RECENSIONE: Nell Gwynn, Globe Theatre ✭✭✭

Nell Gwynn

Globe Theatre

24/09/15

3 Stelle

Quando ti trovi nella Long Gallery di qualche casa di campagna inglese, spesso e volentieri stai passando davanti a un gruppo di Bellezze della Restaurazione dipinte da Lely o Kneller. È un'esperienza intorpidita e deprimente vedere queste donne prive di personalità e vivacità, tutte ridotte a versioni identiche di ciò che l'occhio maschile vagante di Re Carlo II desiderava vedere. Finché improvvisamente non ti imbatti in un ritratto di Nell Gwynn. Per quanto ci provassero, i pittori non riuscirono a soffocare la sua individualità. Con la testa inclinata da un lato, décolleté determinatamente esposto, impertinente e chiaramente polemica, si distingue dalla folla pronta a rispondere con una sagace battuta più che sufficiente a qualsiasi critica o smorfia che si stava per offrire.

Nell'ultima opera della per lo più austera stagione ‘Giustizia e Misericordia’, il Globe ora offre quello che in termini greci potrebbe essere definito una commedia satirica, che cerca di catturare lo spirito dispettoso di Nell, offrendo al contempo qualcosa di più di una celebrazione scatenata dei ‘Giorni d'Oro del Buon Re Carlo’. C'è anche un proposito serio qui: ovvero fornire un resoconto della nascita e del primo sviluppo della commedia della Restaurazione presentando Nell come la sua arguta e in parte consapevole levatrice.

In ogni senso si è bandita l'‘Austerity’ – infatti quando Re Carlo (David Sturzaker) proclama esplicitamente la sua fine, scatena il più grande (anche se il più prevedibile) applauso della serata. Il lusso è l'ordine del giorno, e lo vediamo sin dall'inizio nel modo in cui il palcoscenico del Globe è adornato di sontuose drappeggi e corde di seta, il tutto incentrato su un palco reale a livello del balcone che porta l'emblema completo delle Armi Reali. I costumi e le parrucche sono dell'epoca analogamente, fino all'ultimo strascico, ricciolo e cappello scandalosamente sovradimensionato, un fine esempio del reparto costumi del Globe, supervisionato da Binnie Bowerman.

L'opera è della premiata Jessica Swale, e sostanzialmente persegue due temi su ciascun lato dell'intervallo. La prima metà è soprattutto incentrata sull'ascesa di Gwynn da un'infanzia torbida in un bordello di Covent Garden e lavorando ai margini del teatro come venditrice d'arance in Drury Lane. Da lì, la sua pura vivacità di personalità attira l'attenzione di Charles Hart, uno dei principali attori del tempo, e le fa guadagnare l'ingresso in una delle due compagnie teatrali rivali che stavano testando le acque con il pubblico dopo la Restaurazione e la fine della prescrizione puritana del teatro.

La grande opportunità di Gwynn – e quella di altre donne di bassa nascita in ascesa – derivava dal fatto che Carlo era andato oltre la semplice restaurazione del teatro – aveva permesso alle donne di esibirsi sul palco proprio come accadeva a Parigi durante i suoi anni di esilio. Sfruttò l'appetito per le commedie mitologizzate ariose e spumose, specialmente quelle scritte da Dryden, che privilegiavano quelle donne che potevano cantare, muoversi e ballare bene, piuttosto che semplicemente assumere pose stilizzate per incapsulare gli umori del testo.

Naturalmente, il pubblico contemporaneo cercava anche donne che si travestissero da uomini in ruoli di ‘calzoni’ aderenti prima di essere svelate con più di una piccola rivelazione carnale lungo la strada. Gwynn, in questo resoconto (piuttosto come Gypsy Rose Lee, attualmente in scena altrove) era abile nel dare al pubblico qualcosa di ciò che voleva e non troppo, o troppo presto. Ha quindi utilizzato la stessa strategia con Carlo II, dopo che lui l'ha notata una sera a una rappresentazione.

La seconda metà dell'opera cerca di esplorare come questa strategia ha funzionato in mezzo agli scogli e agli inganni della politica di corte. Una volta che Nell si ritira dal palco, come gestisce la celebrità, la gelosia delle altre amanti, le astuzie dei politici di Carlo, in particolare Arlington – una figura composita ai fini del dramma? Soprattutto come riesce a mantenere l'attenzione dello stesso Carlo, una volta passata la novità e il primo fervore della loro relazione? L'opera suggerisce che ha fatto meglio di molte delle sue rivali percependo la sua essenziale solitudine dietro la facciata manierata e arguta, e cercando di stimolarlo intellettualmente attraverso il suo spirito nativo e di supportarlo emotivamente piuttosto che come le altre solo attraverso il sesso.

La lezione della storia e di quest'opera è che riuscì in gran parte. Fu l'unica amante a lungo termine a sopravvivere senza risorse indipendenti e patrocinio. Nessun altro amante riuscì a saltare così in alto nella gerarchia da origini così umili, e lo fece principalmente percependo che se non reclamava un titolo per sé ma solo per i suoi figli, avrebbe diminuito la gelosia. Fu un trionfo sia di astuzia acuta che di genuino calore personale, una combinazione vincente sul palco e nella vita.

Nel complesso, la prima metà è più riuscita della seconda – c'è una storia da raccontare e una traiettoria da descrivere, e Swale mantiene in elegante tandem sia la narrazione personale che la storia del teatro. Dopo l'intervallo, l'azione è necessariamente più ristagnante e statica e dipendente da litigi piuttosto ricercati e discussioni prestabilite i cui esiti sembrano abbastanza predeterminati e ininfluenti.

Il controllo del tono funziona ampiamente bene. Questa non è un'imitazione della commedia della Restaurazione, ma comunque i dialoghi sono affilati e talvolta arguti, e assistiti da alcune canzoni davvero eccellenti composte da Nigel Hess, che colpiscono di nuovo le note del periodo giusto senza sembrare pretenziosi o leziosi o volgari senza fascino. Detto ciò, il mondo conosciuto e accorto di Blackadder a volte non è lontano, e gli attori talvolta esagerano – o minimizzano – con questo abbastanza spudoratamente. Il pubblico l'ha amato, e forse deve essere così, poiché questa serie deve ormai essere il punto di riferimento culturale popolare e d'ingresso per la maggior parte di noi in questo genere.

Dato il tono generale di commedia a grandi tratti e l'esigenza di grande proiezione dal palco del Globe, le rappresentazioni erano necessariamente generalizzate, ma comunque altamente efficaci. Il regista Christopher Luscombe ha mantenuto le cose in rapido movimento e le scene si fondevano senza soluzione di continuità con un sacco di coreografie vivaci lungo il percorso.

Nel ruolo del titolo, Gugu Mbatha-Raw ha un giusto mix plausibile di sfacciataggine e fascino audace, e canta e balla bene, ma non troppo bene. La scena iniziale in cui il bonario Hart (Jay Taylor) le insegna come recitare i dialoghi è un ottimo esercizio che mostra sia come funzionava il Teatro della Restaurazione, sia che un vivace coinvolgimento del pubblico contava piuttosto più della sfumatura di interpretazione sofisticata. Tra gli attori della ‘Compagnia del Re’, i più notevoli erano Greg Haiste come l'oltraggiato e oltraggioso imitatore femminile, Edward Kynaston, e la guardarobiera e factotum generale, Nancy, che ha praticamente rubato la scena più volte in quello che potresti chiamare il ruolo di ‘Baldrick’. Anche Graham Butler si agitava e muto come un giovane John Dryden, un ruolo alquanto sottoscritto.

A corte, il Carlo di Sturzaker ha preservato la giusta aria di pericolo e riserva per preservare la sua dignità e autorità sopra il trambusto, e David Rintoul ha dimostrato cinquanta sfumature di disapprovazione verso gli eventi circostanti, mentre perseguitava il suo marchio di perfidia politica. Ci sono stati giri vivaci da Sasha Waddell nei panni di due amanti contrastanti di Carlo – la velenosa Castlemaine e la superbamente superiore e facilmente derisa Louise de Keroualle; e Sarah Woodward è riuscita a essere irriconoscibilmente diversa nei panni della biliosa Regina Caterina e della madre tenutaria del bordello di Nell, Ma Gwynn. Anneika Rose ha interpretato la sorella di Nell, fungendo da coscienza e contrasto in momenti chiave.

Sebbene ci siano momenti più seri da trovare in quest'opera, in particolare incentrati sulle opportunità per le donne nel nuovo teatro degli anni 1660, non vale la pena insistere troppo per strati di significato profondo in questa leggera confezione. Il fascino misterioso di Nell Gwynn rimane insondabile quanto il sorriso in quei ritratti contemporanei. Ma di certo fornisce un finale affascinante per quella che è stata una stagione principalmente molto seria e stimolante al Globe, e rappresenta un modo divertente di trascorrere una delle nostre attualmente dorate, serate autunnali.

Nell Gwynn sarà in scena al Globe Theatre fino al 17 ottobre 2015