RESEÑA: Titus Andronicus, Teatro Globe ✭✭✭✭

Flora Spencer-Longhurst y William Houston en Tito Andrónico en el Globe de Shakespeare, Londres. Fotografía: Tristram Kenton Tito Andrónico,

Teatro Globe

10 de julio de 2014

Tito Andrónico, uno de los primeros éxitos populares de Shakespeare, rara vez se representa hoy en día. La producción más reciente fue la de Michael Fentiman en el RSC a principios del año pasado sobre la cual, en parte, pensé:

“Esta es una obra curiosa, llena de venganza, asesinato, violación y traición - hace que el baño de sangre que termina Hamlet parezca un festival de alegría. Muchos personajes son desagradables en su mayoría, aunque esto ayuda a concentrarse y a empatizar con los que no lo son. Tiene todos los elementos de la alta tragedia y seguramente debería poder interpretarse como tal; igualmente, sin embargo, también podría ser interpretada como una rica comedia negra y absurda. Quizás más que nada, se beneficiaría de un tratamiento Grand Guignol... Fentiman busca tener ambos enfoques (Alta tragedia y comedia negra) con el resultado de que no hay coherencia en el diseño y ejecución general de la producción. Las mentes más sabias podrían atribuir esto, al menos en parte, al hecho de que es una de las obras de "colaboración" (es decir, no enteramente obra del Bardo) pero es más probable que un director más seguro e inteligente hubiera encontrado una manera de lograr una coherencia emocionante.”

No puedo decir que cada obra que ella dirige sea emocionante o coherente, pero la notable reposición de Lucy Bailey de su producción de 2006 (ambas en el Teatro Globe) lo es excepcionalmente.

El sencillo escenario negro de William Dudley, críptico bajo el negro velario que ha construido sobre el escenario y el público (para crear un efecto tipo Panteón; también hay un óculo) y complementado con rampas que llevan la acción al suelo del Globe donde pequeñas torres en carros son empujadas alrededor y a través del público. El diseño transforma el espacio, lo electrifica y lo hace lúdico simultáneamente. El miedo, las risas, el desconcierto y la molestia del público mientras son empujados y empapados en líquidos de varios niveles de viscosidad y vileza realzan la obra inmensamente.

A diferencia de muchas producciones en el Globe, todo en el diseño se ve mejorado por los vestuarios (que equilibran lo clásico con lo moderno de manera experta) y la maravillosa partitura proporcionada por Django Bates. El ambiente se establece fácilmente gracias a la coherencia visual y sonora, y cuando la sangre empieza a correr, sabes que Bailey ha optado, con razón, por la carta del Grand Guignol.

La forma de actuar me recordó a una mezcla de Yo, Claudio y Juego de Tronos; exagerado, pero empapado de sangre, traición, venganza, lujuria y honor, con personajes ricos interpretados a toda marcha, pero con una honestidad y coherencia que hacen de ellos personajes completos y comprensibles. Es hilarante y horroroso a ratos, pero hay una consistencia en el enfoque que da en el blanco. Bailey encuentra el momento en que cada personaje se rompe/cambia y lo usa como punto de transición entre honor y venganza, cordura y locura, lujuria y desesperación, y no siempre en ese orden.

Hay muchos momentos que son difíciles de ver, pero ese es el punto. El espantoso asesinato por empalamiento de la partera de Tamora es absolutamente horrible, igualado por el abrazo asfixiante de Tito a su hija brutalmente desfigurada. La automutilación de Tito está también magistralmente realizada, al igual que la degollación de ambos, Demetrio y Quirón. Y la famosa escena del pastel, donde a Tamora se le sirve un festín de los cuerpos desmenuzados de sus hijos, es verdaderamente espantosa y divertida.

El mayor logro de Bailey, sin embargo, es la claridad de la narración. El verso se entrega con nitidez, limpieza y gran intensidad de sentimiento cuando es necesario. Algunos de los pasajes son hermosos, algunos líricos, otros feroces, pero nunca hay duda de lo que está ocurriendo.

Hay también actuaciones sobresalientes. Matthew Needham es inspirado como Saturnino y lo interpreta como una especie de figura de Calígula, distante, absurda pero malevolente, cobarde y viciosa. Es intensamente divertido y casualmente violento; un placer escucharlo y verlo. Dyfan Dwyfor, repitiendo el papel que interpretó en Stratford Upon Avon, Lucio, es incluso mejor que allí. Un verdadero guerrero, un hijo y hermano leal, una persona sincera y veraz, el Lucio de Dwyfor es todo esto, en todos los sentidos. Como Emperador entrante y futuro, cada uno es glorioso.

Al principio, el Tito de William Houston es algo insondable, pero a medida que la obra avanza, el trabajo inicial cobra sentido completo. Este es un Tito que comienza leal y lleno de honra y deber. Mata al hijo mayor de Tamora no por despecho, sino porque eso es lo que se espera, se requiere de él y sin un Emperador que le ordene lo contrario, no está dispuesto a comprometer su deber. El error fatal que inicia el descenso similar al de Lear de este Tito hacia la desesperación y la locura no es la matanza del primogénito de su enemigo capturado, sino su decisión (una vez más impulsada por el honor) de seguir el curso tradicional y nombrar al sádico Saturnino como Emperador antes que al popular y sensato Basiano (un encantador Steffan Donnelly), a pesar de que Basiano ama a su única hija, Lavinia.

A pesar de los excesos de Saturnino, su demanda por la mano de Lavinia y luego su matrimonio con Tamora, Tito se mantiene firme en su deber, incluso hasta el punto de asesinar a uno de sus propios hijos para imponer el dominio de Saturnino. Y luego, después de que Lavinia es violada y sus manos amputadas, empieza a perder la cabeza, consumido por el dolor, el horror y la venganza. A través de todo esto, Houston está fenomenal, rugiendo y gritando cuando es necesario, feroz e imponente, pero también gentil, paternal y totalmente desolado. Su aparición con ojos desorbitados como el Chef es un momento notable; al igual que su asesinato paterno de Lavinia, balanceándola suavemente hacia la libertad que solo la muerte puede proporcionar.

En manos y voz de Houston, y con este elenco y la dirección de Bailey, Tito Andrónico se ve, suena y se siente como uno de los grandes papeles de Shakespeare, al nivel de Lear, Macbeth y Richards II y III. Revelador.

No todo es desolación y penumbra. David Shaw-Parker es verdaderamente hilarante como Baco, un borracho vibrante, frutal y bastante inesperado. Needham reaparece como un Vendedor de Aves robapantallas y muy divertido cuya muerte repentina y chocante es aún más atroz por la alegría que ha proporcionado.

Hay un excelente trabajo "típico noble romano" de Ian Gelder (Marcus, hermano de Tito) y Shaw-

Parker que hace doblete como el Tribuno, Emilio. Flora Spencer-Longhurst es bastante conmovedora como la víctima abusada de los hijos de Tamora; la escena donde deletrea los nombres de sus atacantes en la arena es genuinamente intensa y tensa.

Indira Varma realmente no logra transmitir la angustia de una madre afligida suplicando desesperadamente por la vida de su hijo, pero después de eso, cuando está en modo reina vengativa, es sorprendentemente efectiva. Sus escenas lujuriosas con su amante moro, Aarón, son maravillosamente excesivas y su sentido de duplicidad intenso. Maneja la digestión de su descendencia con deleite y repulsión. Su voz es quizás un poco delgada, realmente, pero lo cubre bastante bien.

Como Aarón, Obi Abili es excelente. Con una voz clara y hermosa llena de matices y matices, es un villano delicioso y malicioso. Su escena con su recién nacido (de Tamora) está perfectamente realizada y tiene una relación lasciva, mercurial y al estilo de Frankie Howerd con el público.

El resto de la compañía es genial: soldados, hijos, guerreros, asesinos todos. Nicholas Karimi y Samuel Edward-Cook se divierten mucho como los salvajes, estúpidos y viciosos hijos de Tamora. Bryonie Pritchard hace un excelente papel como la Enfermera y hace que su aterrador asesinato resuene con dolor y violación.

Terry King proporciona una lucha con espadas aguda e inteligente que es tanto brutal como creíble.

El público es transportado a otro tiempo, y siente, de maneras que no siempre surgen naturalmente al estar en el público del Globe, un verdadero sentido de asombro e involucramiento en la producción de la que forman parte y están viendo.

Es un material excelente y fácilmente la mejor producción dirigida por Bailey. No es de extrañar que haya tenido una temporada de regreso. Es una gran producción de un texto de Shakespeare que no es muy conocido, pero que si se representa así suficientemente a menudo, debería ser uno de los más populares.

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