RESEÑA: Las Flannelettes, King's Head Theatre ✭✭✭✭✭

Las Flannelettes. Foto: Francis Loney Las Flannelettes

Teatro King's Head

19 de mayo de 2015

5 Estrellas

Las Flannelettes llegan al Teatro King's Head como parte de las celebraciones de su 45º aniversario. La obra reúne a Richard Cameron y Mike Bradwell, el equipo que tuvo tanto éxito en el Bush con The Glee Club (2002) y obras similares. Comparte muchas cualidades similares con su predecesor de éxito nacional: un escenario en un pueblo deprimido del norte, poblado por mujeres duras o explotadas y hombres violentos o ineficaces; donde la música llena el enorme vacío entre las duras circunstancias de la vida cotidiana y las aspiraciones y anhelos del alma interior. El telón se levanta con una rutina de homenaje a Tamla Motown en un Club de Bienestar Minero, que nos presenta a cinco de los seis personajes de la obra: Brenda (Suzan Sylvester), una viuda que dirige el refugio local para mujeres; su sobrina, Delie (Emma Hook), que tiene 22 años pero con una edad mental de una década menor; Roma (Holly Campbell), su amiga mayor y la novia muy maltratada de un líder de pandillas local; Jean (Celia Robertson), una mujer educada de los Home Counties, recién llegada al refugio, y George (Geoff Leesley), un prestamista local afable pero descolorido, arrastrado heroicamente para completar el número. Se unen más tarde en la escena a Jim (James Hornsby), un oficial de policía comunitario casado, que resulta estar teniendo un romance con Brenda. El número de apertura es parte de un acto regular, y su tono de aspiración romántica elevada junto a un sentido de decepción inexorable e inevitable establece el patrón para la obra en su conjunto. Los personajes hacen todo lo posible por escapar de un conjunto de predicamentos aparentemente preordenados y luego ensayan o interpretan números de Motown como un comentario coral sobre la violencia y la desesperación que amenaza con abrumarlos. Para que eso no parezca un escenario tan familiar y estático, permítanme decir inmediatamente que cada una de las muchas escenas está bellamente elaborada para que la primera mitad establezca una caracterización rica y profunda de la cual emerge un drama de poder crudo en la segunda mitad. Estas son actuaciones detalladas donde muchos pequeños puntos de texto o manerismos o gestos vuelven para impactar con nueva significancia en la segunda vez que se les pregunta y se les observa. Hay un delicado equilibrio entre la comedia y el patetismo que sigue oscilando y cambiando hasta un giro oscuro decisivo en las últimas escenas que se juegan con gran gracia y habilidad por todos los interesados. Aunque hay actuaciones destacadas que tengo que mencionar en esta crítica, es sobre todo un éxito de conjunto, donde el escritor asegura, como un libretista de ópera, que cada uno de los personajes recibe efectivos solos, y dúos de contraste antes de participar en conjuntos de verdadera energía, ingenio y, cuando es necesario, ira. Todos los actores son fuertes y distintivos; y a pesar de toda la tristeza envolvente del final, se presenta como una producción muy feliz que deja al público con la sensación de que está ocurriendo una afirmación de la vida así como un examen forense de un abismo de abuso.

Parte de la razón de esta sensación de equilibrio y del éxito general de la producción es que el enfoque está muy centrado en el desarrollo individual del carácter en lugar de la atribución esquemática de culpa. No hay una tesis dogmática en juego aquí: la decadencia socioeconómica de la ciudad minera es un hecho, un telón de fondo sombrío no una agenda política. No es que haya nada malo con eso en abstracto, pero haría que fuera una obra muy diferente; un enfoque tipo David Hare no se fusionaría con el grito primordial del alma desplegado con tanta emoción aquí. Fundamental para la acción es el retrato de Brenda por parte de Sylvester, que es cansada, desengañada, infinitamente paciente y aceptante. Ella es el centro emocional tranquilo de la obra alrededor del cual los otros personajes giran y a quien regresan. Sería fácil convertir esto en una caricatura de una mujer estoica del norte, pero no pierde las oportunidades que se le dan para revelar su propia decepción y daño emocional. Hay momentos de vulnerabilidad conmovedora en sus interacciones con los dos hombres del elenco en particular que son muy conmovedores. Junto a ella en el refugio, Robertson transmite hábilmente el viaje de Jean desde esposa golpeada traumatizada hasta resistencia fiera y recuperación a pesar de la pérdida de su familia, realmente el único personaje que termina la obra en un mejor lugar psicológico que antes. Los dos hombres, George y Jim, son más difíciles de llevar porque el sentido constante y agotador de fracaso en sus personajes; George tiene las mejores intenciones, verdadera amabilidad y empatía, pero energía y capacidad disminuidas para llevar las cosas a cabo; Jim tiene energía pero poco entendimiento emocional, sea de sí mismo o de los demás. Ambos no comprenden las consecuencias desastrosas de sus propias acciones para las mujeres en el refugio. El poder reside todavía en hombres, ya sea débiles o (fuera de escena) matones y manipuladores abusivos. Ambos actores logran hacer que estos hombres sean simpáticos a pesar de que el tirón emocional y la deriva de la obra es establecer un canto fúnebre para y de mujeres.

Pero las actuaciones destacadas sin duda son las de Holly Campbell y Emma Hook. Durante la mayor parte de la acción Campbell tiene que interpretar a una mujer que no tiene autoestima y que está recuperándose de o a punto de recibir más abuso físico. Captura el aspecto vacío y adormecido de la víctima perpetua de manera muy económica y sin sentimentalismo, mientras preserva una voz y personalidad diferente para sus esperanzas de tener una casa propia. En sus escenas con Hook, su recuperación mutua de un espacio para la esperanza es muy conmovedora. Delie, aunque, es el foco de la atención del público cada vez que está en el escenario. Interpreta a su personaje con inocencia, por supuesto, pero con muchas otras capas también: la visión de túnel y la curiosidad implacable de una niña con abundante energía pero confianza equivocada se traslada poderosamente en la primera mitad; y en la segunda, mientras la oscuridad se cierra alrededor de ella, el desconcierto, el dolor incomprensible y el deseo desesperado de retener algún tipo de ancla segura en el mundo adulto comienzan a tomar el control y uno ve los contornos de una actuación de verdadera grandeza. Su monólogo en la sección final de la obra es uno de los dos o tres mejores momentos en el teatro que he experimentado este año; uno de esos momentos en los que el público está completamente en la zona con el actor y todas las consideraciones extrínsecas se eliminan.

Esta obra es un digno homenaje a todo lo que representa el King's Head. Deberías verla si puedes en sus últimos días, y solo espero que llegue a otro escenario muy pronto.

Las Flannelettes se presenta en el King's Head hasta el 6 de junio de 2015