RECENSIONE: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Teatro Lyttelton, National Theatre

4 Stelle

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Questa rappresentazione è nata come due serate complete al Bristol Old Vic, che ha messo in scena l'opera per la prima volta nel 2014. Arriva ora al National in una versione condensata, che si traduce comunque in una lunga serata – 3 ore e 30 minuti inclusi gli intervalli. La commedia è stata ideata dalla Compagnia dal famoso romanzo di Charlotte Brontë del 1847 sotto la regia di Sally Cookson: in alcuni momenti fa deviazioni interessanti dall'originale, ma testualmente per molti aspetti è sorprendentemente fedele.

Quello che colpisce subito, non appena prendi posto al Lyttelton, è l'allestimento scenico – opera di Michael Vale. Il palcoscenico è aperto e incorniciato da tende bianche che si alzano a tutta altezza. Circondano un complesso di passerelle di legno, rampe e gradini, a forma di U e tutti accessibili da una varietà di scale. Di tanto in tanto vengono introdotti oggetti d'epoca e mobili, ma solo fugacemente. Nel complesso, si tratta di una scenografia astratta progettata per generare un'impressionante senso di movimento e per richiamare una varietà di luoghi.

Fin dall'inizio dell'azione, quando Jane adulta (Madeleine Worrall) geme e urla per simulare la sua nascita, i personaggi si affrettano e si disperdono, corrono, salgono, si aggrappano e si arrampicano su queste strutture. Ogni attore – ce ne sono sette, più i musicisti – deve percorrere letteralmente chilometri nel corso di una serata in cui si deve percepire il gigantesco viaggio emotivo che Jane affronta – dalla miseria e il trascuramento della sua infanzia con i suoi crudeli parenti, alle diverse oppressioni e discipline punitive della Lowood School, fino ai suoi momenti significativi e determinanti come governante a Thornfield Hall e la sua fuga verso un rifugio con St John Rivers e sua sorella.

Cosa ci offre, quindi, la produzione che potrebbe cambiare la nostra percezione di un romanzo familiare nel canone? La risposta più ovvia è che si tratta di una versione fortemente femminista della storia che si concentra tanto, se non di più, sulle lotte dell'infanzia di Jane quanto sul melodramma di Thornfield. Vediamo Jane affrontare la sua famiglia vile, affermarsi contro il bullismo e la meschinità della disciplina scolastica della beneficenza, e prendere una posizione per i diritti dei diseredati. Questi aspetti erano sempre presenti nella storia, ma il drammaturgo Mike Akers ha reso un servizio al libro eliminando la reticenza vittoriana e l'ansia per l'affermazione di sé femminile.

Abbiamo la storia priva di vernice e patina ed è completamente un miglioramento. Otteniamo anche una gamma più ampia e ricca di personaggi secondari – il santimonioso e crudele Signor Brocklehurst, l'eterea e santa Helen Burns e la zia arpia, la Signora Reed. Questo è un concetto rinfrescante, tempestivo e ben ponderato che conferisce una durezza alla storia e una fioritura completa ai personaggi che dovrebbe far dimenticare le nostre memorie delle numerose versioni più sentimentali che hanno dominato sul palco e sullo schermo fino ad ora.

Aiuta davvero a comprendere che quando Jane arriva a Thornfield Hall come governante del pupillo del Signor Rochester, è un'insegnante esperta e una persona completamente formata, non una timida e impressionabile ingenua. Di conseguenza, la relazione con Rochester è equa e vivace fin dall'inizio, il che rende la loro interazione molto più vivace e interessante nel complesso.

A parte Jane e Rochester, il cast interpreta diversi ruoli e si comporta in modo eccellente nel differenziarli. Craig Edwards quasi ruba la scena nel ruolo del cane di Rochester, Pilot, un'imitazione canina straordinaria e convincente come non ne ho mai vista in teatro – tutto basato sull'intuizione che un cane possa esprimere le emozioni che Rochester è troppo tormentato da ansia e colpa per articolare. Laura Elphinstone porta una stoicità pallida a Helen Burns, una vivacità e un fascino energico a Adele e un rigore santimonioso a San Giovanni Rivers – non penseresti davvero che la stessa persona stia interpretando ciascuno di questi ruoli. Simone Saunders coglie le opportunità nei ruoli più limitati di Bessie, Blanche Ingram e Diana Rivers, e Maggie Tagney contrasta abilmente la governante casalinga Signora Fairfax con la zia gelosa, Signora Reed.

E per quanto riguarda Jane e il Signor Rochester? Worrall dà una performance di grande vivacità, forza e varietà senza rivelare molto di un lato più vulnerabile. Eccelle come risolutrice di problemi energica piuttosto che come rivelatrice delle proprie emozioni. Felix Hayes è sorprendentemente divertente come Rochester…cosciente con ironia delle proprie contraddizioni e della bizzarra predicazione allo stesso tempo in cui le abita. E certamente ha il giusto atteggiamento spavaldo e orso per corrispondere alle aspettative fisiche del ruolo.

Per quanto impressionante sia la recitazione per la maggior parte, altrettanto merito appartiene al grande team creativo i cui nomi occupano più spazio nel programma rispetto al team sul palco. Cookson merita grandi elogi per aver ideato un ottimo concetto e averlo applicato con rigore in tutto il corso della serata. Più volte, il piano luci di Aideen Malone trasforma un momento banale in qualcosa di speciale, e i costumi di Katie Sykes affermano chiaramente il periodo lasciando flessibilità per cambi rapidi e adattamenti.

Non ho ancora parlato della musica in questa produzione, che in alcuni aspetti è l'aspetto più notevole dell'opera. Nell'area centrale della scenografia c'è un pianoforte, un set di percussioni e uno spazio per una violinista e un suonatore di fisarmonica. Benji Bower e un paio di altri musicisti forniscono un sottile mix di jazz, folk e sobria minimalista che aggiunge abilmente all'atmosfera e al ritmo dell'intera opera. Più specificamente, forniscono l'accompagnamento a Melanie Marshall, vestita di un abito scarlatto e che si muove lungo l'azione. La sua sontuosa voce ci guida attraverso diverse canzoni, familiari e non, finché non si rivela gradualmente essere proprio Bertha Mason.

È un vero colpo di scena dare a Bertha una voce propria, quando spesso viene semplicemente rappresentata come la donna folle inarticolata nella soffitta. Anche se non è il personaggio come immaginato nel famoso prequel di Jean Rhys Wide Sargasso Sea, è ancora un'interpolazione molto convincente nel dramma e la sua esecuzione di ‘Mad about the Boy’ si è rivelata un vero show-stopper.

Cosa priva allora questa eccellente produzione dell'onorificenza di una stella finale? La risposta è semplicemente che il virtuosismo tecnico a volte ostacola la piena occupazione immaginativa del personaggio. Gli attori sono così concentrati sull'offrire un tour de force che alcuni dei punti di riposo, in particolare per la creazione della chimica romantica tra Jane e Rochester, sono scivolati fin troppo rapidamente. Sentiamo l'animazione e la vivacità della connessione tra i due e anche l'attrazione sessuale; ma persino alla fine, mi è mancato il romanticismo totale e la tenerezza che questo romanzo davvero richiede.

Sembra accadere abbastanza spesso al National di questi tempi che quando la Compagnia è così concentrata nel mostrare l'intera gamma delle abilità tecniche a loro disposizione, possano mancare in quegli aspetti più tradizionali della caratterizzazione che non dovrebbero essere dati per scontati. Dobbiamo vedere non solo tutta la forza di carattere indipendente di Jane e la capricciosità burbera di Rochester, ma anche due personaggi attratti l'uno dall'altro inevitabilmente nonostante i reciproci sforzi per allontanarsi. A volte gli attori pensano che sia troppo ovvio recitare le scene romantiche in modo appassionato e con il cuore in gola. Non è sufficiente implicarne o aggiungere ironia o darlo per scontato – il sentimento a volte deve ancora essere vissuto in modo grandioso nei momenti culminanti. Quando il testo originale è stato usato in dettaglio, i freni sono stati naturalmente applicati, e i ritmi dell'autore si sono riaffermati – questo doveva succedere più spesso.

Questa è una serata veramente avvincente a teatro. Non senti il passare del tempo e puoi solo rimanere impressionato dal modo in cui il cast trova nuovi significati in un materiale che tutti pensiamo di conoscere a memoria. Questa è una produzione veramente corale con possibilità per gli individui di brillare e l'insieme di risuonare con qualcosa di più grande dei loro contributi individuali. Ha impressionato moltissimo, mi ha fatto ridere spesso, ma nella seconda parte mi ha raramente toccato come avrebbe dovuto.

Jane Eyre in scena al National Theatre fino al 10 gennaio 2016.