RESEÑA: El Día del Año, Teatro Finborough ✭✭✭✭✭

Fiona Press, Mark Little y Paul Haley. Foto: Mark Douet El Día de Una Jornada

Teatro Finborough

21 de mayo

5 estrellas

Se acerca el amanecer. El Padre está irritable, vistiéndose, ordenando a su paciente y práctica esposa que busque sus medallas. Tiene un servicio al amanecer al que asistir. Ella se apura a encontrarlas. El Padre grita a su hijo dormido. Levántate, necesitamos ir al servicio. El hijo, culpable pero desafiante, grita que no va a ir. El Padre irrumpe en la habitación del hijo. El muchacho es inquebrantable, con camisa y ropa interior, de pie en su cama, defendiendo su postura. No hay servicio al amanecer para él. El Padre lo piensa, se da cuenta de que esta batalla no se puede ganar, toma las medallas de su esposa, ella lo viste y se marcha. Nada lo detendrá de disfrutar su día.

El hijo siente... algo. Quizás inefable, pero algo. El viejo compañero de guerra de su Padre llega a la casa, listo para ver el servicio al amanecer y la marcha en la televisión alquilada con la Madre. El hijo enciende la radio. Tal vez no irá al servicio al amanecer, pero lo escuchará. ¿Por qué? ¿Hábito? ¿O algo más? Mientras se viste, suena El Último Toque. El anciano se endereza, recordando; el hijo pausa, preguntándose.

La yuxtaposición de estos dos hombres, divididos por generaciones, educación y experiencia, pero subyugados por el poder de una pieza de música, y todo lo que conlleva, se asienta permanentemente y de manera inexorable en las mentes y almas del público. Tan evocador y conmovedor como el teatro puede ser.

Gregory Doran ha declarado recientemente La Muerte de un Viajante como la mejor obra estadounidense del siglo XX. Aunque muchos discutirán con él sobre eso, el tema que seguía surgiendo en mi mente era cuál sería la mejor obra australiana del siglo XX. Rara vez las escenas de Londres son bendecidas con obras australianas, aunque los actores australianos son presencia regular en esas escenas, algunos en modo ex-patriados, otros no. Para muchos asistentes al teatro en Londres es una sorpresa que los australianos incluso escriban obras.

Pero lo hacen. Y, a menudo, bastante buenas.

En cualquier lista sensata de las diez mejores obras escritas por un australiano, indudablemente El Día de Una Jornada de Alan Seymour aparecería.

En 1960, cuando se produjo por primera vez en Australia, causó sensación, fue prohibida, y objeto de desprecio virulento y desnudo. Los policías mantenían el orden en los teatros donde se representaba. Ha sido estudiada por generaciones de escolares en Australia, ha subido y bajado del favor, alcanzado estatus icónico, y prácticamente olvidada. Qué apropiado, entonces, que el industrioso Teatro Finborough haya decidido revivirla en el año del centenario de la Campaña de Gallipoli; el Finborough tiene una reputación bien justificada por redescubrir joyas teatrales perdidas, pasadas por alto o olvidadas, por lo cual la obra de Seymour tiene un hogar perfecto.

Porque, no se equivoquen, es una joya.

Tan bien elaborada como cualquier drama de corte realista del momento, la obra perdura porque trata conceptos universales que tienen la capacidad de tocar y afectar las vidas de todos los que la ven, ya sean australianos o no: la inutilidad de la guerra; la noción de valorar el punto de vista de otro; las consecuencias de la educación o su falta; y la peculiar fragilidad y dificultad del vínculo entre padre e hijo, madre e hijo, esposo y esposa.

A pesar de sus adornos y narrativa, no es una obra sobre el Día de Anzac, la fiesta pública en Australia donde se rinde atención a aquellos que lucharon por su país en guerras, aquellos que fueron asesinados o mutilados, o lo peor, sobrevivieron. No. De la misma manera que La Muerte de un Viajante trata fundamentalmente sobre el Sueño Americano, El Día de Una Jornada trata sobre el Sueño Australiano, o quizá más exactamente, sobre el sueño de lo que significa ser un australiano aspiracional.

Hay otros paralelismos obvios con la obra de Miller: la figura paterna central sabe que es un fracaso pero lidia con eso de diferentes maneras; la tensión en la obra viene del padre y el hijo, y alcanza su ápice en una confrontación donde el hijo obliga al padre a enfrentar la realidad; hay una mujer desgastada, fiel y cansada que intenta evitar que su familia se destruya; y hay un viejo amigo sabio, reflexivo e intuitivo del padre que trata de estabilizar la situación y evitar el desastre.

Pero ahí terminan las similitudes (aparte de la grandeza inherente). Miller escribió una obra sobre grandes temas y cuestiones de estado de la nación en forma de drama doméstico; Seymour escribió un drama doméstico sobre clase, valores y compromiso, en forma de una lucha épica sobre un elemento fundamental de la identidad australiana.

El director Wayne Harrison, cuya revitalización de El Día de Una Jornada se estrenó anoche en el Finborough, entiende esto por completo. Colaboró con Alan Seymour en esta versión de la obra, actualizándola de manera sutil, pero efectiva. Es una gran lástima que Seymour muriera en abril de este año y no pudiera presenciar el renacimiento de su obra más famosa.

Porque esta es una revitalización perfecta de una gran obra. Harrison ha desentrañado la obra cuidadosamente, encontrado las verdades, los puntos de referencia, la profundidad, y lo ha llevado todo a una vida vívida y extraordinaria. Esta es, de lejos, la versión más divertida de esta obra que he visto y, como consecuencia directa de eso, también es la versión más conmovedora, afectiva e intuitiva que he visto. Y, a lo largo de los años, he visto docenas de producciones de esta obra.

Harrison, sabiamente, usa las limitaciones del espacio del Finborough a su favor. El sencillo escenario (Catherine Morgan) establece precisamente la vida frugal y sencilla que lleva la familia Cooke. Hay una cocina y el dormitorio de Hughie, con su cama individual que se despliega. No hay extravagancia en el hogar de los Cooke. Harrison hace buen uso del entorno escaso: los personajes pueden moverse de espacio a espacio para causar efecto. Cuando Hughie explica su vergüenza sobre su familia y sus debilidades, puede vagar al espacio donde están y pueden demostrar su afrenta.

Inesperadamente, hay un uso inteligente de proyecciones como parte del tejido del lenguaje de la obra. Sin embargo, como pudiera uno alabar la coda que Jonathan Munby ha agregado a El Mercader de Venecia que actualmente se presenta en el Globe, el nuevo final de esta obra es más que brillante, reflejando clara y concisamente los temas de tradición, sacrificio y pérdida que Seymour teje en el texto.

Esto está tan bellamente y pensativamente dirigido como cualquier pieza de teatro dramático que se esté representando actualmente en un escenario de Londres. No tiene los recursos de La Muerte de un Viajante de la RSC, pero en términos de sensibilidad dramática y coherencia teatral, deja esa producción atrás.

El casting mayormente acertado ayuda inmensamente a la visión de Harrison.

Mark Little, en probablemente la actuación de su vida, es un Alf seguro, complejo y muy divertido, muy humano. Veterano de la Segunda Guerra Mundial, Alf es un tipo tradicional, que no se avergüenza de ser clase trabajadora (maneja un elevador para pagar las cuentas) pero que ha ahorrado y guardado para asegurarse de que su hijo, Hughie, tenga una educación y pueda tener oportunidades que a Alf mismo le fueron negadas. Ruidoso, muy aficionado a la bebida y un quejica arquetípico (probablemente se tomaría unas cuantas pintas con Nigel Farage), Alf es casi una parodia de sí mismo.

Casi. En verdad, es ese maravilloso viejo pícaro borracho que se pasa de copas y se pone ridículo, pero a quien todos perdonan porque, al fin y al cabo, es solo un tipo ordinario haciendo lo mejor que puede. También hay una corriente de violencia sobre él que establece su peor aspecto, el límite externo de su exceso. Esta es una obra escrita en un tiempo cuando la masculinidad se definía de manera diferente. Alf trata a todos los que ama igual de mal, principalmente porque ha tenido su propio camino durante tanto tiempo, pero, igualmente, realmente los ama, y lo muestra. Cuando puede.

Alf es un papel enorme, y Little le da toda la atención adecuada y detallada a cada aspecto de la parte. La efervescencia exuberante, el destello de ira repentina e impredecible, los silencios cansados, el carácter insistente, la determinación feroz, la apariencia desconcertada, el sentido del humor malicioso, el estupor alcohólico, el relato Falstaffiano, la devoción no hablada - Little lo juega todo, coherentemente, sensiblemente e increíblemente efectivo. Es una actuación valiente y audaz; Little no teme revelar el lado feo de Alf, y con razón. Sin eso, el papel y la obra no pueden funcionar.

Little tiene la fortuna de contar con el apoyo brillante, impecable de Fiona Press (su esposa de larga sufrimiento, Dot) y de Paul Haley (Wacka, el veterano de ambas Guerras Mundiales, quien fue compañero de guerra de Alf y su padre).

Press hace que Dot sea completamente real en todos los sentidos. Dot es la portavoz de la verdad en la obra - observa todo y comenta sobre los procedimientos con una agudeza que es implacable, una sabiduría que no tiene igual y una sinceridad que se siente profundamente. Press transmite sin esfuerzo todas las cualidades de Dot; su quietud es inspiradora, pero sus ojos y boca nunca dejan de registrar su estado de ánimo y pensamientos. Como una fuerza de verdadero amor perdonador, capaz de brutal honestidad y desenfado irónico, Dot de Press es magistral en todos los sentidos. Un completo placer de ver.

El papel de Wacka es una trampa para los malos actores; la escritura de Seymour puede presentar una oportunidad para un sentimentalismo extremo, sentimental y sobrecargado. Pero no aquí. Haley es exquisito como el viejo veterano, que ama a los Cooke como si fueran suyos, y que no quiere fanfarronear sobre sus logros en batalla. Taciturno, y un verdadero contrapunto para las exigencias imperiosas de Alf, Haley presenta un Wacka de gran profundidad, de estoicismo implacable. Realmente crees que estaba allí en Gallipoli, enfrentándose a los fusiles destructores, y luego, más tarde, una vida de empujar los recuerdos a un lado, serenamente firme. Cuando, finalmente, Dot lo persuade a hablar sobre su dolor, Haley es cautivador, escalofriante, excepcional. También es innegablemente divertido. Es una actuación finamente afinada, perfectamente calibrada.

James William Wright interpreta a Hughie, el único hijo de Dot y Alf, con habilidad y aplomo. Alto, larguirucho, apuesto y perdido, Hughie obsesionado con la fotografía de Wright es el perfecto rebelde enojado. Muestra claramente la subyugación de Hughie a los encantos femeninos de su tal vez novia Jan y las casi catastróficas consecuencias que eso tiene para su familia. Su relación con ambos padres está finamente juzgada, desde la adoración suave hacia su madre, a quien lamenta amargamente haber molestado, hasta el arrepentimiento y la vergüenza humilde que siente por su trato a su abuelo sustituto, Wacka, pasando por el miedo y desprecio que rápidamente lanza a su padre, a quien momentáneamente desprecia, pero de quien sabe que ha trabajado toda su vida para su mejoramiento, el de Hughie. Es una actuación cruda, expuesta, atractiva y conflictiva en igual medida.

Dos momentos particularmente marcan la amplia gama de habilidades de Wright aquí. Hace que el asalto violento de Alf a él sea completamente creíble; casi sientes los moretones formándose en tu propio cuerpo mientras ves la respuesta temerosa de niño pequeño de Wright. Luego, más tarde, cuando toma la mano de su padre en una demostración abierta e inequívoca de amor paternal, rompe tu corazón de una manera diferente. Aunque necesita relajarse más y confiar en su actuación lo suficiente como para permitir pausas y momentos reflexivos que sostienen la tensión, Wright da una actuación de primera clase en un papel complicado.

No hay duda de que el papel más difícil en la obra es el de Jan, la chica de clase alta que está con Hughie, usándolo para sus propios fines, sexuales y profesionales. Es un papel sin agradecimiento de muchas maneras, pero crucial. Jan representa la aspiración que Alf y Dot han trabajado duro para permitir que Hughie acceda, pero también encarna todo lo que ambos encuentran despreciable sobre las personas privilegiadas y su desprecio casual por el valor de las clases trabajadoras. Sin Jan, no hay arena en el caparazón y Hughie no puede pasar de ostra a perla. Ella tiene que ser lo suficientemente atractiva para esclavizar a Hughie, pero fría y condescendiente para incurrir la ira de ambos, Alf y Dot.

Es una solicitud casi imposible para una actriz, el papel de Jan, pero Adele Querol se esfuerza valientemente. No tiene dificultad con el lado espinoso y horrible de Jan; Querol lo maneja deliciosamente y con verdadero estilo, pero necesita crear esa parte de Jan que fascina a Hughie. Querol necesita jugar la carta del sexo de manera más determinada, más vibrante, más todo-consumidora. Jan reduce al elocuente y articulado Hughie a un desastre tartamudeante de testosterona y es crítico ver eso. Dot lo ve – cuestiona el valor de Jan. La audiencia y Hughie también necesitan verlo.

Los vestuarios (Holly Rose Henshaw) evocan el sentido de Australia en los años 60 de manera magnífica y el diseño de iluminación de Marec Joyce es realmente hermoso, evocando una profunda belleza en algunos de los tableaux. También hay un sonido inteligente - subrayando el relato de manera pertinente y perspicaz, Chris Drohan realiza un trabajo discreto pero muy efectivo.

Harrison ha logrado algo realmente notable aquí. Una revitalización, un renacimiento de una obra clásica sin fuegos artificiales, solo confiando en una narrativa inteligente y visionaria y actuación de primera clase. El mercurial, bombástico y, finalmente, desesperado Alf de Mark Little es una actuación para los libros de historia y el apoyo que recibe de Press, Haley y Wright es excepcional.

Aquí no hay masturbación de directora, no hay desperdicio de fondos o talento, no hay actualizaciones inútiles, no hay ubicaciones idiotas, ninguna "por el gusto de hacerlo" inteligencia o indulgencia. Simplemente, hay una hermosa producción de una obra de clase mundial, iluminada por una dirección sensible, profundamente hábil y excelentes actuaciones.

Ojalá Wayne Harrison dirigiera más para el escenario londinense.

Esta es el mejor drama (que no es un musical) representado actualmente en cualquier teatro de Londres.

Haz cualquier cosa para verla.

El Día de Una Jornada estará hasta el 13 de junio de 2015 en el Teatro Finborough