RESEÑA: La doma de la bravía, New Wimbledon Studio ✭✭✭✭✭

La Fiereza de la Mujer

Estudio del Nuevo Wimbledon

27 de mayo de 2015

5 Estrellas

RESERVAR ENTRADAS Un desaliñado y bocazas indigente con una lata de cerveza estaba desplomado fuera de la entrada del Estudio del Nuevo Wimbledon cuando llegué para la Noche de Prensa de esta nueva producción de La Fiereza de la Mujer. No pensé más en él hasta que la misma persona apareció en el teatro antes de que subiera el telón, interactuando ruidosamente con el director de escena, derrumbando algunas sillas y causando molestias leves a los miembros del público. Y entonces lo entendí: la obra ya había comenzado y estábamos en medio no de un incidente policial, sino de una brillantemente improvisada versión de 'La Inducción', el dispositivo de encuadre para la obra dentro de otra obra que es esta temprana comedia shakespeariana. Como Christopher Sly, el borracho que debe ser entretenido, Christopher Neels nos ofreció la primera de muchas nuevas y perspicaces visiones sobre lo que se ha convertido en una 'obra problemática' en la tradición reciente de producción, en lugar de una de las obras más ligeras y alegres de los primeros trabajos de Shakespeare. Esta obra tiene un pasado turbio. Data de principios de la década de 1590, hay dos versiones, cuya relación entre sí y la contribución exacta de Shakespeare a cada una sigue siendo motivo de disputa académica. El texto es 'defectuoso' en el sentido literal ya que puede derivar de uno de los 'cuartos malos' derivados de copias provisionales y publicados antes del Primer Folio. Además, ha tenido una recepción crítica también defectuosa, no menos por George Bernard Shaw, quien lo describió como 'un insulto vil a la feminidad y masculinidad de principio a fin'. Y en años recientes ha sido criticado desde perspectivas feministas que consideran que la confrontación sostenida entre Petruchio y Katerina es imposible de representar plena y directamente sin ironía o dispositivos de encuadre. A mi entender, estos argumentos, junto con los paralelos sobre el antisemitismo en El Mercader de Venecia, pueden ser exagerados, y de alguna manera no alcanzan su objetivo. Deberíamos reconocer en primer lugar que el hecho de que Shakespeare haya hecho de la Fiereza una obra dentro de otra significa que él mismo ha colocado un dispositivo de encuadre alrededor de tomarla con seriedad literal, y en segundo lugar que son en última instancia las decisiones tomadas por el director y la compañía las que determinarán nuestras reacciones a este texto, ya que puede ser actuada irónicamente, como una farsa o históricamente (es decir, como una expresión de ideas de la Edad Moderna temprana sobre la jerarquía social y el hombre y la mujer postlapsarianos). Hay muchas opciones disponibles, y necesitamos suspender el juicio hasta el telón final. Arrows and Traps y el director Ross McGregor nos traen una versión con intercambio de género de la obra como parte de una intrigante temporada dedicada al tema del 'Amor en Tiempos de Guerra'. Basado en la fuerza de esta producción innovadora y animada, sus enfoques sobre Titus Andronicus y All’s Well That Ends Well serán imprescindibles para ver más adelante en el verano. Nos encontramos en un conjunto simple y flexible que funciona bien tanto para escenas de calle como de interiores, con poco tiempo perdido en cambios de escena. Es una larga noche en tiempo, pero no parece así en su ritmo, ya que los episodios pasan con loable rapidez y economía, permitiendo que los pocos discursos de reflexión y reposo tengan todo su peso. Con la excepción de los protagonistas, cada actor interpreta varios roles y aquí vemos el beneficio de trabajar con un núcleo regular que todos se conocen bien y están a gusto en el trabajo en conjunto flexible. Hay energía, inventiva y fluidez en el progreso de la acción y un fuerte sentido visual en el trabajo para crear tableaux efectivos. Esto significa que no importa que el presupuesto sea limitado: por ejemplo, el coro de cocineros y sirvientes tímidos durante la escena del banquete está tan cómicamente coreografiado que te olvidas de que hay mínimos accesorios en exhibición. Este es un Shakespeare donde los valores y el enfoque están en el lugar correcto, a saber, una re-interpretación forense del texto, con un ojo para cómo esa visión puede comunicarse mejor con ritmo y agudeza de entrega y continuos movimientos escénicos llamativos. También hay algunos encantadores interludios cantados que emergen naturalmente de la obra, en la mejor tradición del teatro musical, que sirven para encapsular el estado de ánimo en varios puntos de la acción. Entonces, ¿qué aprendemos del intercambio de géneros en la obra? ¿Qué añade a nuestro entendimiento? En primer lugar, los bordes se suavizan de alguna manera en las confrontaciones, que parecen de alguna manera más humorísticas y menos crueles. El intercambio de los pretendientes sigue siendo mordaz, por supuesto, con un excelente trabajo en particular de Jean Apps como Gremia; las madres fanfarronean y amenazan tan efectivamente como los padres lo harían - aquí se destaca una impresionante Vincentia que empuña su bolso (Bridget Mastrocola). Bianco (Samuel Morgan-Grahame) es reinterpretado como un niño mimado y consentido, y Trania, (Gemma Salter), haciéndose pasar por Lucentia (Remy Moyes) durante gran parte de la acción, brilla con inventiva cómica y ligera. Pero la obra se sostiene o cae en la interacción entre Petruchia (Elizabeth Appleby) y Cajetano (Alexander McMorran). Sentí que McMorran podría haber sido aún más difícil y poco razonable en su actuación de las primeras escenas - el viaje recorrido desde allí hasta su fino, digno y convincente interpretación del discurso final de 'sumisión' necesita ser largo, ya sea que uno lo considere una víctima o no. Pero la representación de Appleby de una Petruchia excéntrica y alegre fue una completa delicia cómica. Su continua negativa a involucrarse con el punto de vista y los deseos de Kajetano tenía algo del flujo genuino de Jennifer Saunders en pleno Ab Fab. Y luego, al habitar un mundo cómico alternativo durante gran parte de la obra, su reconocimiento final del amor fue aún más conmovedor - y ciertamente la primera vez que me afectó. Esto me lleva a mi segunda observación sobre el concepto invertido de la obra - que es que la agudeza y el brío competitivo de los intercambios está de alguna manera por encima del género, y necesita ser representado con una especie de precisión militar decidida en la ejecución de los cambios de humor para llevar al público junto con la broma y la acción en un sentido de anticipación ansiosa de lo que podría suceder a continuación. Supongo que es otra versión del comentario de Noel Coward de que la comedia es más graciosa cuando se juega con mortal seriedad……

El problema que siempre he tenido en el pasado con esta obra es la pura implacabilidad del proceso de 'domar', que en producciones anteriores que he visto simplemente resulta tedioso, en lugar de cruel, y mucho menos divertido. Por esa razón, me he sentido más atraído en años recientes más por los encantos geniales, urbanos y seductores de la versión de Cole Porter que por el original de Shakespeare. El mejor cumplido que puedo hacer a esta excelente producción es que me ha hecho pensar mucho más amablemente en la obra original y ha disipado muchas de mis inquietudes sobre el material. No te lo pierdas mientras puedas.

La Fiereza de la Mujer se presenta en el Estudio del Teatro del Nuevo Wimbledon hasta el 20 de junio de 2015.