RESEÑA: Los Rivales, Teatro Arcola ✭✭✭✭✭

Los Rivales

Teatro Arcola

16 de octubre de 2014

5 Estrellas

Revisor - Tim Hochstrasser

Las producciones de las dos grandes obras de Sheridan, Los Rivales y La Escuela del Escándalo, parecen menos frecuentes hoy en día, lo cual es una gran pena dado el maravilloso abanico de oportunidades que cada obra ofrece para el arte escénico de alta calidad de todo tipo para actores que cubren todo el espectro de edades, con roles de igual peso e ingenio para hombres y mujeres. Cuando todas las obras de Wilde, incluso las menores, reciben presentaciones regulares, es desconcertante que estas dos obras maestras, tan similares en sus desafíos estilizados, sean mucho menos visibles. Por lo tanto, es muy bienvenido tener la oportunidad de saludar a una nueva versión muy fina del primer gran éxito de Sheridan, que aún se representa durante unos días más en el Teatro Arcola, Dalston. Atrápala mientras aún puedas...

Los Rivales no es una obra perfecta. Fracasó cuando se representó por primera vez en 1775, e incluso después de cortes sustanciales y reescrituras, la segunda mitad puede hacerse pesada. Mucho del argumento se ha desentrañado en ese punto, y la atención del público puede divagar si el texto no se realiza con ritmo y una gran cantidad de movimiento escénico inventivo y negocio. Las producciones también pueden ser fácilmente demasiado cómodas, tratándola como un drama de vestuario que provee un vehículo estrella para los actores que interpretan a la Señora Malaprop, Sir Anthony Absolute, y los dos pares de parejas cuyas maniobras alrededor, lejos y, en última instancia, hacia el otro proporcionan el negocio principal. Sin embargo, debería ser una obra radical que solo finalmente y de mala gana se instala en un ritmo de emparejamiento.

Constantes erupciones de ira, frustración sexual, discriminación de la ciudad contra el campo y los ingleses contra los irlandeses, y hostilidades de hijo contra padre, sirviente contra amo y ama actúan como un conjunto de hilos que guían cada escena; y diversas categorías de vanidad de género, tanto misógina como misantrópica, proporcionan la raíz de gran parte del humor, algo de ello todavía desconcertantemente cruel y burlón. Fue la crudeza de la obra y no su refinamiento como comedia de modales lo que dominó su recepción original algo escandalosa; cualquier producción necesita capturar estas cualidades si quiere hacernos ver la obra de nuevo.

Es muy meritorio por parte del elenco y el equipo creativo que tengan el coraje de resistir la actualización de la obra por el bien de la novedad y en su lugar profundicen en el texto en busca de nuevas y persuasivas respuestas.

La directora Selina Cadell escribe en el programa que 'los actores de hoy están muy acostumbrados a imponer humor sobre el contenido, siendo su relación con el lenguaje mucho menos segura. El desafío para el actor en la comedia de la Restauración, por lo tanto, es descubrir cómo el personaje existe a través del lenguaje y solo del lenguaje.’ En lugar de un espurio naturalismo, abrazan el desafío de encontrar naturaleza en el artificio como si fuera ya esa ‘comedia trivial para gente seria’ de Wilde. Los actores interpretan sus roles con total seriedad y el humor es naturalmente mayor por ello. Además, encuentran exactamente el ritmo adecuado para el texto al no apresurar la entrega de los hermosamente elaborados discursos de Sheridan. Navegar esas largas oraciones, con su acumulación de cláusulas que balancean y califican, requiere habilidad como la de un surfista en la cresta de una ola rompiendo... retírate demasiado y pierdes al público; apresura las secuencias y pierdes el remate.

Cada miembro del elenco aquí fue ejemplar en tomarse su tiempo cuando era necesario y avanzar al ritmo cuando la escena requería dinamismo e interacción física. Al confiar en el lenguaje en la página y desarrollar el personaje cuidadosamente a través de él, los beneficios fueron todos mayores en las escenas finales cuando el ímpetu del argumento se debilita: tan detalladas interpretaciones entregan un humor propio en esa etapa. Cada actor se dio cuenta de que en una era donde el tacto y el contacto humano estaban restringidos y eran formales, el lenguaje en su espectro completo, desde el ingenio delicado hasta la desvergonzada vulgaridad, tiene que representar la gama de emociones, frustraciones y celos que en una obra moderna serían indicados por el lenguaje corporal. Es y era perfectamente aceptable romper la ‘cuarta pared’ frecuentemente y recordarnos que estábamos en una obra, que era cómo el público del siglo XVIII veía esta experiencia, pero para que esto funcione, el lenguaje necesita ser tratado con el máximo respeto y jugado con pasión. Fue un raro placer escuchar el texto entregado con tanta seguridad y puro disfrute tridimensional de sus posibilidades imaginativas.

No hay eslabones débiles en este elenco finamente afinado y es inevitablemente injusto destacar actuaciones particulares. Pero por su habilidad técnica en hacernos pensar de nuevo sobre un texto familiar, debo alabar a Iain Batchelor como Jack Absolute y a Nicholas Le Prevost en su actuación como su padre. Amenazando con ira pero sin entregarla hasta el punto en que no lo esperas, Le Prevost dio una clase magistral en tiempo cómico; y Batchelor llenó cada aspecto de su multifacético papel como Capitán Jack y Alférez Beverley con invención elegante.

Gemma Jones espumó y se preocupó efectivamente como la Señora Malaprop, una nube de seda gris y tul rosa, y merece crédito por NO resaltar demasiado su uso creativo del lenguaje. 'La piña de la cortesía' encontró su lugar como la culminación de un maravilloso párrafo y no como una broma aislada.

Jenny Rainsford languideció elegantemente como Lydia con más mordisco y lucha en este papel de lo habitual, y Justine Mitchell fue un modelo de moderación tranquila pero precisamente contenida como la muy sufrida Julia. Adam Jackson-Smith interpretó a Faulkland como si fuera John Cleese, lo que ayudó a darnos un útil punto de referencia para los cansinos escrúpulos auto-saboteadores del personaje.

Los roles estereotipados del irlandés y el granjero del campo recién llegado a la ciudad están menos bien desarrollados en la escritura, pero fueron bien interpretados la noche del estreno. Todos los sirvientes tomaron sus momentos de intervención y comentario con aplomo.

Si tuviera una crítica, estaría con la puesta en escena. El Arcola es un espacio de forma incómoda y necesita un manejo muy cuidadoso si las escenas van a fluir fácilmente de una a otra (como se hizo tan bien en la reciente producción de Carousel). Aquí hubo un poco demasiado negocio entre las escenas, ya sea en mover escenografía (por ejemplo, un recorte innecesario de una urna levantada y bajada para indicar una escena al aire libre), o en interludios musicales o gags recurrentes. En una obra tan larga como esta y donde la entrega del lenguaje estaba tan bien, fue una pena que las escenas no pudieran haber fluido más sin interrupciones y especialmente en la segunda mitad, estructuralmente más débil. Aunque está ambientada en Bath de hecho, no necesitamos ver Bath en acto, o al menos no en extensión elaborada alguna.

Sin embargo, dejando este punto a un lado, esta producción es una toma memorable y provocativa de un viejo favorito y una de las noches más divertidas en el teatro actualmente en la ciudad. No tienes que estar de acuerdo con mi ‘trastorno de epitafios', simplemente no te la pierdas....