RECENSIONE: Pene d'amor perdute, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Love’s Labour Lost. Foto: Alastair Muir Love’s Labour’s Lost

Royal Shakespeare Theatre

15 novembre 2014

4 Stelle

Penso sia sicuro dire che il delizioso e straordinariamente bello design di Simon Higlett per la produzione di Christopher Luscombe di Love’s Labour’s Lost di Shakespeare, ora in scena al Royal Shakespeare Theatre di Stratford Upon Avon, sia la combinazione più ambiziosa, evocativa e di successo di scenografia e costumi vista dalla riapertura del teatro ristrutturato. È un trionfo visivo e fornisce l'ambiente perfetto per il testo.

Basata sul vero Charlecote Park (dove sia Dame Judi Dench che Shakespeare furono, in secoli diversi, coinvolti in accuse di bracconaggio di cervi), la scenografia utilizza un enorme carrello mobile, una botola che permette a un meraviglioso tetto decorativo di emergere dal palco e due imponenti torri d'ingresso; c’è una splendida biblioteca e un bellissimo prato inglese oltre ad altre delizie. Insieme ai deliziosi costumi, l'effetto complessivo è glorioso - un'estate inglese sbiadita di un tempo lontano.

Parte del trucco qui è che questa scenografia è utilizzata anche nella produzione di Luscombe di Much Ado About Nothing, che Gregory Doran ha ribattezzato Love’s Labour’s Won per questa stagione dell'RSC, quindi, presumibilmente, ha il doppio del budget di una produzione singola. Tuttavia, è un assoluto trionfo del design; abilità, ingegnosità e praticità in perfetta armonia.

Love's Labour's Lost viene spesso paragonato sfavorevolmente a Much Ado About Nothing, ma non è mai stato facile capire perché. Entrambe presentano due coppie principali che flirtano e litigano, entrambe presentano un acuto dialogo verbale tra una di queste coppie, entrambe sono piene di malintesi e coinvolgono promesse infrante ed entrambe presentano una sottotrama con un personaggio maschile singolare che persegue i propri fini. Una termina più felicemente, in senso convenzionale, dell'altra, ma il suggerimento è nel titolo - Love’s Labour’s Lost. Anche allora, le fatiche non sono perse, solo posticipate, almeno in teoria.

Vista in questo modo, la decisione di Doran di ribattezzare Much Ado About Nothing ha senso. Entrambe le opere hanno grandi somiglianze ma diversi esiti. Sembra un abbinamento naturale. E se questo fosse l'unico "intervento", ci sarebbe poco di cui lamentarsi.

Ma Luscombe sembra riluttante a lasciare che il testo faccia il suo lavoro, imponendo una sensibilità da Operetta al pezzo che, inizialmente, sembra strana ma affascinante, ma che poi, nel secondo Atto, diventa troppo elaborata, leggermente auto-sabotante e assolutamente incongruente. E poi, senza abilità e veramente contro lo spirito del finale di Shakespeare, i quattro uomini corteggiatori (il Re di Navarra e i suoi compagni studenti) appaiono in uniforme, salutano le loro dame e amici e partono per la Prima Guerra Mondiale - e la probabile morte. Ovviamente, l'inserimento del motivo della guerra serve ad assistere l'intera stagione, con una commedia ambientata prima della guerra e l'altra dopo, ma sembrava più goffo e più stridente di uno dei bon mot male composti di Don Armado.

Fortunatamente, per la maggior parte degli altri aspetti, la produzione è benedetta con una buona recitazione, un tempismo impeccabile e un senso di stile, malizia e audacia che accentua i suoi punti salienti. Much Ado About Nothing è spesso descritta come il culmine del duello verbale di Shakespeare, ma, in verità, Love’s Labour’s Lost detiene quell'onore. Quasi tutti cercano di superare gli altri con un arsenale di battute, quisquilie e ragionamenti quiz e, fortunatamente, Luscombe cerca di sfruttare al massimo questo aspetto.

Di gran lunga la più gloriosa in questo scambio pungente è Michelle Terry, la cui Rosaline brilla e taglia come il diamante sfaccettato che dovrebbe essere. Terry è dotata e compiuta, ogni slancio verbale perfettamente espresso e una gioia da sentire. Gestisce le parti rapide con una facilità consumata, è la compagna perfetta per le sue sorelle nel corteggiamento e, impeccabilmente, fa inciampare e annaspare Berowne, il suo ardente ammiratore, mentre la sua lingua lo fa inciampare. Terry è un vero piacere da guardare.

Sam Alexander è meraviglioso come il Re di Navarra, leggermente pomposo, leggermente ottuso, ma assolutamente affascinante. Ha un'espressione da cucciolo smarrito nella nebbia che è seducente e, allo stesso tempo, può produrre una risolutezza d'acciaio in un istante. È un convincente ruolo regale e un piacere da vedere e ascoltare, così permeato di gioia e spirito è la sua esibizione. Si è buttato nella routine di danza moscovita (quando lui e i suoi compagni cercano di fare scherzi con i loro amori) con un'irresistibile dedizione. Davvero impressionante.

Come Principessa di Francia, Leah Whitaker è eleganza e regalità personificata. Un certo altezzosità, leggera ed effimera, pervade ogni suo gesto e frase e si percepisce che è sia viziata che precisa. Si immerge nello spirito femminile delle macchinazioni con un genere di entusiasmo da ragazza di hockey, ma mantiene costantemente una distanza dai suoi sudditi, esattamente come fa il Re di Alexander. Sembrano una coppia perfetta. Quando arriva la notizia della morte di suo padre, Whitaker è impeccabile - trasmette perfettamente il senso della sua perdita personale, il suo dovere verso il suo paese e suo padre defunto e, gentilmente ma fermamente, rifiuta la mano di Alexander fino a quando il periodo di lutto di 12 mesi non sarà passato. È un momento devastante, valutato meravigliosamente.

Berowne è il ruolo che la gente sospetta Shakespeare abbia scritto per sé e è un dono; una meravigliosa combinazione di scambi rapidi e spiritosi, alcune buffonerie schiette, battute memorabili, monologhi incantevoli e poetici e momenti di chiarezza mozzafiato sulla condizione umana. Edward Bennett è un buon Berowne - la sua chiarezza e sicurezza fanno sì che le parti veloci vortichino di divertimento e la sua padronanza del linguaggio e della tecnica assicura che i suoi discorsi, specialmente quello volto a ispirare i suoi compagni alla fine dell'Atto Uno, siano estatici, ispiratori e molto belli. Ma potrebbe essere più malizioso, più sicuro di sé, più determinato sulle proprie abilità e capacità, perché è da quel senso di sé che può essere estratto molto divertimento.

Don Armado può essere un ruolo fastidioso; richiede un attore comico appropriato con tecnica precisa e un vivace senso dell'autoironia. Ci sono molti errori di battute e giochi di parole da far funzionare, e John Hodgkinson fa un lavoro superbo come questo clown dal sillabare sciocco. Ha un'assistenza particolarmente meravigliosa da parte di Moth di Peter McGovern, un ragazzo campanello brillante come un bottone con una prontezza di spirito, una disposizione allegra e una piacevole voce cantata. McGovern energizza ogni scena in cui entra e il suo Moth è perfetto, svolazzando attorno alla fiamma del don Armado societario.

David Horovitch è davvero meraviglioso come il maestro scolastico secco, loquace e presuntuoso, Holofernes; Jamie Newall rende Boyet un ambasciatore dipendente dal champagne di immensa grazia e stile; Tunji Kasim è un piacere come il Dumaine ossessionato dagli orsetti (in un divertente omaggio a Brideshead Revisited) che può strillare così bene come sa corteggiare; e Roderick Smith consegna la brutta notizia sulla morte del padre della Principessa con sobria precisione.

Nick Haverson (Costard) ed Emma Manton (Jacquenetta) stavano cercando un po' troppo con i loro personaggi rustici sterotipati; nessuno dei due è stato aiutato dalla falsa follia di Gilbert e Sullivan che Luscombe ha incollato saldamente agli eventi. Altrimenti, il resto del cast qui riunito è in buona forma e aiuta i procedimenti a raggiungere un senso complessivo di gioia costante.

Nigel Hess fornisce una bella musica di sottofondo ma nessuna delle impostazioni delle canzoni che Shakespeare ha scritto come parte della commedia sono più che piccoli incanti. Oliver Fenwick illumina tutto magnificamente, facendo scintillare la scenografia e i costumi, e ci sono dei quadri veramente ipnotici che coinvolgono i quattro set di amanti. C'è una sovrabbondanza di talento coinvolta nel far sembrare questa produzione così bella com'è.

C'è così tanto da amare e apprezzare qui. Luscombe ha assemblato un cast e una troupe esemplari per questo progetto. La concentrazione sul testo, tuttavia, piuttosto che la diversione nell'operetta, avrebbe dato risultati migliori. Ma, nessun dubbio, quando finiscono gli applausi finali qui, vuoi vedere questa compagnia nel pezzo complementare, Love’s Labour’s Won.