RECENSIONE: Joking Apart, Theatre Royal Windsor ✭✭✭✭

Joking Apart - Theatre Royal Windsor. Foto: John Walmsley Joking Apart

Theatre Royal, Windsor

23 Giugno 2015

4 Stelle

‘La tragedia di un uomo spesso non è che fallisce, ma che quasi vince.’

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Rifugiato proprio sotto le mura del Castello di Windsor si trova il grazioso Theatre Royal edoardiano, il cui elegante color crema, oro e stoffe lussuose ospitano attualmente una breve sequenza di opere teatrali di alta qualità che ricrea per un breve periodo lo spirito del teatro di repertorio collaborativo. Un elemento di questa breve stagione è una molto accolta riedizione del Joking Apart di Alan Ayckbourn, un'opera che ha avuto relativamente poche produzioni dopo un debutto fallimentare a Londra alla fine degli anni '70.

Questa è una delle commedie più oscure di Ayckbourn, focalizzata sugli effetti distruttivi e corrosivi della gelosia e dell'invidia. Al centro ci sono una coppia, Richard (Chris Casey) e Anthea (Stephanie Willson), che incarnano la bontà, il talento, l'avvenenza, la realizzazione professionale, il buonumore e lo spirito comunitario. Attorno a loro gravitano amici che sono sempre più infelici e le cui relazioni diventano sempre più disfunzionali, mentre Richard e Anthea rimangono radiosamente immutati. Ci sono due atti e quattro scene, con l'azione ambientata nel giardino posteriore della casa di Richard e Anthea e distribuita su complessivi dodici anni, alternando le stagioni invernali ed estive.

Come Ayckbourn stesso sottolinea nel programma, c'è sempre stato un problema su come rendere la bontà indifferenziata drammaticamente interessante. Proprio come il Dio di Milton è noioso rispetto alla caratterizzazione tormentata e a più livelli di Satana, così è difficile creare un'opera teatrale convincente dai matrimoni felici di persone belle e di successo. Il suo modo di affrontare questo problema è focalizzare l'attenzione non su Richard e Anthea stessi, ma sulle azioni, reazioni e risentimenti accumulati dei loro amici. Quindi il focus emotivo del lavoro è intrigantemente decentrato verso i vicini, il vicario locale e sua moglie, Hugh (Anton Tweedale) e Louise (Natalie Douglas), un socio in affari, Sven, (Alec Fellows-Bennett) e sua moglie Olive (Lou Lou Mason), e un vecchio amico di Anthea, Brian (Gary Roe), che appare con una serie di fidanzate identikit, tutte interpretate da Grace K. Miller. Procediamo attraverso la sequenza familiare di rituali sociali della classe media accumulando informazioni sul passato e sulle attuali preoccupazioni dei personaggi mentre le correnti emotive diventano più forti e le tensioni tra i personaggi diventano più disperate prima di aprirsi in confronti progettati per essere intensamente comici e toccanti allo stesso tempo.

Il tempismo e il ritmo sono vitali nelle opere di Ayckbourn. Quando sono giusti, il lavoro funziona come un meccanismo a orologeria squisito, ma quando non lo sono i risultati possono rischiare di sembrare insignificanti e inutili. Il confine tra successo inebriante in questo repertorio e fallimento senza slancio è pericolosamente stretto. Nella prima metà della serata ero preoccupato a volte che saremmo caduti dal lato sbagliato della linea, e ho iniziato a pensare, come faccio spesso, che le serate di stampa andrebbero collocate meglio più avanti nel ciclo di una pièce una volta che le cose si sono sistemate in un solco. All'inizio le cose andarono troppo lentamente e il cast era appena un po' compiaciuto dei propri tempi di entrata e dell'interpretazione fuori dal discorso. Chiaramente non ero il solo a pensarla così, giudicando da questo scambio che ho sentito all'intervallo tra due membri del pubblico che avrebbero potuto passare per personaggi di Ayckbourn:

Marito: ‘Siamo qui da un'ora, cara, e non è successo nulla!’

Moglie: ‘Niente mai davvero succede nelle sue opere, finché qualcuno non si ubriaca!’

Questo si è rivelato vero – come spesso in Ayckbourn, è davvero l'alcol che nella seconda metà scioglie le lingue distruttivamente e consente ai risentimenti accumulati di anni di traboccare in modo esorcistante. Ma ora il ritmo era perfetto e la pièce si è mossa con forza e intensità verso la sua forte delineazione della verità della frase che ho riportato all'inizio di questa recensione. Sotto la superficie della semplice transizione dalla gioventù alla mezza età si trovano molte accettazioni cupe del compromesso e del fallimento tanto più oscure perché i fallimenti professionali e personali erano in verità mancati di poco.

Quando si vede il testo sulla pagina sembra piatto e sottile – proprio come accade con Coward. C'è poco spirito superficiale o giochi di parole. Ma il testo è solo il punto di partenza – uno schema da completare e dare vita tramite gli attori. Questo deve essere uno dei motivi per cui gli attori amano interpretare questi ruoli – perché c'è così tanto spazio per l'invenzione creativa e l'interpretazione. Si vede immediatamente che Ayckbourn ha iniziato come attore lui stesso. Fornisce all'attore una cornice di stereotipo e da questo una possibilità di creare un individuo unico e sfumato. La scrittura ha messo in moto l'interazione del carattere con grande precisione, e va trattata con cura e rispetto, fiducia e accuratezza; ma all'interno di quella struttura c'è anche una vera libertà. Il cast va congratulato per aver colto queste opportunità al massimo.

Come Richard e Anthea, Casey e Willson hanno in qualche modo il compito più difficile. Sono affascinanti, di bell'aspetto, irritantemente di successo in tutto ciò a cui si dedicano, gli ospiti munifici di tutte le feste che incorniciano l'azione. Ma devono anche essere il centro fermo attorno cui l'azione accade. Trasmettono con successo un senso di inconsapevolezza incantevole dei problemi, delle reazioni e delle sensibilità degli altri che è fin troppo riconoscibile come una delle conseguenze di vittorie ininterrotte dall'infanzia e capacità di ottenere ciò che si desidera senza grandi sforzi. In questo senso non sono proprio perfetti come Ayckbourn suppone, ma sono perfettamente plausibili.

Nel ruolo del goffo, timido, sacerdote parrocchiale, Tweedale è molto efficace. Sfrutta al massimo la retorica anglicana emotivamente bloccata e piena di cliché nel suo ruolo e diventa molto toccante quando incanala emozioni grezze attraverso di essa. Douglas mappa la disintegrazione mentale di sua moglie, Louise, con una fine mostra di imbarazzo fisico che incarna perfettamente il suo crescente senso di impotenza sociale di fronte alla solidarietà implacabilmente efficiente dei suoi vicini. Fellows-Bennett sviluppa un ottimo studio del personaggio nella gelosia del maschio alfa appena trattenuta, e porta il suo personaggio da essere una semplice spalla comica scandinava a una dettagliata descrizione di risentimento prima verso un rivale e poi a un'ira per la sconfitta degna di Marco Antonio. Mason ha meno da fare come sua moglie, ma riesce comunque a trasmettere bene la sua personale gelosia panica verso Anthea e i suoi patetici tentativi di sostenere il marito appoggiando la sua critica a Richard. Il ruolo di Roe è meno sviluppato degli altri, ma sfrutta al massimo un particolare discorso che rivela toccantemente il suo amore per Anthea che dura da una vita: come spesso avviene in Ayckbourn, il danno rappresentato sul palco è in realtà avvenuto molto tempo prima, e noi vediamo le reazioni ritardate. Miller ha il compito difficile di interpretare throughout il dramma giovani bionde simili e acerbe; ma lei le distingue abilmente, oltre a fornire la voce di una generazione più giovane alla fine, dove come figlia della casa si rifiuta simbolicamente di impegnarsi nelle battaglie e alleanze che hanno circondato i suoi genitori nei dodici anni precedenti.

Come in tanti teatri di una certa età, il bar al Theatre Royal è orgogliosamente foderato di foto di produzioni passate dall'età d'oro del teatro di repertorio; e lì, certo, c'erano le foto di scena di una produzione del 1986 di questa stessa opera, Joking Apart – cappotti da duffel, cravatte e giacche di tweed, vestiti a fiori, e grandi pettinature ricciolute, che ti riportano direttamente agli anni '70. Ma la lezione di questa eccellente produzione è che questa è un'opera senza tempo che regge come uno specchio delle nostre debolezze oggi come ha sempre fatto. Per ulteriori informazioni sulla stagione del repertorio del Theatre Royal visita il loro sito web.