RESEÑA: Versalles, Donmar Warehouse ✭✭✭✭

Versalles

Donmar Warehouse

6 de marzo de 2013

4 estrellas

Si a George Bernard Shaw le hubiese dado por escribir una obra sobre las maniobras en torno a la firma del Tratado de Versalles y el efecto devastador que la Primera Guerra Mundial tuvo en Inglaterra, podría haber sido —de no ser por un detalle— muy parecida a la fascinante y absorbente obra de Peter Gill, Versailles, actualmente en cartel en el Donmar en una producción dirigida con exquisitez por el propio Gill.

La obra de Gill resulta intrigante y reflexiva, una especie de drama de la memoria, pero también una historia de amor y un relato de lucha de clases. En algunos pasajes es bastante didáctica y, a ratos, parece demasiado consciente de sí misma, en el sentido de que los propios acontecimientos de los últimos 100 años son anticipados o ponderados por personajes de 1919.

Pero, en realidad, ese es justamente el quid. Gill no solo se fija en el instante histórico, sino que además utiliza el artificio teatral para examinar ideas sobre la aceptación, la tolerancia, el rechazo y la capacidad de prever. Pasado, presente y futuro quedan entrelazados en esta obra magistral, iluminándose mutuamente. Puede que la historia se repita, pero el futuro también.

Los historiadores te dirán que John Maynard Keynes dimitió por las decisiones tomadas en París en 1919, concebidas para castigar a Alemania y mantenerla debilitada, incapaz de causar problemas. Keynes pensaba que el castigo era demasiado severo, que la carnicería económica de Alemania en nombre de la paz conduciría a nuevos conflictos.

Que hubo nuevos conflictos, eso lo sabemos. Si el Tratado de Versalles y sus términos contribuyeron a provocarlos es un asunto sobre el que el debate sigue encendido.

La obra de Gill se articula en tres actos. El primero transcurre en Kent, en la casa familiar de los Rawlinson. El hijo mayor, Leonard, está a punto de marcharse a París: es funcionario y trabaja en los acuerdos para gestionar los recursos de carbón de Alemania. A su hermana le pide matrimonio el joven Hugh, que ha estado en la guerra y espera ser licenciado. Sus amigos, los Chater, están de luto: han perdido a su hijo Gerald, un soldado muerto en el Frente.

El Acto Dos traslada la acción a París, donde Leonard intenta convencer a sus superiores de que las sanciones contra Alemania son demasiado duras. No lo consigue.

En el Acto Tres, Leonard regresa a Kent tras dimitir de la función pública. Está furioso y frustrado, y arremete contra su familia y amigos tories conservadores. Su hermana rechaza la propuesta de Hugh. Tras unas copas de más, toda la familia ampliada discute sobre qué es importante en la vida, qué valores merece la pena tener y defender. El padre de Gerald pierde la compostura, derrumbándose por la pérdida de su hijo. Acepta que su hijo se ha ido para siempre… y esa aceptación tiene consecuencias para todos los demás.

Así, el primer acto trata de la esperanza y el futuro; el segundo, de la practicidad y el presente; el tercero, de las consecuencias, el pasado y el futuro. La escena final de la obra muestra un episodio anterior al comienzo del primer acto: el momento en que Gerald partió a la guerra.

Porque Gerald y Leonard eran amantes secretos, aunque Leonard rompió la relación antes de que Gerald se fuera a la guerra, y de hecho eso podría explicar por qué Gerald sí se alistó. Para escapar. Para morir. Para Leonard, la decisión de no besar a Gerald como despedida aquel día lo perseguiría; y a lo largo de los tres actos hay escenas en las que el fantasma de Gerald visita a Leonard para ponerlo a prueba, debatir con él, compartir su vida.

Porque Leonard no logra dejarlo ir y lamenta su decisión de no intentar que su relación funcionara pese a sus dificultades (Gerald era promiscuo), del mismo modo que Leonard no renuncia a su convicción de que las sanciones del carbón contra Alemania eran opresivas y de que el Tratado podría haber sido mejor, más justo, menos caprichoso. Igual que Leonard no miró hacia delante para imaginar una vida con Gerald pese a sus defectos, así los Aliados no supieron mirar hacia delante para considerar cómo afrontaría Alemania su castigo y cómo reaccionaría ante él.

Hugh es un tanto anodino: un chico despistado y bonachón que solo quiere casarse con Mabel, y se marcha tan contento a la guerra a cumplir con su deber y, quizá, a convencer a Mabel de que merece su mano. Por desgracia, a ella no le interesa, pero la presión de su madre para hacer lo correcto y la sensación de que sería injusto rechazar la propuesta durante la guerra y en su inmediata resaca la llevan a callar. Hugh queda, comprensiblemente, destrozado: después de soportar un conflicto horroroso, vuelve para negociar una unión y, tras meses de espera, se ve hundido, con el futuro irremediablemente alterado. Busca refugio en un antiguo compañero de colegio que se recupera lentamente de la guerra, otro que sufrió el estallido de un obús.

Así que, en muchos sentidos, Hugh representa a Alemania en las negociaciones del Tratado, y los Rawlinson y los Chater representan a los Aliados: todos seguros de sus posiciones, pero inconscientes —o indiferentes— a sus consecuencias.

Gill consigue todo esto y, aun así, te hace pensar que la obra es una mirada amable y ligeramente cómica a un drama familiar. Es hábil, ingeniosa y francamente brillante.

Y el reparto está a la altura.

Josh O'Connor está soberbio como Hugh, construyendo un personaje completo y absolutamente cautivador a partir de muy poco. Transmite a la perfección la sensación de estar totalmente deshecho por Mabel, sin histrionismos ni esfuerzo. Es una interpretación estelar.

Gwilym Lee hace que Leonard palpite de inteligencia, encanto y, finalmente, rabia. Está excelente de principio a fin, pero sus escenas con el fantasma de Gerald —interpretado por Tom Hughes— son realmente divinas, llenas de matices, tristeza y amor. Su escena final, la despedida incómoda antes de la partida de Gerald a la guerra, resulta increíblemente real, dolorosamente conmovedora. Hughes está perfecto: viril, enérgico, desenfadado y más vivo muerto que algunos otros personajes en vida.

Francesca Annis y Barbara Flynn están magníficas como las dos madres. La madre de Flynn, tensa, obsesionada, de luto pero sin mostrarlo, es especialmente maravillosa; su desprecio sin máscara hacia Leonard cuando anuncia su dimisión de la función pública está tratado con sutileza. La Edith de Annis se aferra desesperadamente al pasado, a un lugar que cree conocer.

Christopher Godwin brilla como el padre de Gerald, y el momento en que se derrumba y llora por su hijo perdido es devastador, representando —como lo hace— el lamento por el pasado. Flynn tiene un momento similar, pero su angustia es por el futuro. La pérdida de su hijo, posible o real, resulta devastadora para ambos… pero por motivos distintos. Miedo y arrepentimiento. Solo cabe preguntarse el dolor que cualquiera de los dos habría sentido de haber sabido del amor de su hijo por Leonard.

No hay eslabones débiles en el elenco, pero el funcionario Henry de Edward Skillingback y la Constance de pensamiento independiente de Helen Bradbury están especialmente bien.

El diseño de Richard Hudson es una delicia, y el sentido de época está deliciosamente calibrado. La familia Rawlinson atraviesa apuros económicos y eso se percibe en los muebles, las tapicerías y el vestuario, ligeramente desvaídos. El escenario está vivo con esa sensación de aferrarse al pasado.

La iluminación de Paul Pyant es excelente, suponiendo, claro, que el uso de sombras sobre lo que sucede sea tan deliberado como parece. Las sombras infunden la acción con una sensación de memoria, de cosas ocultas, de luz perdida para siempre. El efecto, sea consciente o no, es parte integral de la obra.

Gill utiliza la música y la danza como motivo a lo largo de la obra, uno muy efectivo que contribuye a esa sensación de memoria y nostalgia que ofrece una zona de confort para esta obra tan incómoda. Las imágenes giratorias del reparto bailando —o al menos desplazándose con gracia— por el escenario y a su alrededor crean una clara sensación del vórtice de la historia y de cómo hechos, esperanzas y engaños se entrelazan para crear la realidad.

Esta es la clase de obra por la que el Donmar es famoso. Un clásico instantáneo.