RECENSIONE: La Boheme, Arcola Theatre ✭✭✭✭

La Bohème

Arcola Studio 1

05/08/15

4 Stelle

Cosa si può fare di più con La Bohème? Con la Royal Opera House che finalmente ritira la venerabile produzione di John Copley dopo quarant’anni, e i sondaggi che rivelano regolarmente che La Bohème è l'opera ‘preferita’ o ‘più amata’ al mondo, c'è davvero qualcosa di nuovo da dire con la storia di Puccini sugli artisti sfortunati nel Quartiere Latino di Parigi? Non dovremmo semplicemente offrire agli spettatori la rappresentazione tradizionale a cui sono abituati? Questa è stata la sfida affrontata da Opera 24 e Darker Purpose Theatre Company all'apertura del Grimeborn Festival di quest’anno a Dalston. In questa produzione la soffitta parigina e il Café Momus sono ricollocati nei ‘vastissimi campi di Hackney’, come dice ironicamente il libretto. Con l'orchestra nascosta sotto il balcone, il resto dell'Arcola Studio 1 è dedicato a due ambientazioni contemporanee: prima un appartamento freddo e poco arredato – con una serie di televisioni sugli scaffali, sacchi a pelo, una chitarra e un singolo laptop condiviso; alcune vecchie targhe ammucchiate nel retro e l'attrezzatura di un pittore sparsa attorno a un braciere inefficace. E poi alle sedie e tavoli di una tavola calda la cui caratteristica è il dosatore di ketchup a forma di pomodoro che ha il suo momento satirico da grand guignol nel Secondo Atto. Rodolfo (James Scarlett) è ancora un poeta che deve bruciare i suoi testi per scaldarsi, Marcello (Ian Helm) è ancora un artista frustrato che aspetta la sua grande occasione, e Mimì (Heather Caddick) una brava sarta, ma qui un’immigrata ucraina la cui condizione incerta le impedisce di qualificarsi per un’assistenza sanitaria adeguata. L'orchestra è ridotta a dieci elementi, più il pianoforte, ma archi e fiati sono - essenzialmente - pienamente rappresentati.

Sentire l'opera in questa scala da camera ti fa rendere conto di nuovo di quanto sia ben fatta come opera di maestria musicale. Proprio come nella migliore musica da film, Puccini è un maestro dell'arte della transizione rapida ma apparentemente senza soluzione di continuità: in ogni scena ci sono molti momenti solistici e d'ensemble che definiscono il carattere individuale e fanno avanzare la trama con abilità teatrale, ma è raggiunto senza sforzo, senza che si vedano le giunzioni. Con forze orchestrali più piccole si può sentire e vedere come viene realizzato più facilmente e chiaramente, mentre le varie linee si intrecciano e frammenti di melodia vengono condivisi e riassemblati; ma questo non diminuisce l'ammirazione per il risultato. Con le due arie più grandi che appaiono subito nel Primo Atto, non dovrebbe funzionare. Eppure il compositore adatta e rielabora il materiale di quelle meravigliose affermazioni romantiche lungo tutta l'opera in modo tale che l'insieme sia unificato e infuso dello stesso linguaggio armonico di desiderio, ovunque il flusso dell'azione possa portarci.

Cruciale per qualsiasi nuova interpretazione di quest'opera è cosa fare con il vecchio libretto, e qui la produzione ottiene un colpo palese con la traduzione contemporanea spiritosa, leggermente consapevole ma interamente plausibile di John Farndon, che offre agli attori e cantanti molto materiale ricco con cui lavorare. Fornisce la base per la credibilità delle performance chiave e giustamente esalta i numerosi momenti di commedia (di situazioni e linguaggio) che si verificano naturalmente nell'opera. Ci sono alcuni episodi molto divertenti in questa produzione, specialmente nelle scene di cameratismo maschile e battute che dominano le parti degli Atti Uno e Due, e prendono origine dal brio e qualità della scrittura. Occasionalmente la pura verbosità della scrittura lirica crea qualche angolo difficile da girare per i cantanti mentre distendono le lunghe linee melodiche naturalmente respirate di Puccini, ma per la maggior parte c'è un eccellente adattamento tra parole e musica. Gli arrangiamenti orchestrali, di John Jansson, sono similmente sobri, così che l'orchestra fornisce un supporto efficace senza dominare le voci. Ho sentito la mancanza dell'orchestrazione originale solo nel trambusto delle scene del caffè parigino, dove Puccini indulge in una piena tavolozza impressionista di pittura di scena urbana.

Le performance sono per la maggior parte molto forti e convincenti. Scarlett e Helm come Rodolfo e Marcello sono in qualche modo la coppia cruciale in quest'opera – passano più tempo insieme di quanto Rodolfo faccia con Mimì. Come attori e cantanti si sono mescolati bene insieme con un rapporto molto naturale. Helm in particolare ha recitato con grande convinzione la lealtà amicale e la petulanza e l'assorbimento artistico di Marcello, e si è dimostrato un amante geloso efficace nelle sue scene con Musetta (Danae Eleni). La consegna dell'aria principale di Scarlett è stata adeguatamente risonante e nobile nonostante qualche forzatura di tono proprio nelle richieste più alte del registro, e la sua disintegrazione negli ultimi due atti è stata sia toccante che coerentemente e coerentemente recitata, cosa che certamente non è sempre il caso.

I veri onori vocali della serata sono andati a Caddick che ha cantato con una meravigliosa purezza di linea e tonalità che ha attratto la nostra attenzione durante tutto lo spettacolo. Il ruolo di Mimì è difficile da eseguire: il cantante-attore ha bisogno di trasmettere fragilità evitando il vittimismo economico e banalmente propagandistico; e il canto ha bisogno di essere interamente autorevole mentre – se possibile – trasmettendo una salute non robusta. Caddick è riuscita a incarnare tutti questi aspetti della sua performance con una caratterizzazione fine di 'grazia sotto pressione' – la definizione di coraggio di Hemingway. Non mi aspettavo di essere più commosso dalla scena finale ma la sua performance mi ha permesso di viverla di nuovo.

Tra i ruoli minori ci sono stati molti ottimi contributi, esso stesso un tributo al modo in cui Puccini democraticamente dà a tutti i suoi personaggi piccoli episodi preziosi in cui possono brillare nel dramma. Cheyney Kent, ad esempio, ha sfruttato appieno la sua scena della vendita del cappotto nell’atto finale; Leon Berger ha reso al massimo i ruoli del padrone di casa e dell'anziano amante di Musetta, dove deve essere bersaglio di tutte le battute; e Andrew McIntosh ha fornito un supporto vivace come Schaunard. Danae Eleni ha interpretato molto bene i ruoli contrastanti di Musetta come civetta del caffè e amica leale di Mimì, ma avrebbe potuto dare di più vocalmente alla sua aria nel Secondo Atto. Nick Fletcher ha impostato tempi rinfrescanti e vivaci dal golfo mistico che ha spinto l'azione avanti senza mettere i cantanti sotto sforzo.

In sintesi, la produzione ha raggiunto esattamente quello che Grimeborn si propone di fare ogni anno. Ha rimosso gli strati vecchi di vernice da un vecchio favorito e ha trovato uno scenario nuovo e convincente in cui ricollocarlo. Il regista Lewis Reynolds ha molta esperienza nella presentazione di opere liriche al King’s Head Theatre, che lo ha reso una scelta molto buona per ottenere ottimi risultati qui. È stato un vero sforzo di squadra impegnato e completo: e in quest’opera nient'altro consegnerà il risultato desiderato.