Recensione: Hellscreen, Vault Festival ✭✭✭✭

Hellscreen

Festival di Vaults

4 marzo 2015

4 stelle

Londra è una città dalle molteplici stratificazioni storiche e architettoniche, e Vaults 2015 nelle ultime tre settimane ha sfruttato ancora una volta al meglio uno dei luoghi più nascosti per il teatro nel centro della città – il labirinto di archi e tunnel sotto la stazione di Waterloo. È un momento drammatico, una sorta di “Alice nella città di Gotham”, quando si scende una scala anonima per trovarsi in un tunnel vittoriano ricoperto di graffiti, con aspiranti Banksy che lavorano duramente sovrapponendo l'opera del giorno precedente; prima di immergersi in quella che sembra essere una fessura nel muro, ma che in realtà è l'ingresso a un vivace centro di spazi espositivi, performativi e di ospitalità flessibili. Per la performance di Hellscreen ci siamo accomodati in una volta di mattoni a forma di pan di zenzero scuro, piena di un ammasso di apparecchiature tecniche che mi ha ricordato il sinistro magazzino in disuso che appare in The Ipcress File. Abbiamo ricevuto uno sgabello ciascuno dal coro, già in carattere per abbattere la quarta parete, e ci siamo disposti intorno a un palco a traverse, incorniciato con tende di lembo in perspex. Negli ottanta minuti successivi siamo stati trascinati in una bruciante meditazione sul ruolo sociale e i confini dell'arte, sui ruoli maligni e benigni di mecenati e critici, e sul potenziale di tutto il pubblico di provocare voyeurismo strisciante e accettazione passiva dell'intollerabile.

Hellscreen ha il suo punto di partenza in un racconto giapponese classico di Akutagawa pubblicato già nel 1918. Nell'originale un grande pittore viene ingaggiato dal suo mecenate per creare un paravento che raffiguri la visione buddista dell'Inferno. Scopre che può solo dipingere ciò che non ha vissuto nella vita torturando i suoi apprendisti sempre più crudamente. Accanto a questo tema c'è una competizione tra mecenate e pittore per l'affetto della figlia amata del pittore, prima che le due trame convergano fatalmente lasciando la figlia morta in un ultimo atto di eccesso artistico, il pittore che si toglie la vita e solo lo schermo completato degli orrori rimane.

Morgan Lloyd Malcolm e Rachel Parish trasferiscono con successo la matrice tematica e psicologica del racconto nel contesto del mondo dell'arte moderna e in un'esplorazione del suo culto dell'eccesso. Frank Holt (Jonny Woo) è un artista contemporaneo che cerca di scioccare ma sembra aver raggiunto i suoi limiti e perso il pubblico. Si rifugia nel suo rapporto con la figlia Amy (Vanessa Schofield), l'unico elemento della sua vita non toccato dal cinismo. Tuttavia, ritorna al lavoro e ottiene un nuovo successo senza precedenti dopo aver incontrato la collezionista e mecenate Katherine Bowker (Suzette Llewellyn), che lo incoraggia a varcare ulteriori confini dell'esplorazione artistica reinterpretando di fronte a un pubblico una sequenza di atrocità di orrore sempre crescente. Questi incidenti, portati a termine con una verve improvvisativa da un coro di attori, rompono decisivamente la 'quarta parete' coinvolgendoci nell'esecuzione dei crimini. Nel frattempo Bowker astutamente sottrae Amy da questi eventi per impedirle di applicare restrizioni a suo padre e la sequestra sul suo rifugio insulare per perseguire il suo schema di contemplazione artistica. Alla fine Amy ritorna dal padre, e uno dopo l'altro vengono spietatamente coinvolti in un'ultima e profondamente simbolica immolazione.

È molto merito del team di produzione, che ha lavorato a questo adattamento per diversi anni, che sia riuscito a toccare molti problemi importanti e giustamente inquietanti. Alcuni di questi riguardano l'arte stessa: rimangono dei confini a ciò che conta come arte? Il mecenate è una figura nobile e stimolante o una figura egoista e manipolativa? Gli artisti inevitabilmente sacrificano i loro cari per la loro arte? La critica artistica ora riconosce un valore oltre al sensazionalismo? Ma le domande più sconvolgenti si riferiscono alla presentazione sempre più estetizzata della violenza nei media e alla nostra esposizione ad essa. Ciò ha incoraggiato una passività voyeuristica intorpidita che mina la nostra capacità di reagire come cittadini nella vita reale? Quale dovrebbe essere la risposta corretta alle rappresentazioni sempre più estese della violenza? Con i promemoria manipolativi quotidiani dell'ISIS che i confini dell'orrore possono infatti essere ulteriormente spinti, e un record diffuso in tutto il mondo in pochissimo tempo, queste non potrebbero essere domande più pertinenti.

Quindi non è stata una sorpresa che siano state le scene basate sulle trascrizioni dei tribunali di crimini reali a colpire duro con il pubblico, creando alcuni di quei momenti di totale concentrazione silenziosa quando sai che tutti sono impegnati nel momento e nel cuore della questione. Ma ciò non deve in alcun modo sminuire la qualità della recitazione e dei valori di produzione altrove. Woo è molto efficace nel proiettare un'intensità pericolosa e imprevedibile come artista tormentato, e Schofield crea un centro calmo di valori alternativi e bellezza, spesso usando il canto per un effetto emotivo potente. Ma forse la recitazione più intrigante è venuta da Llewellyn le cui motivazioni come mecenate artistica rimangono elusive dietro un affascinante assortimento di fascino e generosità di spirito che si trasforma anche in manipolazione opportunistica e desiderio di gloria riflessa. Intorno e all'interno di ogni scena breve è avvolto un assortimento inventivo di musica, proiezione video (sulle tende di perspex), effetti sonori e interventi energetici e fluidi del coro, uno dei quali ha anche un cameo ben fatto e divertente come critico d'arte che si rivela un relativista banale senza convinzioni.

Il mio unico commento negativo su questo eccellente spettacolo è che offre troppo materiale per il tempo disponibile. In solo ottanta minuti bisogna scegliere tra lo sviluppo dei personaggi in un flusso narrativo e dialoghi su temi astratti importanti, e non c'è veramente tempo sufficiente per fare giustizia a entrambi. Si desiderava più tempo per dibattere le questioni in dettaglio e per i rapporti tra i personaggi, specialmente quelli che coinvolgono Amy, ricevere un'ulteriore dimensione. A volte c'era un'insufficienza di informazioni per avere un quadro completo, e soprattutto verso la fine, il telescoparsi di azioni e incidenti è diventato confuso. Un'opera di idee di successo non deve essere lunga o prolissa come Man and Superman attualmente in scena alla National, ma se c'è l'opportunità per un'altra produzione altrove, esorterei un'altra occhiata al copione. La qualità e l'importanza delle domande sollevate non meritano di meno, e il veicolo selezionato è molto adatto per una versione più lunga e più sviluppata.

Un'impostazione a traverse ti permette di osservare i tuoi compagni di pubblico in dettaglio ed è testimonianza della costante qualità stimolante di questo racconto reimmaginato che il chiacchiericcio cosmopolita spensierato all'inizio si sia trasformato, alla fine, in una discussione animata ma seria di ciò che abbiamo visto, e soprattutto in un certo imbarazzante tremolio di fronte alle scomode verità intraviste nello specchio a noi rivolto. Siamo stati turbati, e giustamente.