RECENSIONE: Pregherò Tanto per Te, Atlantic Theatre Company ✭✭✭✭

Foto: Ahron R Foster Tiferò per te così tanto

Atlantic Theatre Company

11 gennaio 2015

4 Stelle

Sono, a dir poco, un padre e una figlia inusuali. Lui è uno scrittore vincitore dei Tony Award e candidato agli Academy Award, arrabbiato con praticamente ogni aspetto della sua vita. Lei è sua figlia, un'attrice, attualmente protagonista a Broadway in una rivisitazione de Il Gabbiano e in attesa delle recensioni della prima serata. Lui è vitriolo, acido e vile riguardo a tutto ciò che è associato al teatro - i registi, i critici, altri attori. Vomita epiteti venefici e profani che potrebbero sembrare opera del figlio di Oscar Wilde e del personaggio posseduto di Linda Blair in L'Esorcista.

Che il padre sia capace di una seria violenza non è mai in dubbio. Sfoga la sua rabbia in modi diversi - sguardi lunghi e malvagi che farebbero competere Medusa, colpendo il robusto portacenere contro l'interno del cestino dei rifiuti per abbattere la tensione, grandi sorsi di vino bianco da bicchieri in cui i cubetti di ghiaccio vengono gettati come bombe atomiche, profondi inalazioni di erba o impetuose sniffate di cocaina. Eccelle nell'eccesso, nel linguaggio, nelle azioni e nel calcolo manipolativo.

La figlia è un disastro frastagliato; un intricato groviglio di speranza, disperazione e possibilità, il risultato inevitabile di decenni passati a essere trattata come la Principessa che Deve Riuscire e una foglia di cavolo schiacciata - l'Eliza afflitta e intrappolata del suo padre Higgins malizioso e disturbato. Il risultato ultimo dell'ossessione determinata di un vanitoso e potente Signor Worthington.

Quando arrivano le recensioni per la sua performance in Il Gabbiano, sia il padre che la figlia vengono alterati per sempre. Come questo si svolge è la spina dorsale della nuova opera di Halley Feiffer, Tiferò per te così tanto, ora in anteprima prima della sua prima mondiale, off Broadway, all'Atlantic Theatre Company diretto da Trip Cullman.

Sebbene ci siano molte risate genuine, molte a spese dei critici teatrali (argomento che continua a dare), questa non è una commedia. È un teatro scuro come l'inchiostro di calamaro, intenso, scomodo. A un livello superficiale, sembra parlare di teatro, scrittura per il teatro, recitazione, e il dolore e la gioia che se ne possono trarre. È facile quindi pensare che Feiffer sia una sorta di parente teatrale di Harvey Fierstein o Terrence McNally - ma non è affatto così.

No. Feiffer è una nuova voce, felice di giocare ai confini della forma e della convenzione. La prima scena sembra abbastanza convenzionale: l'interno di una casa, un banco cucina dove mangiare, tutto reso realisticamente, completo di carta da parati e manifesti incorniciati dei trionfi passati del padre. L'ambientazione di Mark Wendland è quasi perfetta, evocando un senso di Arthur Miller ed Edward Albee.

La seconda scena è, comunque, qualcosa di molto diverso. Sia uno spazio reale, un teatro black-box, e, forse, l'interno della mente frammentata della figlia. L'ambiguità su cosa stai guardando è contrastata con il disfacimento viscerale della mente dell'attrice/scrittrice. O stiamo guardando il suo spettacolo mentre viene recitato? O stiamo guardando il seguito della serata di apertura trionfale del suo spettacolo? In ogni caso, e piuttosto curiosamente, non importa. La scrittura di Feiffer in questa scena è notevole - sconvolgente e devastante.

Forse più di ogni altra cosa, Tiferò per te così tanto è la prova teatrale per eccellenza della saggezza di Sondheim nel successo di Into The Woods, Children Will Listen. And learn.

Il padre impara dal suo rifiuto da parte del padre immigrato e dall'incoraggiamento del suo mentore teatrale adottato. La sua infanzia brutale non lo abbandona mai, informa la sua scrittura premiata e il modo in cui cerca di controllare sua figlia.

Per quanto riguarda lei, la figlia sa tutto sulla storia del padre (è stata istruita per una vita) ed è disperata di compiacerlo, di dargli qualcosa di familiare di cui essere orgoglioso. Ma, nella sua disperata - e alla fine inutile - corsa per compiacere, calmare e placare il genitore, inizia la sua autodistruzione. È devastante da guardare.

Nella prima scena, Betty Gilpin non è impressionante nel ruolo della figlia, Ella. C'è un'improbabilità isterica nella sua performance che è deludente - e inspiegabile, dato che il suo lavoro nella seconda scena è intensamente concentrato e sia eccitante che spaventoso in egual misura. C'è un motivo valido per il suo lavoro nella seconda scena - il riflettore passa fermamente dal padre a lei, e Gilpin coglie ogni opportunità offerta nelle circostanze.

Ma la prima scena richiede altrettanta abilità, specialmente se c'è da essere un filo conduttore veritiero per il personaggio. La performance di Gilpin coinvolge troppe lacrime e singhiozzi - il personaggio d'acciaio della seconda scena deve essere intravisto più attentamente nella prima, altrimenti il potere del pezzo si riduce. È difficile credere che una vittima di abuso domestico come quella che Gilpin crea nella prima scena sopporterebbe tanto quanto la Ella di Gilpin o, se lo facesse, che prenderebbe il passo coraggioso che alla fine la Ella di Gilpin compie.

La prima scena offre all'attrice la possibilità di scegliere le fondamenta per ciò che accade nella seconda scena. Al momento, quelle scelte non sono le più sagge e Gilpin non ha la simpatia del pubblico mentre termina la prima scena. Tuttavia, Gilpin è alquanto eccezionale nella seconda scena e dimostra un'assicuratezza e una chiarezza di focus che fa brillare la sua Ella come champagne miscelato con cianuro.

Ma lo spettacolo appartiene a Reed Birney, che è magnifico come il padre orrendo e crudele di Ella, David. È un ruolo mostruoso, grande quanto uno dei principali personaggi paterni in Williams, O'Neill o Albee. Birney coglie ogni momento offerto dalla sceneggiatura di Feiffer, e con aplomb ed energia, esprime furia amara e rabbia incandescente da ogni frase. Presenta un ritratto dettagliato della violenza domestica del tipo che non provoca colpi fisici o lividi.

Sputa e ringhia alla figlia, sminuendola e incoraggiandola a turno. Ride con e poi di lei, la spinge al limite del crollo e poi le porge una mano per uscire dal pozzo di oscurità che ha creato. I suoi occhi sono costantemente vivi, indagatori, rotolano o si stringono come richiede il momento. Birney usa il suo corpo in modo straordinario - mostrando un uomo oltre il suo apice e inondato di auto-indulgenza.

È un maestro anche con la sua voce. Può abbandonare battute comiche per grande effetto e, su uno spillo, può trasformare un tono dolce in un torrente impetuoso di veleno implacabile. Senza difficoltà, Birney chiarisce il dolore e il misero che l'ha definito e il bisogno di brillare con il successo che l'ha sostenuto, bruciandolo.

Trasmette anche con facilità la completezza del pensiero errato di David. Disprezza il ruolo della figlia di Masha ne Il Gabbiano come se fosse nulla, insistendo che avrebbe dovuto essere l'ingenua Nina, il ruolo "da star". Masha, naturalmente, è un ottimo ruolo nel dramma di Chekhov e molte grandi attrici lo hanno interpretato. E Masha è amata dalla persona che non ama e respinta dalla persona che ama: dato quello che accade nello spettacolo di Feiffer, questa non è una coincidenza.

Ma sebbene ci sia tanto da ammirare nell'orribile toro di uomo che Birney crea così chiaramente nella prima scena, è la sua apparizione nella seconda scena che dimostra la sua versatilità e gamma come attore. Sono passati 5 anni e quegli anni non sono stati amichevoli per David. Birney è superbo in questa ultima, fragile confrontazione con sua figlia.

La cosa più straordinaria di tutte, tuttavia, è ciò che Birney fa mentre la prima scena si conclude. Nonostante l'impeccabile interpretazione di un uomo mostruoso, odioso e senza cuore, che può abbandonare chiunque e qualsiasi cosa in un impulso, su una nota falsa di presunta offesa, Birney svela David nei momenti finali solitari, rivelando il centro grezzo di questa creatura persa, sola e impossibile da amare. Avrebbe dovuto essere impossibile, dato le atrocità che ha scatenato su Ella durante la sequenza precedente, che venga provata qualsiasi simpatia per David.

Eppure, miracolosamente, Birney fa succedere questo. È una performance tanto trionfante ed esaltante quanto qualsiasi altra io abbia mai visto su un palco in qualsiasi parte del mondo.

La regia di Trip Cullman è acuta e chiara. L'intimità che il piccolo spazio al Black Box dell'Atlantic Theater Company contribuisce enormemente al senso di orrore palpabile che avvolge il pubblico mentre la narrazione si svolge. La violenza fisica e l'intimità sono sia disturbanti che spaventose, ma è una testimonianza dei buoni istinti di Cullman che la maggior parte del pubblico è stata colta in un silenzio sconvolto piuttosto che ridere di scenari irrealistici.

Questo è un nuovo eccellente spettacolo e uno che merita di avere successo in tutto il mondo. Non molti drammaturghi hanno rivolto la loro attenzione ai tipi di relazioni padre/figlia che sono corrosive e co-dipendenti. Feiffer ha creato qualcosa di nuovo, stimolante e vibrante - esattamente il tipo di spettacolo che David esorta Ella a scrivere in Tiferò per te così tanto.

Quanto a quel titolo...beh, dovrai vedere di persona.

Tiferò per te così tanto va in scena all'Atlantic Theatre Company fino al 15 febbraio 2015.