RESEÑA: Nuestra Ciudad, Teatro Almeida ✭✭✭✭✭

Foto: Marc Brenner Nuestra Ciudad Teatro Almeida 21 de octubre de 2014 5 Estrellas

Thornton Wilder ganó tres Premios Pulitzer. El premio que recibió en 1938 fue por Nuestra Ciudad, que se estrenó en Broadway ese mismo año. Qué inusual, desafiante, quizás incluso perturbadora, debió haber sido esa primera producción para los espectadores - sin escenografía, utilería mínima, mímica de actividades cotidianas, un narrador que hablaba directamente con ellos, rompiendo la Cuarta Pared, vislumbres de hilos narrativos y pequeños viñetas delineando personajes particulares. Debió haber sido embriagador, intrigante, inspirador. Fresco.

Realizado con estilo y destreza, Nuestra Ciudad aún puede ser todo eso y más. Como lo establece sin esfuerzo la magistral resurrección de la obra de David Cromer, ahora en el Teatro Almeida después de temporadas exitosas alrededor del mundo.

Cromer es un genio. Todo aquí - absolutamente todo - funciona. Perfectamente. Sublimemente. De todo corazón. No hay nada de lo que quejarse o discutir.

Al menos, eso es, si no eres elegible para ser elegido Presidente de los Estados Unidos de América. Porque, como lo sugiere el programa, dado el logo/ícono de esta producción, Cromer busca hacer la obra de Thornton más universal al requerir que los actores usen acentos familiares del Reino Unido. Esto es, quizás, controvertido, ya que Wilder es considerado tan americano como el pastel de arándanos y, en verdad, el guion presenta ritmos y palabras o frases específicas que empapan el diálogo en New Hampshire, donde la ciudad en el centro de la acción, Grover's Corners, está ubicada. Así que uno puede ver por qué los estadounidenses podrían sentirse propietarios sobre los acentos utilizados en una producción de esta gran obra “americana”.

Pero, lejos de disminuir el poder y el efecto del trabajo de Wilder, la decisión de Cromer sobre los acentos da verdaderos dividendos. Las claras divisiones de clase, a menudo perdidas para los oídos no estadounidenses, son maravillosamente claras cuando los acentos británicos están en juego. Además, la parte "Nuestra" del título de la obra adquiere un verdadero significado. Esta producción no trata sobre algún lugar encantador y anticuado en las tierras agrícolas de América - no, esta es una obra sobre nosotros, sobre nuestras ciudades, nuestra gente, nuestras vidas. Los acentos locales impulsan la universalidad de la obra.

Pero, en realidad, toda la visión de Cromer aquí hace eso. La escenografía de Stephen Dobay y el vestuario de Alison Siple se combinan para crear un paisaje ordinario, una paleta de reconocimiento y familiaridad. Dos secciones de la primera fila se convierten, casi, en las vallas de estacas o los pasajes del pueblo, lo que incomoda a algunos en el público sentados allí, pero refuerza la inclusividad del enfoque al texto. La iluminación de Heather Gilbert es simplemente mágica; el cambio gradual de luz evoca el paso del tiempo y la hora del día. Las lámparas en sí mismas - hechas para parecer luces de hogar ordinarias - añaden a la sensación de domesticidad, de intimidad. Y mantener las luces de la sala encendidas asegura que el público recuerde siempre mirar lo que está pasando conscientes de que pueden ser vistos, uno de los temas de Wilder sobre la manera en que se vive (o no) la vida.

Y, cuando llega en el Acto Tres, el espectacular truco de diseño es impresionante. Totalmente impresionante.

También es en este Acto donde se utilizan los acentos americanos en una escena de flashback, otra ingeniosa decisión de dirección, alineando la historia del pueblo con el Narrador mientras, simultáneamente, encuentra otra forma de reflejar la universalidad de los temas mientras recuerda al público donde se originó la obra.

La obra de Wilder es engañosamente simple en la superficie pero esa simplicidad es meramente un telón - los tesoros debajo son abundantes y fascinantes. Esta es una obra, esencialmente, sobre lo que es ser un ser humano y las cosas que los seres humanos hacen habitualmente, por presión de pares o padres o porque creen saber de qué trata la vida, para hacer menos de sus vidas. Es tan desafiante como encantadora.

Si se escribiera hoy, ganaría otro Premio Pulitzer. Sin duda. Es tan fresca, importante y urgente como lo fue en 1938. Cromer lo entiende completamente y asegura que el público también lo haga.

Además de las labores de dirección, Cromer interpreta al director de escena, el narrador de Wilder que se comunica con el público y, como ellos, observa las acciones de los ciudadanos. Adoptando un enfoque no condescendiente, ni de maestro escolar, Cromer es asombrosamente bueno, ya sea interpretando a uno de los pequeños personajes en la narrativa (el de la gaseosa, el oficiante de bodas como ejemplos) o proporcionando información al público o interactuando con el público, incitándolos a participar. Usa su acento americano nativo – y así enmarca la obra como un trabajo estadounidense, sin interferir en la universalidad de los temas y personajes. Es tan estilizado, tan inefablemente, perfectamente astuto, tan mercurial y empático. Es una actuación magnífica.

Pero no es de ninguna manera la única aquí. Cada persona que aparece está perfectamente seleccionada y agrega brillo y placer con su presencia. Cada persona. Incluso aquellos que no tienen líneas. No recuerdo un elenco ensamble más impecablemente escogido. Mi sombrero va para cada uno de ellos. Esta es actuación en conjunto en su máxima expresión. Cálida, acogedora, dolorosamente honesta, perfectamente familiar.

Hay algunos destacados que necesitan mención especial. Christopher Staines es magnífico como Simon Stimson, el maestro de coro alcohólico que es objeto de interminables chismes en el pueblo pero por quien nadie mueve un dedo para ayudar. Conmovedor e hilarante, el trabajo de Staines aquí es un puro deleite. Cualquiera que haya estado en un coro entenderá completamente la magistral manera en que Staines representa la angustia interminable del hombre enseñando las diversas partes al coro; es muy, muy divertido. Y contrapone, con brutalidad eléctrica, los momentos cuando Stimson está perdido en la fuga de su propia desesperación y cinismo.

La representación brutalmente honesta de Annette McLaughlin de la vacía chismosa del pueblo, la Sra. Soames, es especialmente divertida y alegre. El lechero confiable de Daniel Kendrick, Howie, y el respetado públicamente pero detestable en privado Dr. Gibbs de Rhashan Stone son deliciosos, perfectos manjares.

Anna Francolini da la interpretación de su vida como la Sra. Gibbs, la esposa del médico del pueblo que pasa su día asegurando que se satisfagan las necesidades de su familia pero que sueña sus propios sueños sabiendo que siempre estarán fuera de su alcance. Su sentido de ansiedad maternal está perfectamente juzgado al igual que la noción de una vida completamente desperdiciada con un esposo ingrato y pretencioso. Ella es realmente maravillosa en el Acto Tres; moderada, precisa, llena de matices. La muerte prematura de su personaje no impide la bellamente juzgada actuación de Francolini.

Toda la familia Webb está perfectamente delineada: Kate Dickie como la madre agotada; Laura Elsworthy como la inteligente, precoz estudiante (de la vida, como resulta ser), Emily; Arthur Byrne como el trágico Wally; y Richard Lumsden como el padre maravillosamente ordinario. Tienen una vitalidad como unidad familiar que es notable. Dos escenas son particularmente maravillosas: donde el Sr. Webb imparte sabiduría a su futuro yerno (divertido y profundo); y la ocasión del cumpleaños número 12 de Emily (cálido, emocionante y, en última instancia, devastador).

Sin embargo, la actuación de la noche proviene de David Walmsley como George Gibbs. No sé qué edad tiene Walmsley pero no es un adolescente, sin embargo, en el primer Acto convence completamente como uno, ese tipo de chico adolescente gruñón, perdido, con el que tantos padres están familiarizados. Cada segundo que está en el escenario, Walmsley está completamente comprometido, completamente persuasivo y completamente magnífico. En el Acto Dos, sus torpes interacciones con la Emily de Elsworthy son inolvidables - desde la aparentemente complicada tarea de llevar sus libros hasta el momento terriblemente incómodo cuando declara su amor por ella. Tierno, veraz y atemporal, Walmsley es excepcional en todos los aspectos. Su progreso de joven malhumorado a esposo y padre responsable es seguro y completamente real. Y su casi silenciosa, angustiante representación de angustia desgarradora en el Acto Tres corona este turno bastante shakesperiano.

Esta es una reactivación fenomenalmente efectiva y ambiciosa de una obra maestra. Restaura la fe en el poder y la magia del teatro y muestra, de una manera muy clara, cómo el elenco de actores que pueden actuar es la clave para un teatro exitoso. Hace que tu corazón y espíritu se alcen, aunque pueda que derrames algunas lágrimas en el camino. Poderoso. Absorbente. Inolvidable. Cálido. Una Nuestra Ciudad para nuestro tiempo.