RECENSIONE: She Loves Me, Menier Chocolate Factory ✭✭✭

Mark Umbers e Scarlett Strallen in She Loves Me. Foto: Alastair Muir She Loves Me 

Menier Chocolate Factory

8 dicembre 2016

3 Stelle

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C'è una generosa ammirazione nel riconoscere il genio, che prende in prestito dai suoi massimi successi il lauro della gloria e lo dona alle sue realizzazioni minori.  E questo è particolarmente vero nel caso di quei giganti del teatro musicale, Jerry Bock e Sheldon Harnick, creatori di un unico ma assolutamente magnifico trionfo: la colonna sonora di quel colosso del palcoscenico, ‘Fiddler On The Roof’.  Quel capolavoro unico e abbagliante brilla così intensamente che il resto della produzione di quella notevole coppia è carico di sospetti che, se solo potessimo discernerli, potremmo trovarvi magie di ordine simile, bellezze di felicità commisurata, intuizioni sulla condizione umana di eguale profondità, e così via.  Arriviamo a credere che debbano essere lì: se solo potessimo trovarli….

Scarlett Strallen e Katherine Kingsley in She Loves Me. E così la ricerca continua.  Le produzioni delle loro opere meno riuscite si moltiplicano.  Questa particolare opera – uno spettacolo che, per tutta una serie di validissimi motivi, non ha mai trovato un posto permanente nel repertorio - è una musicalizzazione del 1963 della commedia ungherese di Miklos Laszlo ‘Parfumerie’.  Al momento della sua composizione, la storia era già stata filmata due volte in inglese, prima come ‘The Shop Around The Corner’ di Lubitsch e poi come veicolo per Judy Garland, ‘In The Good Old Summertime’.  I produttori di quelle imprese si riunirono e ingaggiarono Joe Masteroff per scrivere il libretto per le canzoni finemente intrecciate di Bock e Harnick, sebbene spesso drammaticamente ridondanti.  (OK, niente di tanto sbagliato in questo: ‘My Fair Lady’ in realtà non ha bisogno delle sue canzoni.)  L'opera creata è un prodigio di integrazione tecnica – fino a un certo punto.  Un grande problema è la pochezza della storia, costruita su materiale musicalmente-drammaturgicamente intrattabile come reticenza, timidezza, evasione, imbarazzo e ruoli di genere che erano già fuori passo con la storia quando l'opera barcollò, per poco più di 300 rappresentazioni, sul e poi rapidamente fuori dal palcoscenico di Broadway (riuscì a farne molte meno a Londra).  Un anno dopo arrivò ‘Fiddler’ con la sua corsa sbalorditiva di oltre 3200 alzate di sipario, da allora ‘She Loves Me’ ha lottato con il fattore complicante di essere il debole parente di un fratello molto più potente, mantenuto su un sistema di supporto vitale ben oltre l'ora della sua morte designata.

Non è senza fascino, ovviamente.  I singoli componenti sono spesso molto attraenti.  Semplicemente non riescono – del tutto – a stare abbastanza saldamente insieme da formulare un caso convincente.  Tuttavia, recentemente, è stato celebrato lungo e largo su Broadway come una ‘meraviglia’, e recentemente ha anche fatto un paio di apparizioni a Londra.  L'ultima di quelle che ho visto, l'ultima presentazione interna di Robert McWhir per il suo eccellente (e molto rimpianto) Landor Theatre, è andata molto vicina a raggiungere un successo clamoroso.  Così, sono andato a vedere la nuova offerta del grande Matthew White al Menier pieno di speranze che potesse avvicinarsi anche lui a un successo.

Scarlett Strallen e Mark Umbers in She Loves Me. Foto: Alastair Muir La qualificazione di White per il lavoro non potrebbe essere più promettente.  La sua recente adattamento e produzione del musical di Fred e Ginger ‘Top Hat’ è stato un affare miracolosamente perfetto, dimostrando la sua suprema maestria nel teatro musicale.  Tuttavia, ha goduto di eccezionale libertà in quel progetto, avendo la licenza di fare la sua adattazione nel modo che meglio riteneva opportuno: questo è un evento molto, molto raro nella vita di qualsiasi regista di teatro musicale.  In secondo luogo, sebbene teatri come (nota il comparativo) il ‘fringe’ Landor possono piegare un po’ le regole – o molto – e fare ‘modifiche’ non ufficiali (cioè miglioramenti) al copione pubblicato, i teatri ‘off-west end’ consolidati come il Chocolate Factory devono giocare molto più secondo le regole, e quando cercano un possibile trasferimento nel West End (come è consuetudine del Menier), allora puoi essere abbastanza sicuro che ciò che stai ottenendo è capitolo e versetto, almeno per quanto riguarda i dettami imposti dall'autorità di licenza.

Alcuni registi dicono che il loro compito principale è mascherare le debolezze di un copione.  E non hanno torto.  I punti di forza tendono a parlare da soli, ma i punti deboli gridano a nome dei tuoi detrattori.  Quindi, non ci piace sentirli.  Quando prende un lavoro, è con la speranza e la preghiera che sarà possibile navigare in un percorso abbastanza sicuro attraverso le trappole e gli ostacoli piazzati sul loro cammino da scrittori e produttori e registi precedenti (la cui impronta può facilmente durare più del secolo della creazione dell'opera).  Quando si presenta un pezzo che è dimostrabilmente meno che perfetto, come in questo caso, allora le poste in gioco nel rischio sono davvero alte.

Bene, tanto per la teoria.  Ora a questa produzione.  Qui, le cose iniziano abbastanza promettenti.  Il set e il design dei costumi dell'inestimabile Paul Farnsworth inizia con un sipario ondulato con ‘quella’ vista dell'edificio del Parlamento ungherese, visto dall'altra parte della Duna, e serenato da un brillantemente virtuosistico violino zigano di prima categoria (Phillip Grannell o Darius Luke).  (Conosciamo un altro musical di Bock e Harnick che inizia con un violino zigano, vero, bambini?)  In effetti, la direttrice musicale e supervisore musicale Catherine Jayes conosce bene questo teatro e ha scelto una band di straordinaria abilità e stile: la brillante tromba di Edward Maxwell; il fine trombone di Stephanie Dyer o Jane Salmon; i meravigliosi fiati di Bernie Lafontaine (flauto, e una varietà di clarinetti, incluso un sorprendente basso); la fisarmonica autentica di Romano Viazzani; il contrabbasso di Paul Moylan e la percussione intelligente di James O’Carroll.  Abbiamo anche l'impressione di ascoltare un'arpa e un glockenspiel, ma questi sono furbi trucchi delle abilità alla tastiera di Jayes, ne sono sicuro.  Jason Carr ha fatto un ottimo lavoro nel ridurre gli arrangiamenti originali: e il suono della band è perfetto per le dimensioni di questo luogo.

Scarlett Strallen in She Loves Me. Foto: Alastair Muir Il canto della colonna sonora è altrettanto piacevole.  Callum Howells è un amabile Arpad; Alastair Brookshaw è un Sipos acuto e dal cuore tenero; Katherine Kingsley suona una nota tanto necessaria di femminile grinta come Ilona; Dominic Tighe esce al meglio – come fanno sempre gli attori in questo ruolo – come il ratto Kodaly; Mark Umbers suona deliziosamente come Jeremy Brett nel ruolo dell'affascinante, gentile Nowack; Les Dennis è un piacevole signor Maraczek; Scarlett Strallen sfrutta al massimo ogni opportunità come Amalia, anche se desideriamo costantemente che la colonna sonora offra alla sua magnifica voce ancora più occasioni per emozionare e che la sceneggiatura fornisca al suo personaggio più carattere; Peter Dukes è un buon Keller; Cory English l'ho visto nel ruolo del Cameriere (sarà sostituito dal 10 gennaio al 6 febbraio da Norman Pace) e sicuramente White lo vede in un tipo di ruolo 'Eric Blore' qui.  Rachel Bingham, il commovente Matt Crandon, Luke Fetherston, Olivia Fines, Aimee Hodnett, Sarah-Jane Maxwell e Vincent Pirillo completano il superbo ensemble.

Per quanto riguarda la colonna sonora stessa, è in parte 'La ragazza della ciarda' e in parte 'Dai miei saluti a piazza Vorosmarty': in una direzione siamo attratti verso il delirante nonsense dell'operetta viennese, e nell'altra ci incliniamo verso il fascino glamour di Broadway degli anni Sessanta; e più ascolto la colonna sonora, meno comprendo le ragioni per queste scelte stilistiche opposte (ammesso che ce ne siano).  La musica è sempre meravigliosa da ascoltare, ma nel suo insieme semplicemente si rifiuta di coagulare.

Poi, al copione di Mr Masteroff: stiamo ricevendo un testo molto più lungo e verboso di quello che ricordo di aver sentito al Landor.  Abbiamo molto, molto meno sotto forma di coreografia (anche se quando Rebecca Howell ha la possibilità, mostra mosse davvero eleganti) di quanto ricordi a Clapham.  Questo è davvero un peccato.  L'uso del movimento della Howell è assolutamente affascinante: riesce a evocare alla mente i dipinti di Otto Dix o Tamara de Lempicka in un istante; la sequenza del caffè è un pezzo forte glorioso, ma sembra passare senza stabilirsi pienamente a livello viscerale.

Nel frattempo, il design della profumeria, in cui si svolge la maggior parte dell'azione, stupisce inizialmente – un lussuoso interno con molti ori e ornamenti modellati, una specie di rococò da High Street: una signora della classe media seduta vicino a me ha detto che le ricordava Penhaligon’s, con scaffali di bottiglie di profumo apparentemente illuminate dall'interno.  Paul Pyant è colui che controlla l'illuminazione, e mantiene principalmente le cose luminose e allegre (anche se c'è una meravigliosa pittura stagionale d'atmosfera nel montaggio del primo atto).  Questo probabilmente è deliberato.  L'intera produzione è leggera, amabile, piacevole, tendente al comfort, al lusso, al tempo libero e alla grazia delle classi commerciali ragionevolmente di successo.  L'assenza di toni cupi crea un ambiente senza problemi, ma forse a costo di qualsiasi tensione drammatica o senso di conflitto.  Anche adulterio e suicidio vanno e vengono senza causare molta agitazione.  Se stai cercando un'esperienza indolore, ne avrai una.  Ma se hai bisogno di qualcosa di più tosto allora potresti trovarla tutta un po' troppo frivola e addirittura banale.  Questo funziona per ‘Die Fledermaus’ o ‘La principessa della ciarda’, ma qui sembra alquanto fuori luogo.

Dopo tutto, siamo a Budapest negli anni '30.  Il fascismo è una forza crescente tutt'intorno, anche a casa sotto il tallone di ferro dell'Ammiraglio Horthy, mentre il comunismo sta fiorendo a est.  L'antisemitismo sta per spingere l'Europa nell'Olocausto.  Niente di tutto questo ottiene più di un sussurro nel copione.  Grazie al cielo Masteroff non ha tirato indietro i colpi quando ha scritto il libro per ‘Cabaret’!  Grazie al cielo Rodgers e Hammerstein non lo avevano fatto quando scrissero ‘The Sound of Music’ pochi anni prima.  E grazie al cielo Bock e Harnick hanno parlato più dal cuore in ‘Fiddler On The Roof’.  Per quanto riguarda questo spettacolo, è tutto piuttosto grazioso e ben educato e non vi farà alcun male.  Niente di cui vergognarsi, semplicemente non aspettatevi che la terra si muova.

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