RESEÑA: The Cocktail Party, Print Room At The Coronet ✭✭✭✭

Richard Dempsey, Christopher Ravenscroft y Marcia Warren en La Fiesta de Cóctel. Foto: Marc Brenner La Fiesta de Cóctel

Print Room en el Coronet

21/09/15

4 Estrellas

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‘Y si todo eso no tiene sentido, quiero ser curado

De un anhelo por algo que no puedo encontrar

Y de la vergüenza de nunca encontrarlo.’

― T.S. Eliot, La Fiesta de Cóctel

Un crítico no debería ser contrario sin una buena razón, pero en esta ocasión creo que tengo motivos válidos para comenzar con algunos pensamientos sobre el lugar en lugar de la obra.

Es la primera vez bajo la gestión actual que una obra se ha presentado en el espacio principal del antiguo Teatro-Cinema Coronet. Por ahora, hay un suelo temporal en el nivel del Dress Circle para que el área de los Stalls se pueda abrir como un piano bar y los niveles superiores se puedan dedicar a obras de menor escala, principalmente contemporáneas, por las que el Print Room es mejor conocido. De alguna manera, es bastante similar a la división del trabajo en el actual Royal Court. Aunque no quedan ninguno de los asientos originales, es un espacio con una atmósfera enorme para estar. Las líneas serpentinas elegantes del dress y los círculos superiores, el elaborado y libre flujo de la yesería rococó falsa y la generosa visibilidad todo marca esto como la obra de un arquitecto que sabía cómo debían ser los teatros del siglo XIX.

Así que no es sorpresa saber que es la más antigua de las casas londinenses supervivientes creadas por el arquitecto australiano William Sprauge, uno de los pupilos de Frank Matcham, que también fue responsable de Wyndhams, el Aldwych y el Noel Coward en el West End. Eduardo VII fue un habitual en los palcos de la primera línea, y Ellen Terry y Sarah Bernhardt actuaron abajo. Si cierras tus ojos ante la dilapidación general, fácilmente puedes imaginar un interior despojado del rojo postal estándar y restaurado a su antigua grandeza de filigrana. El piano bar temporal, decorado por alguien con un ojo maestro para un elegante shabby-chic, es también un espacio sumamente acogedor. La experiencia actual evoca la perspectiva mágico-realista de Las Noches en el Circo de Angela Carter, y vale mucho la pena la visita simplemente por las vibraciones del edificio. Tiene el potencial de regresar a su antigua gloria al igual que el recientemente renovado Wilton's Music Hall. Y así, a la obra... podrías pensar que el austero poeta de The Wasteland y Four Quartets es un ajuste extraño con el Coronet, pero estarías equivocado. En primer lugar, T.S. Eliot amaba el mundo del Music Hall e incluso hace que uno de sus personajes cante un fragmento de una canción de esa tradición en el primer acto de la obra actual. Además, de manera más general, La Fiesta de Cóctel trata fundamentalmente de tomar viejas formas de drama, ya sea tragedia griega o comedia de salón, y usarlas como vehículos para nuevas ideas y debates. Esta colocación de vino nuevo en botellas viejas es exactamente de lo que trata el proyecto Print Room, y fue una idea inspirada por la directora Abbey Wright juntar los dos.

Eliot llegó tarde a la escritura teatral, con mucha, si no la mayor parte, de su poesía madura ya escrita o esbozada antes de que comenzara a aventurarse a mediados de la década de 1930 en desfiles de moral religiosa ritual y la revitalización de las formas de drama versificado griego como un recipiente para el debate de nuevas ideas. Pero siempre tuvo una concepción muy alta del rol público del teatro. Eso es claro en su crítica literaria, donde es muy claro sobre la enraizada raíz de la poesía en drama sagrado y comunitario, que ignora a su propio riesgo, y en el papel único que puede desempeñar el teatro al dar alas a las ideas y sentimientos para volar y captar la atención de un público más amplio de lo que la interioridad de la poesía lírica puede esperar alcanzar. Solo iba a ser cuestión de tiempo que intentara seguir la misma trayectoria.

Richard Dempsey, Hilton McRae y Helen Bradbury en La Fiesta de Cóctel. Foto: Marc Brenner

Sin embargo, estas obras se representan raramente hoy en día – después de una verdadera popularidad en el periodo inmediato de posguerra, fueron apartadas por la nueva generación de dramaturgos para quienes su sentido de tradición heredada, tono conscientemente alto, y deliberada técnica fustiana representaban demandas imposibles y represivas para el público. No ha habido una producción de esta obra en el West End durante 35 años, así que esta nueva toma es tanto oportuna como bienvenida.

Este olvido es claramente inmerecido: hay mucho diálogo en esta obra que suena como Pinter en su sátira paródica, absurdista de comedias de salón bien hechas, y las cuestiones filosóficas en revisión son muy accesibles. Eliot siempre siguió siendo un modernista autodidacta en la literatura tanto como fue un anglicano y conservador en la ideología; de hecho, su drama es profundamente inquietante en lugar de convencional cuando se penetra más allá del formidable arsenal de referencias literarias e históricas en las que están enmarcados. Sin embargo, lo único que importa al final es si las obras todavía mantienen la atención en el escenario. Ese es siempre el gran principio nivelador de cualquier reactivación.

En ese aspecto, mi veredicto es mixto. El primer acto e incluso la primera mitad se extienden en exceso. Esto no es - como podrías pensar - porque los argumentos sobre el libre albedrío, la naturaleza de las decisiones y la búsqueda de significado existencial son pesados, o que el verso blanco interfiere. Más bien es que la dramaturgia es demasiado insustancial para soportar el peso de estos temas. El formato de la fiesta de cóctel con invitados que van y vienen para debatir puntos particulares, se desgasta tan poco como la paciencia del anfitrión reacio. Los actos segundo y tercero, más cortos y mejor enfocados, tienen un agudo y penetrante impulso que preserva un mejor equilibrio entre la superficie conversacional y los temas más grandes en juego. Los personajes también están más completamente desarrollados.

Otro problema, aunque en última instancia menos inquietante, es que la pareja que es el aparente centro del drama es en realidad menos interesante que dos de los roles subsidiarios. Aparentemente, esta es la historia de los Chamberlaynes, que se han separado antes de una fiesta organizada por Lavinia (Helen Bradbury), la cual debe ser rescatada por Edward (Richard Dempsey). Entre los invitados hay un extraño no identificado (Hilton McRae) que resulta ser una especie de cruce entre un guía espiritual y un psiquiatra. En una serie de profundas conversaciones, descubre que Edward y Lavinia son mucho más compatibles de lo que piensan, aunque Edward nunca pueda superar su sentido de mediocridad o realmente ser capaz de ofrecer amor, ni Lavinia superar el hecho de que nunca ha sido capaz de atraer amor genuino. Son un elocuente ejemplo de los compromisos dolorosos pero factibles forzados sobre la mayoría de las parejas en la vida diaria. Para la mayoría de nosotros, esa es la cura para la búsqueda de significado.

Hay otra manera, sin embargo, representada en las elecciones de Celia Coplestone (Chloe Pirrie), la joven amante de Edward. En su diálogo del segundo acto con el misterioso extraño, que es tanto el corazón emocional como intelectual de la obra, ella aprende un camino diferente. Escoge no aquiescer en las elecciones cómodas que parecen predestinadas y aprecia que hay una forma alternativa, mucho más arriesgada de autorrealización disponible. Esto termina en tragedia, pero el mensaje humano e intelectual explícito de la obra es que el libre albedrío aún puede marcar la diferencia tanto en la sociedad como en la realización y expresión del potencial completo de la vida individual. Es Celia y el sabio psiquiatra quienes encarnan esta visión y son los verdaderos roles protagónicos.

Hilton McRae y Helen Bradbury en La Fiesta de Cóctel. Foto: Marc Brenner

Hay considerables cargas sobre los actores aquí. Cada uno de los invitados en los diversos ‘cócteles’ tiene sus propios momentos de seria reflexión moral, y colectivamente también deben actuar como un coro griego por un lado, y como un grupo de socialites sofisticados por el otro. El Director de Movimiento Joyce Henderson debe ser reconocido por asegurar que esta no fue una producción estática, y el elenco en su conjunto demostró un dominio significativo del rango tonal y dinámico necesario para entregar el texto.

El rol más agotador es el del extraño misterioso, interpretado por McRae aquí como un tipo ‘Dr. Finlay’ atractivo, confiado, tranquilizador, pero con acero y autoridad donde hace falta. Alec Guinness una vez dijo que este era el papel más agotador que interpretó y se puede ver por qué. Bradbury capturó la dura y frustrada energía intelectual de Lavinia muy poderosamente, y Dempsey, a su vez, la frustrada y petulante conciencia de Edward sobre sus propias insuficiencias. Pirrie necesita demostrar el crecimiento en la seguridad y el autoconocimiento de su personaje de manera más marcada, pero sin duda eso vendrá a medida que la producción se asiente. Entre los papeles menores Marcia Warren realizó una vuelta cómica muy bien redondeada como la aparentemente desorientada y anciana parlanchina Julia Shuttlethwaite.

El equipo creativo estuvo en lo correcto, creo, al jugar de manera segura y mínima cuando se trata de la escenografía. No necesitamos un conjunto elaborado para lo que es esencialmente una serie de conversaciones en un apartamento y una sala de consulta. Dos puertas, un teléfono en la pared del fondo, una mesa con aparatos de cóctel y un esparcimiento de sillas, eso es todo lo que se requiere. El suelo era de mármol como los forros de un libro antiguo encuadernado en cuero... un toque muy hábil por parte del diseñador Richard Kent, que esboza muy bien el arcaísmo consciente de la obra en su concepto general. El trabajo del diseñador de iluminación David Plater y el compositor Gary Yershon también sirvieron para dar un brillo deco expresionista que me recordaba a la duradera producción de An Inspector Calls. No sé si esa obra, también producto de los años 40 e implicando a un visitante misterioso y moralizador, era otro punto de referencia para Eliot; pero ciertamente esa producción parece haber impactado en el ambiente y tono de esta, con sus contrastes marcados y dinámicos entre la iluminación puntual y la oscuridad, y la música de piano ajustada electrónicamente del cocktail-bar, tanto sofisticada como nerviosa. Hay muchas más capas tanto en esta obra como en esta producción que merecen más comentarios, pero que están más allá del alcance de una crítica relativamente breve. Basta decir que esta producción hace un caso muy bien pensado para revisar las obras de Eliot en su conjunto, y sirve para recordarnos que hay mucho más drama importante a su nombre que la única obra que todos conocemos, a saber, Cats, que por supuesto él nunca destinó para el escenario. La Fiesta de Cóctel se presenta hasta el 10 de octubre en el Coronet