RESEÑA: Las brujas de Salem, Old Vic Theatre ✭✭✭✭✭

El Crisol en The Old Vic. Foto: Tristram Kenton El Crisol

Teatro Old Vic

30 de junio de 2014

5 Estrellas

El auditorio está lleno de humo ardiente. Puedes oler el heno quemado y el rastro de ceniza persistente con cada respiración. El escenario está desnudo, aunque esparcido con sillas viejas y gastadas y con un montón de botas de granja desechadas ominosamente en el centro del escenario, como una pira, o quizás un memorial.

Está oscuro, casi como el viernes 13, y un sentido palpable de miedo es ineludible. Fragmentos de luz rompen la penumbra a intervalos irregulares. Trozos de ceniza descienden esporádicamente desde el techo. Como es un teatro en redondo, la incomodidad y el desasosiego de los otros espectadores son cristalinos, y sorprendentes. Más que nada, al mirar las cortinas grises y los paneles que se extienden hacia el auditorio y serpentean alrededor, eres consciente de una sensación de estar sentado en juicio.

Y en esto, antes incluso de que se diga la primera línea, la gloriosa revivificación de Yaël Farber de la obra maestra de Arthur Miller (bueno, una de ellas) El Crisol, ahora en preestrenos en The Old Vic, comienza como pretende continuar: con una precisión escalofriante e inquietante.

El Crisol es una obra larga (aquí comienza a las 7:30 y termina alrededor de las 11:15 con un intervalo de 20 minutos) y en las manos equivocadas puede ser realmente terrible: disparates melodramáticos en las peores producciones.

Pero Farber no comete errores en el reparto, diseño, ritmo, tono o intensidad, con el resultado de que la obra palpita con vitalidad, es tanto visceral como sensual y, incluso si conoces la trama, se desarrolla como el thriller psicodramático terrorífico que es.

Adopta un estilo temático para la ambientación y el cambio de escena que funciona espectacularmente bien. Figuras sombrías y silenciosas, todas vestidas en tonos de marrón o negro o blanco sucio – no hay nada colorido en este mundo – se mueven casi como si fueran de ballet, estableciendo la severidad y creando la impresión de una danza de la muerte mientras se colocan mesas, sillas, bancos, lavamanos, etc. Nada de esto ocurre rápidamente; es casi insoportablemente fúnebre, pero crea y sostiene el ambiente triunfalmente.

La imagen inicial de Tituba cantando ambiguamente sobre un montón de calzado desechado es poderosa - y establece el espacio de actuación como un crisol donde se realizarán hechos extraños. Burbuja, burbuja, esfuerzo y problemas: esa es la fuerza impulsora aquí. Cuando comienza el segundo acto, el progreso silencioso de una sola mujer sosteniendo una cuerda larga que se arrastra detrás de ella, habla más elocuentemente de las muertes que han ocurrido desde que terminó el primer acto que cualquier pasaje de diálogo o representación real de una ejecución podría. Es tanto radiante como espeluznante.

El decorado de Soutra Gilmour es magníficamente adaptable; granja, dormitorio, iglesia, tribunal, mazmorra. Se convierte en lo que necesita ser sin esfuerzo pero con una facilidad y fluidez que subraya la época en la que está ambientada la obra y las incertidumbres conflictivas de las vidas de los personajes. La evocadora y desgarradora iluminación de Tim Lutkin profundiza la efectividad del set y, junto con la impresionante, inquietante y frágil música de Richard Hammarton, crea el escenario perfecto para el choque entre el bien y el mal, el interés propio y la presión de grupo, la venganza y la condescendencia obstinada.

El reparto es perfecto. Hay 24 actores en la compañía; cada uno es impecable.

Esta obra puede caer en risas de burla si las jóvenes que forman parte del grupo de Abigail no logran ser convincentes, especialmente en la escena clave donde todas podrían, o no, compartir una visión de Gestalt que arranca a la rota Mary Warren de Natalie Gavin del sentido de la verdad y sella el destino de John Proctor y Rebecca Nurse.

Pero no hubo problemas aquí. Uniformemente, las jóvenes estuvieron sobresalientes, sus gritos guturales, demoníacos y penetrantes y sus erupciones corporales son aterrorizadoramente bien hechas. Creíble y escalofriante. Samantha Colley es una Abigail sensual, provocadora y finalmente vil y maliciosa. Nunca he visto una mejor. Ella es la definición viviente de una mujer despechada.

William Gaunt es verdaderamente maravilloso como el astuto y sorprendido Giles Corey, y el calor y la profundidad que aporta al personaje aseguran que la descripción de su sacrificio sea dolorosa de soportar. Ann Firbank es igualmente maravillosa como la serena y aceptante Rebecca Nurse; destroza el alma de uno con su comentario casual acerca de no haber recibido el desayuno mientras es llevada a la ejecución. Observa todo lo que sucede y su quietud y beatífica semblanza es un contrapunto soberbio a las histerias de los miembros más justos de la comunidad.

Jack Ellis fulmina y enfurece con un venenoso celo religioso como el altanero y repugnante Danforth, un hombre tan seguro de la brujería que ignora todo sentido para erradicarla. Es una parte maravillosa y Ellis la aprovecha al máximo. La precisión de su lenguaje y entrega es deliciosa y en los momentos extraños cuando la incertidumbre parpadea en sus rasgos, las capas de complejidad política inherentes a su personaje están hábilmente dibujadas.

Adrian Schiller hace que cada momento cuente para el reverendo Hale. Del establecimiento, Hale tiene el mayor viaje, cambia de posición de incertidumbre a convicción y viceversa - y el peaje se muestra claramente por Schiller. Otra actuación llena de sutil alegría.

No los listaré todos, pero cada miembro del elenco hace su parte, deja su marca – desde el repugnante y burlón Putnam de Harry Attwell hasta el angustiado y desolado Francis Nurse de Neil Salvage. Christopher Godwin es la pretensión personificada como Hathorne.

Pero el núcleo de la obra, su corazón y fibra nerviosa, reside en John y Elizabeth Proctor. Y aquí, ambos actores aportan una intensa riqueza compartida y profundamente sentida a sus actuaciones.

Anna Madeley es perfecta como Elizabeth, su sentido de esposa y madre es profundo y todo consumidor. Lleva la pena de lo que ha sucedido entre John y Abigail antes de que comience la obra con un deber estoico – hay un momento maravilloso cuando vierte agua para el lavado previo a la cena de John y donde el tiempo tomado y el desapego empleado en la tarea hablan volúmenes de sus simples vidas y la ligera distancia que actualmente separa a la pareja.

El mejor momento de la obra llega cuando Danforth interroga a Elizabeth sobre si su marido fue un adúltero. No queriendo avergonzar a su marido, Elizabeth inesperadamente y de manera poco característica miente y dice que no fue adúltero con Abigail, sin saber que John ha confesado y que su mentira lo condenará. Madeley interpreta esta escena notablemente, desgarrada por el dolor y el miedo, no queriendo mentir pero queriendo salvar a su hombre. Incluso sabiendo lo que sucede no pudo perturbar la tensión que Madeley produce aquí. Y el desbordamiento de pasión y miedo que sigue, seguido por la tranquila aceptación final de la necesidad de que los hombres honestos mueran en lugar de ser coaccionados a una falsedad – todo está exquisitamente hecho. Magistral. Subestimado. Profundamente conmovedor.

Luego está Richard Armitage como John Proctor.

Hay muchas maneras de abordar a este personaje: atormentado, desafiante, intelectual, salvaje, incomprensivo – todas son elecciones legítimas dependiendo de la producción. Armitage lo interpreta como un simple granjero, que trabaja sin descanso para proveer a su familia, que valora su fe pero no más que las vidas de su esposa, hijos y amigos. Un hombre que ha traicionado a sí mismo por placer carnal con Abigail y, por lo tanto, ha roto a Elizabeth; un hombre que nunca se perdonará a sí mismo.

Armitage es todo músculo y furia, pero hay momentos de gran, sincera ternura y maneja las secciones líricas de la obra con gran belleza. Grita mucho – pero no está perdido ni exagerado; esta es más la respuesta del simple oso del hombre que es su Proctor, atrapado, acorralado y maltratado. Un John Proctor hipnotizante y único. Está en su mejor momento lidiando con el desprecio combativo de Danforth y la duplicidad del reverendo Parris (un encantador Michael Thomas) pero no se puede negar el sentimiento genuino, la comprensión total que aporta a sus escenas de arrepentimiento y pérdida con la Elizabeth de Madeley.

De hecho, este es el gran logro de la producción de Farber. Es cristalina al contar la historia, implacable al entregar el detalle y romántica y sensual en su sensación general.

Una representación brillante, sublime y terriblemente efectiva de la maravillosa obra de Miller.

Imperdible.