un senso di località – verde per la foresta, rosso per il fuoco magico, e una varietà di colori per la fine del mondo. Questo era economico ed efficace. Allo stesso modo, Fafner, il drago, qui presentato come una figura centrale con una serie di avatar. Tuttavia, la forgiatura della spada, sempre difficile da realizzare anche in produzioni con ampi budget, sembrava più riscaldare castagne su un braciere.

Siegfried & Götterdämmerung dell'Arcola all'Hackney Empire. Foto: Alex Brenner L'Anello è a volte descritto come una sinfonia in quattro movimenti con Siegfried come scherzo. Questa è la prima produzione in cui ho trovato questo confronto plausibile. Abbiamo l'energia e il dinamismo della gioventù, l'evocazione squisita della foresta che prende vita, la sconfitta sia del drago che di Wotan e infine la conquista del fuoco magico e il risveglio di Brünnhilde. Tutto questo è fluito avanti senza sforzo, senza applicazione di freni drammatici, un'esperienza esaltante di cui far parte. Ovviamente nulla di tutto questo funzionerebbe senza le doti vocali e di recitazione del cast: nel ruolo del titolo Neal Cooper ha mantenuto la sua energia e innocenza brillantemente fino alla fine, trovando più sfumature di quanto è solito in questo ruolo. Colin Judson ha davvero cantato il ruolo di Mime e ci ha fatto sentire le sue frustrazioni legittime quanto la sua sottile astuzia. Nelle sezioni centrali, la voce sontuosa di Paul Carey Jones ha trasmesso la gravità dell'intento del Viandante ma anche il suo meno ammirevole desiderio di manipolare e divertirsi a spese degli altri personaggi. Si può quindi comprendere appieno perché Siegfried lo scarta con impazienza, qualcosa che non sempre emerge bene in performance. Freddie Tong, nei panni di Alberich in entrambe le opere, era incisivo e minaccioso, e Elizabeth Karani ha fluttuato con sicurezza attraverso la complessa scrittura melismatica per il Uccellino del Bosco. Simon Wilding ha trovato sensibilità e rimpianto nelle ultime parole di Fafner, e Mae Heydorn, lottando attraverso metri di veli pesca, ha affrontato eloquentemente il Wanderer nel loro confronto chiave che determina l'esito del dramma. Questo è stato il momento più intenso e concentrato dell'opera, e giustamente.

Siegfried & Götterdämmerung dell'Arcola all'Hackney Empire. Foto: Alex Brenner Tristemente, ma inevitabilmente privato delle Nornes, Götterdämmerung si concentrava molto sul tradimento di Siegfried nei confronti di Brünnhilde e sull'adescamento con il clan Gibichung. Abbiamo avuto un nuovo Siegfried – Mark le Brocq – che era – giustamente – più vecchio e più mondano fin dall'inizio, e cruciale, vocalmente fresco per le sfide a venire. Lee Bisset come Brünnhilde ha spinto troppo il tono nelle prime scene ma si è rilassata nel ruolo per offrire un'interpretazione imponente e allo stesso tempo intima della scena culminante di immolazione. Simon Wilding è tornato per darci una superba performance come Hagen, pieno di sottile e insinuante minaccia. Simon Thorpe ha proiettato il guazzabuglio balordo di Gunther molto efficacemente, e Lucy Anderson ha fatto più di quanto di solito sia riservato al ruolo poco sviluppato di Gutrune. Forse la mia scena preferita, totalmente avvincente dall'inizio alla fine, è stata lo scontro tra Brünnhilde e Waltraute, dove Angharad Lyddon ha sfruttato al massimo l'ultima opportunità per deviare il catastrofico epilogo – tutti i temi de L'Anello, dalla pratica dell'inganno alla prospettiva di redenzione sono stati messi in scena qui.

La regista Julia Burbach e il suo team creativo meritano un enorme credito per aver guidato questo complesso progetto verso un risultato di successo. Hanno davvero superato il loro budget in un modo completamente memorabile e hanno rivendicato questa versione performativa in un modo che, si spera, porterà a molte altre produzioni, cosa che non può che giovare all'apprezzamento e alla comprensione di Wagner, qualunque cosa possano dire i puristi.