RECENSIONE: Otello, Royal Shakespeare Theatre ✭✭✭

Otello

Teatro Reale di Shakespeare

11 luglio 2015

3 Stelle

L'attore Steven Berkoff ha recentemente suscitato scalpore lamentando la pratica attuale nel teatro che vede il ruolo del titolo nell'Otello di Shakespeare come proibito per un attore dalla pelle bianca. In un'epoca in cui il casting cieco al colore e al genere è considerato la migliore pratica, sembra difficile contestare il suo punto di vista, se, in effetti, chiunque fosse incline a discuterne con lui. Se non si deve sussultare se Amleto o Enrico V non sono interpretati da un maschio bianco, perché qualcuno dovrebbe sussultare se Otello è interpretato da un maschio bianco? Se non si deve sussultare quando il Duca di Venezia in Otello è interpretato da una donna, perché qualcuno dovrebbe sussultare se Otello è interpretato da un uomo bianco? Se non si deve sussultare se una delle figlie di Lear è interpretata da un attore nero, perché qualcuno dovrebbe sussultare se Otello è interpretato da un uomo bianco?

L'unica domanda che si deve porre in relazione al casting, qualunque sia la razza, il genere, l'età, il colore dei capelli, l'accento o la vita che un attore ha, è semplicemente: "questo attore è la persona migliore disponibile per interpretare questo ruolo?" Se lo è, ingaggialo. Se non lo è, non ingaggiarlo. Non dovrebbero esserci ruoli vietati a particolari categorie di attori - lascia che gli attori recitino.

Ora in scena al Teatro Reale di Shakespeare a Stratford Upon Avon è l'ultima rivisitazione del RSC di Otello, diretta da Iqbal Khan. Protagonisti sono due attori neri nei ruoli principali: Hugh Quarshie come Otello e Lucian Msamati come Iago.

Il casting di Quarshie merita qualche riflessione. Nel 1999, ha pubblicato un saggio su Otello che includeva questa frase:

"Di tutti i ruoli nel canone, forse Otello è quello che più sicuramente non dovrebbe essere interpretato da un attore nero."

Le sue opinioni erano più sui convenzioni razziste che vengono rinforzate dalle rappresentazioni da parte di attori neri che sul fatto che solo gli attori neri dovrebbero interpretare Otello. Continuava:

"La mia sensazione è che gli attori neri dovrebbero continuare a interpretare il ruolo; le convenzioni razziste sono persistite per così tanto tempo proprio perché non abbiano abbastanza di noi interpretato il ruolo e sfidato le convenzioni. E credo che un'interpretazione non razzista possa essere possibile."

Credeva che Otello dovesse essere guidato da “ragioni psicologiche, sociali e politiche convincenti: ... (come) si comporta come fa perché è un uomo nero che risponde al razzismo, non dandogli un pretesto” e voleva “produrre una versione della commedia che spostasse l'attenzione dalla razza al personaggio”.

Non sembra che Khan e Quarshie fossero d'accordo su come interpretare Otello, perché la performance di Quarshie nell'Otello di Khan non è una spinta da ragioni psicologiche, sociali e politiche, né c'è un focus sul carattere: è, tuttavia, di gran lunga, l'interpretazione più noiosa di Otello che io abbia mai visto.

Otello è un personaggio meraviglioso: un guerriero, un leader, un animale politico, un uomo, un amante. Affinché la commedia abbia successo, il pubblico deve vedere in Otello ciò che vede Desdemona, ciò che vede il Duca, ciò di cui è geloso Iago, e ciò che rispetta Cassio: la grandezza di Otello dovrebbe brillare attraverso il suo atteggiamento, il suo portamento, il suo discorso, la sua statura. È solo quando hai un Otello con quelle qualità, uno splendore profondo, che puoi avere una tragedia di qualsiasi tipo, che puoi sentire il disprezzo che sia Brabantio che Iago provano per Otello.

Quarshie è in tremenda forma fisica e porta una certa taciturna gravità agli eventi, ma Otello è un uomo d'azione e passione, e non c'è quasi nessun accenno di ciò nella performance di Quarshie. Il suo rapporto con la curiosamente vuota Desdemona di Joanna Vanderham è imbarazzante e teso; non c'è alcun senso di una vera, grande storia d'amore tra i due. Questo Otello è troppo semplice, troppo ordinario, per sostenere e alimentare la rabbia gelosa che prende una vita.

Non è di molto migliore l'Iago di Lucian Msamati. La sottigliezza non è una parola chiave per questa performance; questo Iago è un pazzo sfrenato, meglio riassunto dal momento in cui ottiene quello che vuole e poi si prende il tempo di sbattere il coperchio di una cassa, lungo e forte. Sembra mentalmente squilibrato, in un modo simile ad un assassino con l'ascia. Il problema con questo è che, affinché il dramma funzioni, Iago deve apparire fidato e leale: Msamati indossa il suo odio e disprezzo in modo evidente; e perché qualcuno si fidi di lui è incomprensibile. Se Iago è semplicemente un sociopatico amorale che odia tutti, l'intensità quasi soffocante del dramma scritto da Shakespeare non prende mai piede.

Msamati ingoia molte parole, quindi più di un quarto di ciò che dice va perso. Per un ruolo che ha più battute e porta il peso della trama, questo è un grave difetto. Per dargli il merito, Msamati estrae una certa dose di umorismo dal testo, che è rinfrescante, e le sue scene con il servitore di James Corrigan, Roderigo, sono piuttosto buone.

In effetti, forse la colpa non sta nelle stelle, ma nella direzione. Khan sembra adottare un approccio di mezzo impossibile al testo, che non gratifica né il cast né il pubblico.

C'è una chiarezza nella narrazione complessiva che è ammirevole, ma i punti salienti della produzione, i momenti chiave, si impantanano in un bisogno di essere "moderni". C'è, per esempio, una sezione incomprensibile che evoca il waterboarding e la tortura associati a Guantanamo Bay - perché qualcuno abbia pensato che fosse necessario, o desiderabile, va oltre me. Serve solo come una distrazione dissonante dalla trama di Shakespeare. Quella trama è ancora rilevante e attuale ora come lo era quando fu scritta; ha solo bisogno di una corretta rappresentazione. Non ha bisogno di essere "resa rilevante". È rilevante. Certamente non viene migliorata - in nessun modo - dallo spettacolo bizzarro di Desdemona che sportivamente sfoggia un trapano elettrico usato nelle sessioni di tortura.

Ma ciò che questa scena interpolata di tortura riesce a ottenere è una diminuzione della statura di Otello. La tortura, soprattutto quella estrema, non fa parte dell'arsenale di un eroe. Aggiungendo questa scena di waterboarding, Khan suggerisce che Otello tollera questo comportamento, o peggio, lo pratica lui stesso. Quanto nero vede Khan nell'anima di Otello?

Khan non riesce a cogliere le risonanze emotive della commedia. Le motivazioni non sono chiare; ciò che guida il dissenso è sconosciuto; le lealtà, le passioni e le paure rimangono in gran parte inesplorate. Il razzismo è sicuramente in gioco, così come il vero senso che Otello è un outsider. Ma se c'è qualche speciale frizione da guadagnare dall'avere attori neri che interpretano sia Otello che Iago, non è evidente in questa produzione. La cosa più grave è che non è mai chiaro esattamente perché Iago faccia ciò che fa.

Ci sono molte possibilità per ciò che motiva Iago a distruggere Otello e Desdemona; qui, sembra ridursi a non più di "Chi è quel tipo nero arrogante per pensare di essere migliore di me?" Dato che questo Iago ha una reazione simile a Cassio (nel suo caso, "Chi è quel tipo bianco arrogante per pensare di essere migliore di me?"), lo status di Otello come Moro nero diventa praticamente irrilevante.

Il miglior lavoro viene da Jacob Fortune-Lloyd nel classico Cassio, "soldato degno di stare vicino a Cesare", e da Ayesha Dharker nella sospettosa Emilia. Fortune-Lloyd dà al testo una vera attenzione e questo paga: il suo discorso "La mia reputazione" è stato il primo momento di vera passione della commedia, la sua fusione di carattere e discorso sapientemente giudicata. La sua bellezza e il fisico da soldato lo hanno reso il poster boy perfetto, ma la sua intelligenza brillava fortemente. La bellezza e il riserbo silenzioso di Dharker hanno reso sua moglie a Iago una creatura naturale delle ombre. Dove le sue lealtà fossero mai certe non è stato mai certo - una buona cosa, perché Emilia ha una qualità mercuriale che è essenziale per i macchinazioni della trama. Ciascuno ha sfruttato al massimo ogni secondo di presenza scenica e spesso ha comunicato molto mentre era silenzioso: il disagio di Cassio per le manifestazioni pubbliche di affetto; la disapprovazione di Emilia non espressa ma chiara dai suoi occhi luccicanti. Adornamenti intelligenti a interpretazioni abilmente recitate.

Nadia Albina è molto efficace come il Duca di Venezia e Ayesha Dharker come l'attenta Emilia, James Corrigan riesce a trarre qualcosa da pochissimo come Rodrigo, il primo ad essere ingannato. Questi ruoli possono, e spesso sono, facilmente trascurati, ma sia Albina che Corrigan hanno lasciato impressioni memorabili. Come anche Brian Prothero, ma la sua era di quelle indesiderabili.

I costumi (Fotini Dimou) sembravano la caratteristica distintiva di Joanna Vanderham che sembrava prendere spunto per la sua interpretazione di Desdemona da quella di Prothero: agghindata, e con movimenti impacciati, come una sorta di bizzarro modello seduto in un trono in Games of Thrones (come ha osservato scherzosamente il mio compagno), tutto di questa Desdemona suona falso. Poca attenzione era dedicata alla luce della sua bellezza, un'attrattiva intangibile, che rende le macchinazioni che ruotano attorno a lei, e la travolgono, comprensibili. Qui, ahimé, questa Desdemona era indesiderabile.

C'è un buon lavoro nell'ensemble, in particolare da parte di Jay Saighal, Owen Findlay, David Ajao e Rina Mahoney.

Il set di Ciaran Bagnall è davvero delizioso. Evoca i passaggi decadenti del mondo ottomano di Otello e le vaste sale del Consiglio di Venezia con uguale facilità. Bagnall usa piattaforme mobili con facilità e stile: il tableau di apertura, che cambia dal pavimento piastrellato in passaggio acquatico, è particolarmente bello. L'arcata che definisce l'atmosfera della scena di apertura è incrinata al centro, un riflesso intelligente del mondo incrinato di Otello. Sotto tutti gli aspetti, il set era bellissimo da vedere.

Responsabile anche della gestione delle luci, Ciaran Bagnall riesce ad avvolgere perfettamente la storia con la scenografia e l'illuminazione. Fornisce suggerimenti su tensione e importanza che non si percepiscono dalle performance.

Questa è una produzione curiosa di Otello. Si ottengono le ossa della storia, che è chiara, ma la carne, il midollo, il cuore - tutto ciò che dipende dai ricchi personaggi del trio centrale e il modo in cui affrontano le loro motivazioni, paure e sentimenti tempestosi - è scarso sul terreno. Come dice Otello: "Certe persone dovrebbero essere come sembrano". In apparenza, ma non a causa del testo di Shakespeare.

L'apparenza non è la chiave di Otello. La grande interpretazione lo è.

Otello in scena al RSC fino al 28 agosto 2015