RECENSIONE: Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp nel ruolo di Amneris e Peter Auty come Radamès. Foto: Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Stelle

La musica o il teatro scritti per occasioni speciali tendono a rimanere esattamente tali – occasionali. Adatti a quell'evento ma non possedendo sufficiente persistente o vita artistica indipendente per meritare ulteriori rappresentazioni. Ci sono eccezioni, però, e Aida di Verdi è una lezione notevole e ancora rilevante su come creare uno spettacolo emozionante, che allo stesso tempo possiede un dramma interiore privato di grande complessità capace di commuovere, non solo di impressionare. Ogni produzione di successo richiede che entrambi gli aspetti funzionino altrettanto bene e si alimentino a vicenda: mentre dal punto di vista musicale questo è stato il caso a Holland Park, i valori di produzione non sono stati sempre d'aiuto.

Quest'opera quasi non si realizzò. Alla fine degli anni 1860 Verdi era più concentrato sulla gestione della sua tenuta che sulla composizione, e ci volle una grande somma di denaro dal Chedivè d'Egitto per convincerlo a prendere l'incarico per l'inaugurazione del Cairo Opera House. Ma una volta impegnato usò la struttura del libretto di Ghislanzoni per incanalare alcune delle sue riflessioni più imponenti sui conflitti tra valori individuali e comunitari, la tirannia del clero e quel tema perenne in tutta la sua opera – padri e figlie. Sebbene l'opera sia famosa, se non famigerata, per il trionfalismo chiassoso dei cori nell'Atto II, quella reputazione è smentita dalla maggioranza della scrittura, che è di una delicatezza estrema sia nella linea vocale che nella tavolozza orchestrale. Questa combinazione diversificata è tanto più difficile da realizzare in un ambiente semi all'aperto, ma l'Opera di Holland Park ha ora grande esperienza nel massimizzare il proprio contesto, e la sfida di questi contrasti pratici è stata ben affrontata in questa produzione.

Gweneth-Ann Jeffers nel ruolo di Aida e Peter Auty come Radamès. Foto: Robert Workman Nonostante la sua fama e importanza nel canone, Aida non è eseguita molto spesso, certamente a Londra. Presumibilmente gran parte della spiegazione risiede nei costi coinvolti sia per il personale sia per i costi di costumi, scenografie e il connesso splendore faraonico. L'idea di una produzione non sfarzosa è semplicemente infattibile. Ma sembra anche che ci sia un certo grado di riserva e incertezza riguardo allo stile appropriato da adottare. L'orientalismo originale dovrebbe essere accantonato o abbracciato con decisione? Un intervento registico deciso è essenziale qui, e a tal proposito il regista Daniel Slater in certa misura evita il problema. Iniziamo in un'ambientazione moderna per poi passare gradualmente a una resa molto più tradizionale e diretta con la transizione tra le due mai resa drammaticamente esplicita. Anche se questo non diminuisce significativamente i tanti piaceri e le ricompense della serata, l'opera meritava e avrebbe beneficiato dal voto di fiducia di un chiaro impegno in una visione direttiva unica, di qualsiasi tipo e carattere, tradizionale o sovversiva.

La facciata giacobiana finta superstite di Holland House fornisce uno sfondo architettonico adeguatamente imponente per una piattaforma di scena abitata da tre enormi statue egiziane di dei su piedistalli – il designer Robert Innes Hopkins ci colloca in una galleria di museo, con un'opulenta reception in abito da sera in corso ospitata da Amneris (Heather Shipp) e suo padre, il Re (Keel Watson), e con Ramfis (Graeme Broadbent) come maestro di cerimonie. L'inevitabile bevanda rovesciata fornisce il pretesto per l'ingresso di Aida (Gweneth-Ann Jeffers) nei panni della donna delle pulizie, e uno scambio di sguardi significativo tra lei e Radames (Peter Auty), osservato da Amneris, mette in moto la trama. Il tema della festa dei donatori del museo che va fuori controllo continua almeno fino alla fine dell'Atto Due mentre Radames è armato per il combattimento con un set storico di armatura, e il personale del museo emerge come i prigionieri etiopi. La scena del trionfo è abbellita da gioielli e tesori apparentemente saccheggiati altrove nella collezione del museo, e si sviluppa un'orgia alimentata da prevedibili polveri bianche e piogge di banconote. Le cose si calmano quando arriviamo alla ‘Scena del Nilo’, giudizio finale e sepoltura. Qui la produzione finalmente si fa da parte e permette agli scontri tra Aida e suo padre, e Radames e Amneris di avere tutto il loro peso emotivo e libertà drammatica prima di un toccante ricongiungimento finale tra Radames e Aida. Non si poteva evitare di pensare, però, che ci fosse un'opportunità persa nel non dare maggiore rilievo al distacco di Verdi per il clero che alla fine governa l'Egitto. L’anticlericalismo e la necessità di chiara separazione tra chiesa e stato è un tema dominante dell’Atto Quattro e in effetti della vita artistica di Verdi nel suo complesso. Mentre Heather Shipp nel ruolo di Amneris ha trasmesso con forza il messaggio sul palco, è un peccato che la produzione non abbia riferito questo tema principale in maniera più chiara.

Graeme Broadbent come Ramfis e Keel Watson come Il Re. Foto: Robert Workman

Fra tutti questi messaggi misti i valori musicali della performance sono stati comunque trasmessi molto bene. La City of London Sinfonia sotto la direzione del maestro Manlio Benzi ha avuto una serata molto buona. Gli ottoni hanno molto lavoro da fare sia sul palco che fuori, siano essi trionfanti o oscuramente minacciosi, e tutti questi ostacoli sono stati elegantemente superati. Altrove c'era tutto il mordente e il vigore che si poteva chiedere nei momenti cerimoniali, e molti delicati assoli e interludi in stile cameristico per bilanciarli. Benzi è stato molto sensibile alle esigenze dei suoi cantanti nell'impostare il ritmo dell'accompagnamento, anche se alcuni dei cori sono stati presi a una velocità vertiginosa che sembrava spingere tutti un po' più duramente di quanto la partitura richieda. Nel ruolo del titolo Jeffers è stata estremamente impressionante vocalmente, con linee fini e delicate nelle scene intime e la capacità di sovrastare gli altri cantanti e l'orchestra quando richiesto. La sua personalità drammatica era piuttosto contenuta all'inizio ma si è affermata negli ultimi due atti, e specialmente nello splendido duetto appassionato con suo padre, il re etiope Amonasro (Jonathan Veira), che ha dato valore a ogni nota nel suo ruolo relativamente piccolo. Peter Auty è stato indisposto la sera e ha solo interpretato il ruolo di Radames, con un cantante sostituto nel golfo mistico. Questo è stato meno dannoso per la credibilità drammatica di quanto ci si potesse aspettare, data la qualità del sostituto e la plausibilità impegnata della recitazione di Auty. In qualche modo il personaggio più interessante nell'opera è Amneris che vive i dilemmi più impegnativi e la cui vita interiore intravediamo più acutamente rispetto agli altri ruoli principali. Lei è l'incarnazione del conflitto tra preferenza individuale e dovere verso lo stato, e alla fine portavoce di ciò che Verdi vuole che noi del pubblico sentiamo e pensiamo. Dopo un inizio un po’ lento Heather Shipp ha fatto emergere con forza queste dimensioni nel suo forte personaggio scenico e nel suo tono eroico eppure lamentoso. Keel Watson e Graeme Broadbent hanno agito come potenti contrappunti di basso per lei e hanno dato interpretazioni forti e caratterizzate come faraone e alto sacerdote. In un'opera che dipende più del solito da un forte contributo corale, il Coro dell'Opera di Holland Park, più di trenta voci, ha fatto un lavoro encomiabile non solo vocalmente ma anche nella coreografia e nel movimento scenico inventivo e flessibile per il quale la direttrice del movimento Maxine Braham dovrebbe ricevere il giusto credito.

Questa è un’opera grandissima che può accogliere molte interpretazioni diverse. Tuttavia, non c’è spazio per compromessi. In definitiva, deve essere eseguita in maniera diretta e con assoluta convinzione che i temi che tratta sono importanti per la nostra cultura ora quanto lo erano per Verdi negli anni 1860. Oppure, se l’ambientazione tradizionale è ritenuta sollevare troppe domande inquietanti o è al di là del budget per essere realizzata, allora è necessario uno scenario alternativo completamente pensato. Nonostante le sue eccezionali virtù musicali, visive e dinamiche, questa produzione non prende mai del tutto la decisione finale, e se c’è un principio che questa storia inevitabilmente rappresenta allora è la necessità di prendere una posizione e mantenerla fino alla fine amara.

Per ulteriori informazioni su Opera Holland Park visita il loro sito web.