RECENSIONE: Abisso, Teatro Arcola ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 Stelle

Molti anni fa ho visitato Berlino poco dopo la caduta del muro. Ho sempre avuto un interesse per le case e i luoghi di lavoro di scrittori e compositori, quindi dopo aver esaurito le evidenti attrazioni principali decisi di visitare il Museo Brecht-Weigel, dove la coppia teatrale di potere della DDR trascorse i suoi ultimi anni. Era un periodo deprimente per andare: i finanziamenti per il museo e il Berliner Ensemble stesso erano in dubbio, e il fedele curatore non veniva pagato da mesi. Eppure la casa stessa parlava ancora eloquentemente delle contraddizioni del suo famoso proprietario. Le opere e i saggi che avevano cercato di sconcertare il pubblico inducendolo a riflettere nuovamente sul ruolo sociale del teatro e a bandire la stanca dipendenza dalla mera narrativa e dallo sviluppo testuale del personaggio - tutto ciò era certamente visibile. Ma quando sei entrato nella piccola austera camera da letto di Brecht, lì, con mio stupore, sopra il letto singolo stretto, c'era un'intera lunga fila di romanzi tascabili ben usati, western e romanzi polizieschi, conservati come una scorta segreta di bonbon, come un omaggio fuori servizio alla preminenza della trama. Questa esperienza è riaffiorata nella mia mente durante la recente rappresentazione di ABYSS all'Arcola, Studio 2, dove la questione del ruolo della narrativa rispetto all'emozione astratta è molto in primo piano. Questo spettacolo ha iniziato la sua vita alcuni anni fa al Deutsches Theater di Berlino come Brandung. È ancora in scena lì, ma nel frattempo si è trasferito a Toronto con alcune revisioni, e da lì ora a Londra. Ha acquisito alcuni riempimenti narrativi extra lungo il percorso, ma è ancora essenzialmente un pezzo di teatro regisseur dove l'attenzione è più nel trasmettere gli stati emotivi dei performer attraverso il movimento, il suono e il testo, tanto se non più che attraverso il testo, che è in ogni caso più incantatorio che espositivo. La domanda chiave è quindi quanto successo abbia lo spettacolo in questi termini: questa auto-limitazione è abilitante e rivelatrice, o restrittiva e impoverente? La risposta, come spesso accade, non è netta.

Lo spazio rettangolare dello Studio 2 è allestito in modo semplice, con tre file di sedili, una parete di lampadine sospese di fronte a noi, e un grande tavolo nel mezzo dello spazio. Due barre trapezoidali sono su entrambi i lati sospese dal soffitto. Il tavolo è sotto molti aspetti il centro dell'azione, usato in modo flessibile per scene di conflitto e riconciliazione, e come luogo di rifugio e sacrificio stilizzato. C'è un grande numero di movimenti incredibilmente elaborati che esplorano tutte le dimensioni dello spazio che producono tableaux di drammatica potenza e concentrazione poetica che sarebbero tali se stessimo semplicemente assistendo a un'installazione artistica piuttosto che a uno spettacolo. Le lampadine sul muro posteriore pulsano e si attenuano in diverse combinazioni come un muto commentario e intensificazione o musica d'atmosfera per l'azione. Grande merito va al direttore del movimento, Anna Morrissey, e al designer delle luci, Ziggy Jacobs, in questi aspetti.

Ci sono tre attori e quattro personaggi, alcuni di loro più alla ricerca di un autore rispetto ad altri. La figura del narratore, che è senza nome, (Nicola Kavanagh) condivide un appartamento in una città tedesca senza nome con sua sorella, Sofia, (Jennifer English) e un uomo di origine serbo-croata, Vlado, (Iain Batchelor). Batchelor interpreta anche Jan, il nuovo fidanzato del narratore. Assente per tutto il tempo è Karla, l'ultimo membro di questo flat-share, e fidanzata di Vlado. La sua partenza è il punto in cui l'azione inizia. È uscita per fare provviste e non è mai tornata. L'azione è punteggiata da un conteggio dei giorni dalla sua partenza espresso in tedesco. Il narratore ci guida attraverso una sequenza di reazioni alla scomparsa di un caro amico - incredulità, tentativi di convincere la polizia a prendere sul serio il caso e infine (quando non lo fanno) tentativi di tutti gli amici di aumentare la consapevolezza nei media sociali e stampati e di cercare la persona scomparsa da soli. Questi aspetti più tradizionali sono punteggiati da Sofia che descrive l'uccisione, la preparazione, la cottura e il servizio di un coniglio che serve come commentario simbolico sugli eventi che sono insinuati ma mai completamente presentati a noi. L'atmosfera e il tono si oscurano ulteriormente nella seconda parte della serata mentre l'attenzione degli attori si sposta dagli elementi esterni verso il mondo della memoria e della responsabilità personale mentre ricordano i tempi e gli eventi più sereni e felici passati in compagnia di Karla. Quanto sono affidabili i resoconti che stiamo ricevendo, e chi, se qualcuno, dovrebbe ricevere la nostra fiducia? Le risposte finali sono in gran parte lasciate a noi per determinarle.

Tutti gli attori colgono le opportunità loro date con passione e grazia: English fornisce un commentario corico arrabbiato sull'azione, pieno per la maggior parte del tempo di uno sprezzante disprezzo per le circostanze impossibili in cui si trovano; mentre Kavanagh, che ha più testo con cui giocare, trasmette abilmente la successione di stati d'animo che una scomparsa inspiegabile provoca - incredulità, rabbia per non essere preso sul serio, disperazione e disperazione, e senso di colpa del sopravvissuto. Come Vlado, Batchelor scava ancora più in profondità con un ritratto di una figura inquietante e inquietante, chiaramente danneggiato dalla sua educazione conflittuale in Jugoslavia, e che sperimenta la frammentazione della personalità associata a qualcuno che incontra razzismo e disprezzo quotidiano oltre alla perdita di un'identità centrale primaria. Ha molto meno con cui lavorare nella sua rappresentazione di Jan, e mentre le performance sono distinte con successo l'una dall'altra, se il drammaperse davvero questo personaggio, guadagnerebbe in fatto di focus e slancio complessivo.

Il rifiuto deliberato di risposte narrative fino vicino alla fine del dramma è quindi sia la sfida che l'opportunità offerta da autore e regista. Nel complesso le ricompense superano le frustrazioni. Gli interpreti offrono un potente eloquio poetico che costringe l'attenzione e ci lascia molto spazio come membri del pubblico entro il quale riflettere sui grandi temi posti da questo spettacolo - come si costruisce e si distrugge la fiducia e come si ricostruisce? Cosa possiamo sapere in una crisi anche di coloro con cui abbiamo vissuto a lungo nelle avversità? Come possono i testimoni degli stessi eventi produrre ricordi così diversi con apparente sincerità? Soprattutto, in tempi di avversità, quali parti dei nostri stessi caratteri verranno alla ribalta... le più temprate e coraggiose, o le più abiette e codarde?

Ma alla fine la tensione tra il conteggio giornaliero del passare del tempo e l'evitamento della direzione narrativa è troppo da sostenere e nelle sezioni finali ritorniamo con un certo sollievo a una tecnica espositiva più prevedibile. Inoltre, le performance degli attori si rilassano notevolmente una volta che il formalismo astratto, staccato e quasi ieratico lascia spazio a una presentazione più naturalistica. La varietà di tono e forma non è nemica del pensiero dopotutto. Abbiamo bisogno anche dei nostri romanzi gialli e western. Il mio unico grande rimprovero è che l'intervallo è del tutto superfluo: lo spettacolo sarebbe molto meglio con una sequenza continua. Ma non lasciate che questo vi scoraggi: è una serata affascinante di grande abilità e serietà, una di quelle in cui ciò che ne ricaverete è proporzionato a ciò che siete disposti a investire......

Abyss sarà in scena all'Arcola Theatre fino al 25 aprile 2015