RECENSIONE: Enrico V, Temple Church ✭✭✭✭

Andrew Hodges e Greddie Stewart. Foto: Scott Rylander Enrico V

Temple Church

24/08/15

Immagino che la maggior parte degli spettatori del teatro abbiano ricordi chiari di quando hanno visto per la prima volta una produzione di Enrico V. Ogni volta che sento un attore iniziare con ‘O for a muse of fire!’ vengo immediatamente riportato a quel momento d'infanzia affascinante quando vidi per la prima volta il film di Olivier... la carrellata attraverso Londra Tudor, la musica vivace e cavalleresca di Walton, e la prima vista del ‘wooden O’. Per altri potrebbe essere la versione cinematografica più fangosa ma eroica di Kenneth Branagh, o la produzione anti-guerra di Hytner-Lester di circa un decennio fa. Pochi di noi possono approcciare questa opera senza una serie di pre-concezioni, e coraggioso è il regista che si mette alla ricerca di un modo per dire qualcosa di nuovo su questa opera che tutti pensiamo di conoscere molto bene. Eppure questo è ciò che Antic Disposition e i registi Ben Horslen e John Risebero sono riusciti a realizzare in una delle più impressionanti rivisitazioni di un'opera di Shakespeare che abbia visto negli ultimi anni. Fanno ciò soprattutto riconoscendo e adattando alla loro visione le ambiguità che si trovano al cuore dell'opera, affinché non sia né una semplice celebrazione né una repulsione della guerra, ma un riconoscimento che la guerra è inestricabilmente parte della condizione umana. È cruciale per la generosità di spirito di Shakespeare che l'opera abbracci il fascino e l'attrazione dell'alta politica mentre mostra anche le conseguenze di quelle decisioni per l'uomo e la donna comune tanto quanto per il re – lo sfarzo e la pietà, la sottile linea di paura tra fallimento e trionfo, sopravvivenza o morte.

Andrew Hodges, Alex Hooper, Freddie Stewart e James Murfitt. Foto: Scott Rylander

L'ambientazione nella Temple Church non potrebbe essere più adatta con i suoi strati risonanti di storia inglese. Accanto alle tombe dei cavalieri templari e dei baroni che hanno imposto la Magna Carta, il palcoscenico è allestito in traversata tra i banchi della chiesa. Su una piattaforma sollevata aperta a entrambe le estremità sono posti una dispersione di casse di munizioni e forniture mediche. Due soldati entrano indossando uniformi della Prima Guerra Mondiale, uno francese e uno inglese. Poi una infermiera francese. Seguono lotte familiari di comunicazione, finendo con il soldato inglese che dà al suo omologo francese una copia dell'opera di Shakespeare. Ci troviamo in un ospedale da campo alleato ad Azincourt dietro le linee, e entrambe le contingenze concordano di mettere in scena uno spettacolo per passare il tempo. Ma prima di arrivare al prologo un fisarmonica e un pianoforte introducono l'ambientazione di George Butterworth del ‘The lads in their hundreds’ di A.E Housman, e sopra alla retorica ispirata di Shakespeare abbiamo anche un altro strato risonante di rimpianto cavalleresco, scritto poco prima della Prima Guerra Mondiale. Era così appropriato in tanti modi, sia drammatici, estetici e storici, che mi diede lo stesso scossone di esperienza mentale che ricordo dal film di Olivier tanti anni fa. Non posso fare un complimento più alto per la gestione della sequenza di apertura.

E così siamo entrati nel cuore dell'opera stessa, ma prima di discutere le qualità della produzione vale la pena sottolineare che lo scenario della Prima Guerra Mondiale rimane sempre come punto di riferimento. Ulteriori ambientazioni di Housman, utilizzando lo stile musicale dell'era edoardiana, interrompono l'azione per distillare emozioni in punti chiave e l'esperienza del conflitto recente si insinua in modo commovente e appropriato nella recitazione nei momenti significativi – come il momento in cui Bardolfo viene giustiziato per saccheggio e l'attore che interpreta il ruolo collassa in una crisi. È raro che una compagnia integri un nuovo concetto così a fondo in un'opera di Shakespeare – troppo spesso è meramente gestuale – ma qui il livello di attenzione al dettaglio è enormemente impressionante e fantasioso pur conformandosi comodamente con lo spirito dell'originale.

Come è consueto con questa compagnia, c'è uno standard uniformemente elevato di performance individuale e di ensemble. Le transizioni tra le scene sono gestite molto bene e anche se lo spazio è limitato i registi l'hanno usato in modo molto flessibile e con un uso minimale ma fantasioso delle scenografie (ad esempio una scatola di bende per palle da tennis, teglie per torte per corone ecc.). Mi chiedevo come avrebbero gestito la grande scena della battaglia stessa, ma ancora una volta lo scenario circostanziale ha fornito la soluzione sotto forma di un'improvvisa raffica di artiglieria fuori scena, un'altra canzone di Housman e un richiamo di tromba... il momento è stato catturato e registrato senza necessità di essere mostrato.

Freddie Stewart e Louise Templeton. Foto: Scott Rylander

I limiti di una recensione non mi permettono di rendere giustizia alla gamma di ottime prestazioni offerte qui, con diversi attori che assumono ruoli multipli. Basti dire che sia le scene politiche che quelle comiche sono riuscite ugualmente bene, cosa che non è sempre così per niente in questa opera. Né le schermaglie nazionalistiche tra i soldati hanno annoiato, come accade a volte. Il testo è stato ben proiettato e rinforzato con abbondanza di movimento fluido sul palco, specialmente nelle scene della notte prima della battaglia quando la cameristica maschile e il nervosismo scherzoso dell'originale e delle ambientazioni moderne si sono mescolati particolarmente bene.

È stato un vero piacere avere veri parlanti francesi a interpretare i ruoli reali francesi per una volta: c'era un reale e plausibile contrappeso politico alle forze inglesi, e la rivalità tra il Delfino e il Conestabile è stata proiettata in un modo che normalmente non accade. Floriane Andersen nei panni di Katherine ha giocato deliziosamente con i giochi linguistici che Shakespeare ha creato per lei, ed era alla pari con Freddie Stewart nei panni di Enrico V nella loro scena di corteggiamento.

La performance di Stewart possedeva molte delle qualità necessarie per il successo in questo ruolo. Era naturalmente autorevole nelle scene politiche e pubbliche, e nella scena di corteggiamento ha combinato civetteria, umorismo e goffaggine in una misura uguale e deliziosa – ha il ‘tocco di zucchero’ senza dubbio. Nella disputa incognito con Williams (Alex Hooper), cruciale in qualsiasi produzione di questa opera, ha controllato il tono con sicurezza e davanti alle truppe ha elargito in modo plausibile più del ‘piccolo tocco di Harry di notte.’

Tuttavia, ho una riserva sulla sua gestione dei famosi monologhi, una riserva che si estende più ampiamente al modo in cui i pezzi di bravura shakespeariani sono generalmente recitati attualmente. Sebbene il naturalismo sul palco possa portarti lontano, non funziona in questi pezzi di retorica altamente raffinati, che sono cristallizzazioni esplicite di emozioni particolari, non descrizioni di esse. Un approccio naturalistico finisce per risultare urlato e monotono e non coinvolgente in alcun modo significativo. L'attore deve davvero interpretare e modellare questi discorsi stilizzati come se fossero pezzi musicali dove si attira il pubblico nella propria confidenza. Mentre posso comprendere la riluttanza degli attori più giovani a abbracciare il ‘bella voce’ consapevole nello stile di Olivier e Gielgud, può ancora essere fatto senza tradire il resto della propria caratterizzazione. Gli attori più anziani del cast – ad esempio Geoffrey Towers (Exeter) e Louise Templeton (Mistress Quickly) hanno mostrato la strada, e in particolare l'evocazione della morte di Falstaff da parte di Templeton è stata realizzata con destrezza e commozione semplicemente seguendo e non forzando il ritmo naturale del testo. A volte, come ha detto Jonathan Bate, ‘La chiave dell'arte drammatica è l'insincerità.’ L'artificio può essere trasformato in arte, e il pubblico ne abita volentieri quello spazio speciale nel momento con te….

Questa è solo una piccola critica in quello che è una serata teatrale totalmente assorbente che ha fatto pensare molti di noi del pubblico ancora una volta a questa apparentemente più familiare delle opere. Spero davvero che abbiano l'opportunità qui o altrove di riproporre questa fine riscrittura di uno dei più grandi successi di Shakespeare. Mentre il cast marciava in formazione nel buio recesso della Temple Church verso i cavalieri distesi si poteva non separarli più dalla lunga tradizione di cavalleria che va dal Racconto del Cavaliere di Chaucer, attraverso le opere storiche di Shakespeare fino all'infanteria destinata di Housman:

‘Riportano lucente al coniatore la moneta dell'uomo.

I ragazzi che moriranno nella loro gloria e mai saranno vecchi.’

Enrico V è in scena fino al 5 settembre presso Temple Church