RECENSIONE: Oh What A Lovely War!, Richmond Theatre (In tournée) ✭✭✭✭

Wendi Peters e il cast di Oh What A Lovely War. Foto: Alastair Muir Oh, What A Lovely War

Teatro di Richmond, come parte del tour nel Regno Unito

12 Febbraio 2015

4 Stelle

È stagione di caccia al gallo cedrone. Da qualche parte in Scozia, lussureggiante, privilegiata e di proprietà privata, in un punto durante la metà della Prima Guerra Mondiale. Un gruppo di uomini d'affari da tutto il mondo si è riunito per una festa. Un tedesco, un francese, un americano, uno svizzero e il padrone di casa inglese. Il custode scozzese è a disposizione per soddisfare i capricci. Sono tutti trafficanti d'armi o banchieri. Gente che ha fatto soldi, molti soldi, dalla guerra in corso.

Si vantano della merce che stanno spedendo in tutto il mondo, passando dietro o oltre le linee nemiche. Parlano con stupore delle nuove armi, delle bombe a mano intrise di acido, dei gas velenosi che stanno sviluppando e vendendo. Ridono del denaro che stanno facendo e continueranno a fare ed esprimono indignazione per i discorsi di pace - vogliono che la guerra continui, come un musical del West End. Il banchiere svizzero continua a ribadire la sua neutralità. L'uomo scozzese si assicura che i galli cedroni siano rilasciati per il loro piacere di sparare, ma non ha paura di ricordare al suo padrone che i suoi sei figli sono al Fronte. Ma per i cacciatori, i suoi figli, come tutti i soldati su tutti i fronti, sono solo come i galli cedroni: carne da sparo per il loro guadagno personale.

È una scena potente e inquietante; brutale a causa della sua onestà e dell'interpretazione distaccata. È una delle diverse sequenze potenti e straordinariamente eseguite nel revival di Oh What A Lovely War di Terry Johnson, originariamente prodotto dal Theatre Royal Stratford East in commemorazione del 50° anniversario della produzione originale di quella compagnia del pezzo.

Oh What A Lovely War è un'opera collaborativa di intrattenimento musicale; fu creata dal pionieristico Theatre Workshop di Joan Littlewood, Charles Chilton, Gerry Raffles e membri della compagnia originale. Al suo tempo, deve essere stata provocatoria e sorprendente. Le sue qualità innovative sono sbiadite nel tempo, e il terreno fresco che ha rotto 50 anni fa è stato costantemente arato, argomento di innumerevoli opere artistiche che mettono in discussione il senso, la razionalità e le conseguenze della guerra. Black Adder Goes Forth è solo un esempio.

Tuttavia, l'opera ha ancora grande rilevanza e, almeno sotto un aspetto, ha più potere ora di quanto ne abbia mai avuto. È una combinazione di sketch, battute, canzoni del music hall, scene drammatiche e canzoni di guerra che risulta in una miscela di verità pungenti e nostalgie sfocate. Legate alla nostalgia, con una sorta di approvazione interna automatica per il pubblico, ci sono nozioni di Impero, orgoglio nazionale e sacrificio disinteressato. Il tempo le ha rese inestricabilmente legate.

Questo singolare evento pone domande difficili per il pubblico: Ti arruoleresti volontariamente per combattere una guerra? Sei un pacifista? Cosa pensi della leva obbligatoria? Se venisse approvato un nuovo Atto di coscrizione qualcuno si conformerebbe a esso? Quali qualifiche hanno ora gli ufficiali delle Forze Armate? I leader moderni considerano i soldati semplicemente come tanti lemmings? La morte sul fronte di guerra è più o meno tragica della morte per il rifiuto di prendere le armi contro un altro essere umano, qualunque sia la causa? La società moderna si preoccupa ancora dell'"Inghilterra" e sarebbe qualcosa per cui valga la pena combattere? Ci sarà mai una "guerra per porre fine a tutte le guerre"? La gente continua a trarre profitto dalla produzione di armi?

Queste questioni diventano sempre più tangibili man mano che la performance procede. Mentre canzone familiare dopo canzone familiare viene presentata in modo seducente, man mano che il pubblico inizia a cantare insieme, applaudire, battere il tempo - arruolandosi in altre parole - un senso crescente di fastidiosa inquietudine si diffonde come il morbillo. Sembra un divertimento sano, ma ha una base profondamente inquietante, eppure innegabilmente appropriata, di orrore ruvido e viscerale.

La produzione di Johnson si compiace del suo messaggio. Il design scenico multimediale ingegnoso di Les Brotherson aiuta enormemente. Immagini della vita reale possono essere proiettate o visualizzate su uno schermo, contrapponendo la cupa realtà contro la troupe di Pierrot dei performer e le loro buffonate. Sopra l'intera area del palco, un grande, instabile nastro di ticker elettronico incide fatti e cifre devastanti sulla perdita di vite e sul numero di feriti - informazioni molto sobrie. Contestualizzate da queste immagini e fatti della vita reale, le buffonate della troupe di performer rappresentano la propaganda di guerra al suo massimo efektilo: una patina di coraggio, orgoglio nazionale e giocosità di spirito che copre la cruda realtà devastante.

La guerra stessa, e i politici e i commercianti che ne traggono profitto, sia personalmente che professionalmente, specialmente a spese di vite reali, sono i veri cattivi qui. Giustamente. La produzione si premura di garantire che gli esseri umani coinvolti nella battaglia non vengano rappresentati come cattivi. C'è una scena intelligente in cui due donne britanniche discutono degli sviluppi della guerra e pochi istanti dopo due donne tedesche discutono degli stessi problemi. Stessa guerra, lati diversi, stessi problemi.

Questa equità sul costo personale nella Guerra è sottolineata in diversi dei momenti più potenti della produzione. Una scena notevole raffigura soldati francesi che cercano di rifiutarsi di obbedire a un comando perché non saranno altro che pecore mandate al macello se lo faranno. I loro definitivi 'beh' sono sia comici che innegabilmente tragici.

Un'altra scena mostra un gruppo di soldati irlandesi che, trovandosi nel posto sbagliato, ricevono ordini di tornare da dove sono venuti - ma sanno che farlo significherà morte certa. Davanti alla paura della morte per corte marziale per aver disobbedito a un ordine stupido o alla possibile morte per mano di un cecchino, hanno una scelta impossibile da fare. È materiale sobrio e potente.

L'opera tratta anche di quel primo Natale al Fronte, quando le truppe britanniche sentirono per la prima volta Stille Nacht, cantata attraverso le trincee, e fu dichiarata una tregua per un giorno o giù di lì, in cui non furono sparati colpi e uomini di fronti opposti si scambiarono doni e saluti con i loro avversari. Il trattamento di quel momento evocativo nella storia è attento e quasi magico - nel mezzo di una guerra mortale, l'umanità dell'uomo verso l'uomo. In una breve, bellissima scena, questa produzione realizza ciò che la recente versione di oltre 2 ore della RSC (The Christmas Truce) non poteva.

Ma non è tutta serietà. Ci sono molte risate lungo il percorso e alcune rendizioni di canzoni e balli veramente deliziose. La coreografia di Lynne Page è vivace e gioiosa e il cast la esegue in modo pulito e con entusiasmo. Gli aspetti musicali della produzione sono in mani molto sicure - Mike Dixon e Peter White - e l'accompagnamento è gioioso e appropriato.

L'eccellente cast rende giustizia al materiale e può passare in un attimo da momenti di severa solennità a opportunità per toni più leggeri. Tutti possono fare ciò che è richiesto a loro, e più che adeguatamente. È una compagnia di alto livello che fa un lavoro di prima classe.

Ci sono, inevitabilmente, alcune punte di spicco: Marcus Ellard, Wendi Peters, Matthew Malthouse, Christopher Villiers, Emma Crossley, Richard Glaves e Mark Prendergast; tutti brillano in diversi momenti per diversi motivi.

Alcune delle sollecitazioni al pubblico a partecipare, come nel teatro Music Hall dei giorni passati con le luci dell'auditorium accese, sembrano forzate, non funzionano davvero, e tolgono un po' di brillantezza al lavoro rifinito nelle scene provate. La routine di "riscaldamento" prima dello spettacolo è completamente controproducente. Sebbene sia fastidioso, non mina seriamente il piacere e il senso della produzione.

Oh What A Lovely War è ancora un'opera teatrale notevole. Sorprendentemente, l'età e i cambiamenti nel mondo non le hanno tolto rilevanza o mordacità. Un grande cast e una buona produzione la rendono un momento molto valido a teatro, pieno di divertimento e riflessione.

OH WHAT A LOVELY WAR 2015 TOUR DATES

Teatro di Richmond

10 – 14 Febbraio 2015

The Green, Richmond, Surrey TW9 1QJ

PRENOTA ONLINE ORA Teatri di Malvern

16 – 21 Febbraio 2015

Grange Rd, Malvern, Worcestershire WR14 3HB

PRENOTA ONLINE ORA Opera House di Manchester

24 – 28 Febbraio 2015

3 Quay St, Manchester, Lancashire M3 3HP

PRENOTA ONLINE ORA Teatro delle Arti di Cambridge

2 – 7 Marzo 2015

6 St Edward’s Passage, Cambridge CB2 3PJ

PRENOTA ONLINE ORA Teatro Reale di Bath

9 – 14 Marzo 2015

Saw Close, Bath BA1 1ET

PRENOTA ONLINE ORA Teatro della Principessa, Torquay

17 – 21 Marzo 2015

Torbay Rd, Torquay, Devon TQ2 5EZ

PRENOTA ONLINE ORA Teatro Yvonne Arnaud, Guildford

23 – 28 Marzo 2015

Millbrook, Guildford, Surrey GU1 3UX

PRENOTA ONLINE ORA Teatro Belgrade, Coventry

30 Marzo – 4 Aprile 2015

Belgrade Square, Coventry, CV1 1GS

PRENOTA ONLINE ORA Teatro Reale di Brighton

7 – 11 Aprile 2015

New Rd, Brighton, East Sussex BN1 1SD

PRENOTA ONLINE ORA Curve di Leicester

13 – 18 Aprile 2015

60 Rutland St, Leicester LE1 1SB

PRENOTA ONLINE ORA Teatro Waterside di Aylesbury

28 Aprile – 2 Maggio 2015

Exchange Street, Aylesbury, Buckinghamshire HP20 1UG

PRENOTA ONLINE ORA Teatro Rep di Birmingham

5 – 9 Maggio 2015

Broad St, Birmingham, West Midlands B1 2EP

PRENOTA ONLINE ORA Hall For Cornwall, Truro

11 – 16 Maggio 2015

Back Quay, Truro, Cornwall TR1 2LL

PRENOTA ONLINE ORA Nuovo Teatro di Hull

19 – 23 Maggio 2015

Kingston Square, Hull HU1 3HF

PRENOTA ONLINE ORA Nuovo Wimbledon Theatre, Londra

26 - 30 Maggio 2015

93 The Broadway, London SW19 1QG

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