RESEÑA: El Retrato de Dorian Gray, St James Studio ✭✭✭✭✭

Foto: Fotografía Evolución El Retrato de Dorian Gray

Teatro St James Studio

17 de junio de 2015

5 Estrellas

El 20 de junio de 2015 es el aniversario exacto de la primera publicación de la versión original en serie de la novela de Oscar Wilde El Retrato de Dorian Gray. Si bien ha habido varios intentos de convertirla en una obra para teatro y cine, no existe una versión aceptada para la representación teatral y, por lo tanto, esta nueva empresa es tanto oportuna como útil. El esquema de la historia es tan familiar que no necesita repetirse aquí, pero aun así debo comenzar registrando mi sensación de la continua y convincente relevancia de sus temas principales. Dado el culto a la celebridad que invade cada vez más nuestras pantallas y titulares, un estudio sobre la naturaleza y las consecuencias del narcisismo no podría ser más contemporáneo. A medida que los famosos aforismos se hacen visibles, no se puede evitar pensar que 'El genio dura más que la belleza' sería hoy en día una cuestión abierta más que una afirmación, y que Wilde extrajo una verdad más profunda de lo que sabía cuando afirmó que 'solo las personas superficiales no juzgan el mundo por las apariencias.' La brillante destreza verbal y la oscuridad debajo demuestran la verdad y sabiduría de otro dicho que pasa rápidamente al principio: 'todo arte es a la vez superficie y símbolo.'

Es necesario honrar, en primer lugar, la habilidad de la adaptación, llevada a cabo con esmerado cuidado por Merlin Holland, nieto de Wilde, y John O’Connor. Es fundamental que hayan regresado a los textos originales tanto de la revista como de la novela (más larga) publicada, y hayan reinstalado varias líneas clave que Wilde omitió prudentemente del texto final estándar. Estas líneas hacen más explícitos los diversos temas homoeróticos de la obra y, en particular, aclaran el carácter de Basil Hallward, perdido en una adoración desesperada e impotente por Dorian Gray, y hacen que la manipulación conocedora de Dorian sobre Basil sea aún más calculada y chocante. Hay muchos otros ajustes menores que útilmente resuelven o completan aspectos de los personajes que solo se insinúan oblicuamente en el original.

Cualquier adaptación debe convertir una gran cantidad de narrativa, tal como la relata Dorian, en drama, diálogo y personaje. Se deben tomar aquí un gran número de decisiones interpretativas, y en su mayor parte, el equipo creativo y los actores toman las decisiones correctas por completo. Por ejemplo, Sibyl Vane (Helen Keeley) se desarrolla en un personaje mucho más sustancial aquí de lo que es en el original. Se toma la decisión de presentarla como una buena actriz que tiene una noche crucialmente mala en lugar de como una terrible mediocre que solo Dorian quiere poner en un pedestal. Esto agrega considerable fuerza y ​​punto emotivo a su rechazo de ella. Del mismo modo, con la creación de Hettie, otra víctima de las preocupaciones faústicas de Dorian, que solo se describe de pasada en la novela.

La trama es el aspecto menos creíble y quizás menos importante de la obra: al igual que en cualquier novela gótica, el final parece particularmente abrupto, un efecto reproducido con precisión en esta adaptación. Pero entonces, la trama siempre fue la parte menos importante del arte de Wilde en sus comedias y, en su conjunto, esta adaptación se compara bien con las grandes obras que sostienen su reputación. Es, de hecho, un prototipo. Hay una teatralidad central incrustada en el original: el diálogo ya es parte del trabajo teatral de Wilde, y de hecho, algunas partes se reutilizaron luego en El abanico de Lady Windermere. Además, muchas escenas realmente se relacionan o se basan en el teatro contemporáneo. Finalmente, todo el tira y afloja bidireccional entre el cuadro y el sujeto, el héroe y la imagen, la belleza externa y la corrupción interna del alma clama por representación y interpretación más allá de la página impresa. Abrimos con una sugerencia desordenada de un estudio de artista victoriano: algunos grandes, torcidos y vacíos marcos dorados, parafernalia de artista, un diván y una jardinera, varias sillas, y al fondo las líneas insinuantes de un Nocturno de Chopin. Basil Hallward (Rupert Mason) está colocando los últimos toques en su retrato de Dorian Gray (Guy Warren-Thomas) antes de ser interrumpidos y subvertidos por Lord Henry Wotton (Gwynfor Jones). Además de los papeles principales, cada uno de los actores (excepto Warren-Thomas) aporta una plétora de bien definidos papeles de personajes, poblando el escenario con los criados sabios, duquesas altivas y comerciantes astutos que forman parte de la textura social de las grandes comedias. En este libro tan sensual, es crucial que haya mucho para captar la vista, y por eso se merece un gran crédito el equipo creativo por asegurar que el decorado esté bien vestido y que ante nosotros pase un maravilloso desfile de trajes de época de colores y texturas fabulosos. Incluso un personaje menor, como la esposa de Lord Henry, realmente parece como si su vestido abultado hubiera sido 'diseñado en una tempestad y vestido en una tormenta.' Se ha reflexionado mucho sobre cómo apelar a la imaginación sensual de la audiencia, y en particular, el director ha encontrado formas de integrar las referencias al libro de Huysmans Contra Natura y El Libro Amarillo, ambas fuentes importantes de inspiración para Wilde, y encarnar la relación amorosa de Dorian con los tejidos y perfumes tal como se relata en el capítulo once de la novela.

Sería inapropiado destacar a un miembro de este elenco para elogios: hay muchas formas de excelencia en exhibición; pero basta decir que Warren-Thomas no se conforma solo con sus atractivos - marca el viaje hacia la crueldad despiadada con mucha vacilación y detalle humano. Mason hace de Hallward un personaje mucho más simpático y angustiado de lo habitual, y Keeley crea un personaje real y completo a partir de Sybil. Inevitablemente hay muchos cambios de escena y vestuario, pero se logran hábilmente y sin interrumpir nuestra concentración. De hecho, el movimiento fluido y flexible es una característica destacada de toda la producción, y una difícil de lograr en un espacio tan confinado y abarrotado.

De alguna manera, el papel más difícil de llevar es Lord Henry, que tiene que entregar la mayoría de las joyas epigramáticas mientras las enmarca en un discurso naturalista. Encontrar el ritmo en Wilde suele ser clave para una gran actuación y producción. ¿Cómo crear un flujo plausible cuando los epigramas se interponen en tu camino, exigiendo tiempo y espacio para su entrega y reconocimiento? A veces parece como si Wilde hubiera asignado a sus actores una bandeja llena de mermelada y crema coagulada, y ningún scone. Gwynfor Jones navega este desafío con mucha delicadeza, con mucho movimiento escénico, y aceleraciones y pausas cuidadosamente graduadas y variadas, un estilo similar al de un cantante de ópera bloqueando un aria. Esta es una lección ejemplar en entrega retórica.

Lamentablemente, esta fina adaptación tiene una corrida muy breve - Espero que otro teatro pueda ser persuadido para permitirnos experimentar esta obra con este elenco una vez más - y pronto….. Merece ser vista por sus propias cualidades, por las nuevas perspectivas que aporta a una obra que creemos conocer demasiado bien, y por lo que nos dice de Wilde también. Presenta de manera ejemplar la inestable y, en última instancia, trágica combinación de talentos y aspiraciones que componen la persona única de Wilde. Como de costumbre, él percibió la verdad antes que todos los críticos: ‘Basil Hallward es lo que creo que soy: Lord Henry es lo que el mundo cree que soy: Dorian es lo que me gustaría ser - en otras épocas, quizás.’