El éxito de 1984 de Headlong y su contribución al futuro del teatro

Se anunció esta semana que, debido a la demanda sin precedentes, la producción de 1984 de Headlong extiende su temporada en el Playhouse Theatre hasta el 23 de agosto, antes de su segunda gira por el Reino Unido. La obra en sí misma nos recuerda los peligros de seguir ciegamente. Por lo tanto, la popularidad de esta obra anti-populista es un indicador particularmente pertinente de algunos cambios significativos en el teatro.

1984 de Robert Icke y Duncan Macmillian es más angustiante, inquietante y estimulante que disfrutable. Un poco como pasar 1 hora y 41 minutos en un refrigerador: frío y brillante, 1984 es brillante si te gusta tu teatro sin emociones y servido sobre hielo.

Esto es innovación así como imitación; fiel a la novela y audaz en su interpretación. Los escritores-directores abrazan el apéndice de la novela, usándolo como un dispositivo de encuadre. La obra da voz al comentario que acompaña al libro, comenzando en el territorio aparentemente familiar de un grupo de discusión donde uno tiene el lujo de leer, comentar y disfrutar de la literatura, aunque los teléfonos móviles causen un flujo continuo de interrupciones e irritaciones. Esto crea la percepción de un presente reconocible. Te sientes cómodo con el contexto y piensas que sabes dónde estás, pero esto se disuelve rápidamente dejando que la desorientación tome el control. Durante el resto de la pieza, una emulsificación de nuestro pasado, presente y futuro hace que 1984 sea atemporal y sin lugar definido. 1,9,8 y 4 se convierten en dígitos sin sentido, ya que aquí 2+2 iguala 5 (o lo que diga el Gran Hermano). Representando todos los lugares y todos los tiempos, la encarnación de la distopía de Orwell por parte de Headlong ("Una visión del futuro, sin importar cuándo se lea") es un reflejo demasiado preciso de toda la humanidad para observar en comodidad.

Sam Crane interpreta a un sensible y apacible Winston Smith, obligado a escribir sobre su difícil situación en un intento inútil de aferrarse a lo que queda de la verdad. Su trabajo de borrar registros, imágenes y personas de la base de datos del Gran Hermano en el Ministerio de la Verdad recuerda a la quema nazi de libros en Berlín en 1933. Borrar cualquier cosa que amenace o cuestione la autoridad deja a Winston finalmente sin miedo a luchar. En un mundo sin chocolate, orgasmos o libre pensamiento, donde la ignorancia es fuerza, donde el principio del Neohabla se asegura de que las palabras 'innecesarias' sean borradas, ¿qué tiene que perder? Estos pensamientos heréticos, junto con la creencia en la existencia de la Hermandad, ponen a Winston en grave peligro.

Es (quizás intencionalmente) difícil conectar con, o sentir por, cualquiera de los personajes de la obra. Winston es el Hombre Común y aquellos que existen junto a él representan efectivamente a la humanidad. Encuentra la tranquilidad de tener algo de cordura y terreno común con Julia, interpretada por Haran Yannas, pero su rápido salto al amor y la precipitada reciprocidad de él, a pesar de que ella solo está "libre de la cintura para abajo," son difíciles de creer. Esto socava la vergüenza de la traición que se vuelve central después e impide que el público sienta algo más allá de la desesperación ante el estado sombrío de toda la condición humana. Gracias chicos.

El diseño del set, iluminación y sonido por Chloe Lamford, Natasha Chivers y Tom Gibbons transforma un estudio estoico y gris en el clínico y austero Ministerio del Amor en segundos. El emocionante asalto a los sentidos - visceral, nauseabundo - comienza el proceso de implicar al público, consumiéndonos, atrayéndonos. Las reverberaciones de esta realidad escénica son ineludibles para que todos podamos experimentar la vida bajo el régimen del Gran Hermano. Nos mantienen a distancia de cualquier amor, esperanza o felicidad, todo reproducido a través de un enlace de vídeo en vivo. El público puede ver una experiencia seleccionada de estas escenas a través de una telepantalla. Este desapego añade más a la evocación del 1984 congelado, controlado y racional y suena alarmantemente verdadero para la cultura de las pantallas y la vigilancia (para nuestra 'seguridad') a la que hace mucho tiempo nos hemos acostumbrado. Tenemos un primer plano y una función de zoom, pero de alguna manera estamos más alejados de la realidad.

Headlong corre el riesgo de comerse a sí mismo: al borde de ser un poco demasiado consciente de su propia inteligencia, pero es imposible no apreciar la astucia aquí. La satisfacción llega en sacudidas cuando finalmente piensas que sabes dónde estás, aunque solo sea por una o dos escenas. Pero Icke y Macmillian siempre están en control, manipulando de principio a fin: este, su juego estratégico de ajedrez y nosotros, una audiencia de peones. No hay nada peor que la forma en que te hacen sentir cuando la acción se vuelve hacia fuera y todo el auditorio se vuelve cómplice en el trabajo del Gran Hermano - cada uno tan culpable como el otro. Al igual que en La naranja mecánica de Anthony Burgess, aquellos que controlan y adoctrinan son tan peligrosos como aquellos que cometen crímenes. ¿Se nos está instando a levantarnos y actuar? ¿Se supone que hemos podido salvar a Winston de lo que parecía un destino tan inevitable?

En conjunto, escribir sobre 1984 es inútil. Tengo la suerte de tener la libertad del lenguaje y estar libre de la policía del pensamiento, pero para honrar el mensaje de la obra, no te fíes de mi palabra. Experiméntalo tú mismo y forma tu propia opinión. Al fin y al cabo, yo no puedo decirte qué pensar. Todo lo que sé es que es probable que necesites un 'gin de la victoria' después.

Cuando el teatro como este llega al corriente principal, el potencial de la forma se cumple; tiene el poder de cambiar mentes y desafiar políticas. Headlong, sabiendo que "una idea es lo único que alguna vez cambió el mundo," ha aprovechado esto y está valientemente liderando el camino. Pero tal y como está, demasiado teatro recuerda al argumento de la obra y al régimen del Gran Hermano. Es lujosamente capitalista, con los ricos, las marcas y lo familiar teniendo las riendas. Para una industria supuestamente artística (arte no ciencia) hay muchas reglas, restricciones y lazos que impiden la genuina libertad de pensamiento y expresión.

Considera la última tendencia del teatro: el fenómeno de las transferencias al West End.

La adaptación de Headlong de la novela seminal de Orwell es excelente. No se puede negar el beneficio de esta transferencia y que más personas tengan la oportunidad de ver este espectáculo. Sin embargo, algo sobre la cobertura de prensa que celebra esta transferencia al West End como el todo y fin para 1984 contradice el mensaje de la obra. ¿Son los lugares y audiencias de Londres de mayor importancia para Headlong que sus (a menudo más grandes) giras? De particular irritación fue el comentario en el Evening Standard de que esta pieza "merecía transferirse al West End." ¿Qué significa eso incluso? No es que esté en desacuerdo, pero ¿qué tan cierto es que algo pueda merecer un lugar en un foro que inevitablemente prioriza el beneficio comercial? Rara vez (nunca) las decisiones de producir una obra para el West End se basan únicamente en el mérito artístico y la calidad. Al afirmar que algunas producciones "merecen transferirse" se sugiere que también tienes el poder de decidir qué no merece.

¿Todavía somos lo suficientemente ingenuos como para pensar que el West End es donde reside el mejor trabajo de este país? ¿De verdad? El West End no es, y nunca ha sido la meritocracia que comúnmente se cree que es. Para estar en el West End, un teatro necesita ser miembro de SOLT donde los requisitos principales son una cuota de membresía y una promesa de producir trabajo comercial. Esto no es necesariamente el mejor trabajo. Si continuamos felicitando trabajos por estar en un teatro del West End, finalmente desalentaremos a escritores y directores de desarrollar cualquier cosa que no sea comercial y menospreciaremos lo experimental, lo íntimo, lo exclusivo, lo desafiante.

El teatro es caro, por lo que comprar boletos implica correr un riesgo. Es natural, por lo tanto, que elijamos ver lo que es familiar. Podrías argumentar que 1984, a pesar de ser poco convencional en forma, estaba destinado al éxito comercial debido a su título de marca. Aún así, cada vez más teatro está emergiendo desde abajo, saliendo de la escena fringe, de un desarrollo intenso, ganando impulso, mientras que espectáculos con enorme valor comercial y respaldo financiero están cayendo en el primer obstáculo. Lo que nos dice la continua popularidad de esta obra es que las audiencias están cometiendo uno o dos crímenes del pensamiento. Cada vez más exigentes y políticamente impulsadas, las audiencias están empezando a demandar más que entretenimiento. Basta con mirar el éxito de The Book of Mormon y la inminente transferencia de The Scottsboro Boys, por ejemplo.

No hay una ecuación, nada que diga qué será un éxito y qué será un fracaso. Producir es tomar riesgos calculados y, como con cualquier apuesta, hay muchas, muchas variables. ¿Crees que el National sabía que War Horse iba a explotar? Nick Hytner, en la noche de prensa, predijo que haría una pérdida de un millón de libras. En última instancia, el arte siempre será arte. Todo lo que podemos hacer es seguir celebrando la innovación y apoyar ideas, desarrollos, tradición y humanidad, estar abiertos al cambio y abrazar tanto y tan gran una gama como sea posible. Y si alguna vez el teatro fuera una industria meritocrática entonces, por Dios, sería una fuerza poderosa digna de tener en cuenta - una fuerza digna de Winston y su rebelión inútil contra el Gran Hermano - pero por desgracia, aún no estamos allí.

PD: ¿Es siempre buena una transferencia? Si, como yo, prefieres ser pobre y brillante que rico y un poco cutre, entonces podrías considerar tu lugar original más apropiado para tu pieza específica, ¿no? Para ser continuado...

Lee nuestra reseña de 1984