RECENSIONE: Daphne, Arcola Theatre ✭✭

Daphne

Arcola Studio 1

20/08/15

2 Stelle

Richard Strauss scrisse la sua opera in un atto Daphne nella fase finale della sua carriera compositiva, alla metà degli anni '30. Non viene rappresentata spesso ed è matura per una ripresa come parte dell'impegno del Grimeborn Festival per la riscoperta del repertorio. Offre inoltre una serata teatrale praticamente completa, poiché pur essendo un solo atto dura oltre 90 minuti. È un'opera astratta e strana, piena di musica meravigliosa e diverse scene drammatiche toccanti, ma il suo sottotitolo – tragedia bucolica – indica già alcuni dei problemi di definizione che attendono qualsiasi team creativo. La trama è sorprendentemente semplice in superficie e rimane piuttosto vicina alla mitologia greca raccontata da Ovidio (Metamorfosi) ed Euripide (Le Baccanti). Daphne, (Justine Viani), una naiade o ninfa, è a suo agio nel mondo naturale ma alienata dalle complessità della vita sociale e politica, e dalle tentazioni dell'amore sessuale e romantico. Rifiuta prima un amico d'infanzia, Leukippos (Panos Ntourntoufis), e poi il dio Apollo (John Upperton) prima travestito da pastore e poi come ospite a un banchetto in onore di Dionysos organizzato dai suoi genitori Peneios (James Gower) e Gaea (Violetta Gawara). Questo si rivela essere una 'festa dall'inferno' dove Leukippos si veste con un costume da festival che Daphne aveva rifiutato e, dopo vari malintesi, Apollo uccide Leukippos con una freccia. Il lutto di Daphne induce Apollo a pentirsi delle sue azioni, così chiede a Zeus di trasformare Daphne in un albero di alloro, un destino che lei abbraccia con entusiasmo come un'unione con la natura.

Cosa dobbiamo fare o, del resto, i registi teatrali di questo? È un'opera di profondo simbolismo o un semplice e affascinante racconto di una storia antica? Opera at Home e il regista Jose Gandia hanno scelto di trasferire l'opera al periodo in cui è stata scritta – la Germania nazista. Tutte le figure autoritarie vengono spostate dalla Grecia e diventano comandanti militari e civili; Daphne e sua madre indossano abiti da sera eleganti, e un trio di rifugiati ebrei appare per ricevere abusi fisici a intervalli nel dramma, prima che la scena di trasformazione li racchiuda e li avvolga, insieme a Daphne stessa, in un bouquet di filo spinato che presumibilmente è un dovere per un campo di concentramento.

Non posso dire di trovare questa presa sul dramma convincente.

Questi aggiunte sono gesti piuttosto che una reinterpretazione completamente elaborata e integrata, e la scena finale contraddice le intenzioni del compositore e del librettista. La trasformazione è una rivendicazione e un ritorno a casa per Daphne, e trasformarla in un confinamento spinato con altre vittime non giova a nessuno. È vero che c'è molto da dire sulle affascinanti varietà di collaborazione e resistenza che Strauss attuò negli anni '30; ma questo è già stato ben trattato da Ronald Harwood nel suo dramma Collaborazione. Inoltre, queste preoccupazioni non si riversano in quest'opera particolare, dove il principale contrasto è tra l'innocenza e la purezza del mondo naturale e la corruzione generale della società più ampia. Se c'è una critica dell'epoca qui proposta, è molto più obliqua e parte del tentativo di Strauss di ritirarsi da una vita pubblica che osservava con crescente disgusto verso temi più intimi e senza tempo. Quello che potrebbe funzionare meglio in produzione sarebbe uno scenario ambientalista piuttosto che un ritorno alla Germania degli anni '30, che ormai è diventato un cliché operistico.

C'è un altro problema serio con questa produzione, ed è la mancanza di un'orchestra o almeno di un piccolo ensemble per arricchire le trame. Capisco che non è colpa di Opera at Home, ai quali è stato negato il permesso dall'Eredità Strauss di utilizzare altro se non un pianoforte. Detto ciò, nelle opere post-wagneriane di questo tipo le trame strumentali sono giocatori chiave nel dramma, non semplicemente un rassicurante supporto armonico. Nei tre o quattro momenti chiave di questo dramma, la vita è svanita dai climax che avrebbero dovuto essere splendidamente realizzati perché l'orchestra non c'era.

Questo non è una critica all'eccellente esecuzione di Marta Lopez, ma un riconoscimento che a differenza della maggior parte delle opere Grimeborn che quest'anno hanno utilizzato forze ridotte, una buona parte dell'essenza del pezzo è andata persa, non solo la decorazione. Strauss scrisse le sue partiture con un orecchio per un'intricatezza sonora progettata per ottenere effetti semplici. Rimuovendo il dettaglio accuratamente intessuto resta poco. Se rose rampicanti profumate e lussureggianti, linee interminabili intrecciate, vengono rimosse da un muro di giardino di un cottage, ciò che rimane è ancora solo un muro, per quanto bella possa essere la muratura.

Ci sono alcune interpretazioni eccellenti e altre in cui la sfida tecnica della scrittura impone tensioni udibili. Nei panni di Daphne, Viani ha recitato con grazia e serenità appropriate e possiede certamente il giusto peso di voce per questo tipo di ruolo da soprano. Anche la sua gestione degli scambi veloci in un libretto spesso ricco di parole è stata eccellente. Tuttavia, nelle lunghe linee in volo del suo inno alla natura, nella sua risposta ad Apollo e nella trasformazione finale, l'intonazione è risultata più insicura e il tono alquanto forzato.

I ruoli tenorili eroici di Strauss sono incredibilmente difficili, richiedendo peso vocale oltre al controllo di un'alta tessitura, a un grado che si verifica raramente in natura. Ciò detto, sia Upperton che Ntourntoufis sembravano sotto pressione vocale per considerevoli parti della serata, il che ha sottratto alla loro recitazione convincente e alla forte presenza fisica sul palco. Gower e Gawara hanno entrambi cantato in modo eccellente nei ruoli minori dei genitori di Daphne, pienamente all'altezza dei loro ruoli, e i ruoli minori dei pastori e delle cameriere sono stati più che capabilmente interpretati da giovani cantanti di cui sentiremo certamente parlare ancora. Jose Gandia, oltre a dirigere, ha anche impostato i tempi appropriati con il giusto tipo di flessibilità nelle scene principali dove ci sono diversi passaggi difficili nel punteggio.

Non tutto al Grimeborn può funzionare e sebbene l'impegno di tutte le persone coinvolte meriti riconoscimento, questa adattamento non può essere considerato completamente riuscito. Tuttavia, come un miglior test del suo valore, spero davvero che possano essere organizzate ulteriori esibizioni con un ensemble completo di archi, legni e ottoni. Se tutte le linee principali sono presenti, il nucleo di quest'opera delicata può ancora generare il giusto tipo di scintillio argenteo.

Un ultimo lamento: qualcuno all'Arcola può per favore riposizionare i sovratitoli proiettati in modo che tutto il pubblico possa vederli? È stato fatto negli anni precedenti – qual è il problema nel 2015?

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