RESEÑA: El Payaso de los Payasos, Teatro Arcola ✭✭✭✭✭

El Payaso de los Payasos

Arcola Studio 2

04/08/15

5 Estrellas

Las actuaciones dobles a menudo pueden ser problemáticas. Rara vez forman una combinación armoniosa: una puede parecer simplemente un relleno para la otra, una adición para alargar una velada; o los temas y tópicos abordados tiran en direcciones diferentes y confusas; o un contraste demasiado marcado entre comedia y tragedia deja un sabor insatisfactorio como demasiadas bebidas mezcladas en una boda. Es uno de los logros destacados de El Payaso de los Payasos que las dos mitades de la velada están perfectamente integradas y ofrecen muchos puntos de contacto e introspección iluminadores entre ambas. La primera mitad se dedica a una interpretación del Pierrot Lunaire de Schoenberg, una obra para soprano y grupo de cámara que todavía logra sorprender y confrontar a una audiencia más de un siglo después de su estreno. Vale la pena tomarse un momento para considerar cuidadosamente cuáles son los desafíos. Se hace mucho de la atonalidad de las configuraciones y el uso de Sprechgesang (el ritmo y el tono están establecidos pero simplemente no se sostienen), pero en realidad, estos son los menores de los problemas. Uno puede acostumbrarse al mundo sonoro tras cierta exposición a él, en parte porque el uso de dispositivos formales tradicionales en la escritura (canon, fuga, formas de danza, etc.) ayuda a hacerlo legible. Más difícil de entender son los textos inicialmente desconcertantes - 21 poemas simbolistas - y el género predominante – el melodrama – que ahora es un territorio perdido y ajeno para nosotros. Si bien la figura de Pierrot, el payaso melancólico, es un tropo familiar, la poesía francesa (de Albert Giraud y traducida al alemán por Otto Hartleben) nos sumerge en un mundo de asociaciones oscuras e incluso amenazantes que al mismo tiempo son frustrantemente abstractas.

No hay una narrativa especificada, solo una serie de sugerencias que implican la exploración de las consecuencias destructivas de la búsqueda desenfrenada del deseo hasta la depravación. Se explora la imaginería asociada con el atractivo sensual de la bebida, la danza, la música, las joyas, el perfume y las finas ropas, junto con una serie de significados simbólicos asociados con la luna, la enfermedad, la noche, la religión - por supuesto - la muerte. Hay un tono general de nostalgia y arrepentimiento por el amor perdido, la felicidad y la patria. Aunque algo de esto se transmite en las útiles traducciones y textos paralelos proporcionados en el programa, lo que ahora perdemos por completo es la manera en que esta obra está destinada a ser tanto una celebración como una subversión del género popular del melodrama – texto hablado con un acompañamiento instrumental. Conocemos el melodrama, si acaso, como un precursor importante de la música de cine; pero lo que Schoenberg está haciendo aquí es tomar un género cansado y complaciente de autocomplacencia burguesa y remodelarlo como un vehículo atrevido para el Expresionismo Alemán.

Por consiguiente, cualquier intento de reinterpretar este trabajo necesita recuperar un sentido de dirección y riesgo en los actos de comunicación emocional que se encuentran en su núcleo, y aquí la concepción del Director Artístico, Leo Geyer, y el Director, Joel Fisher, funciona extremadamente bien. Los cinco instrumentistas se colocan en la parte trasera del espacio de actuación, y para cada uno de los 21 números hay una serie paralela de interacciones de ballet en el escenario. Estas ocurren ya sea entre la cantante, Emma Stannard, vestida al estilo contemporáneo como si acabara de salir de una pintura de Klimt, y Pierrot (Matt Petty), vestido con un mono blanco, o entre Petty y los otros dos personajes principales con los que se asocia a Pierrot en la tradición de la commedia dell’arte – Columbina (Amelia O'Hara) y Cassander (Peter Moir), o solo Pierrot. Cada uno de estos movimientos se centra no en una definición narrativa, sino en definir la emoción que es el núcleo de cada poema. Esto resultó ser genuinamente iluminador y con buen gusto, sin imponer interpretaciones. Pierrot es una obra difícil de llevar a cabo en concierto, y mucho menos en forma escenificada, y todos los intérpretes merecen un gran crédito. Stannard estaba completamente dentro del papel además de encima de las notas, y los instrumentistas fueron incisivos y precisos en su conjunto. Dentro de un espacio muy limitado, los bailarines, y Petty por encima de todo, esbozaron formas conmovedoras con habilidad técnica y rara gracia poética, mientras encontraban momentos de violencia y pérdida de control que externalizaban la naturaleza inestable e inaceptable del verso. El trabajo de Petty capturó con precisión el patetismo, el odio a sí mismo y la furia reprimida de Pierrot gracias a la coreografía de Alfred Taylor Gaunt, quien entendía perfectamente cómo interpretar esta obra a través del movimiento. Leo Geyer dirigió con autoridad y total dominio de una partitura inmensamente exigente. Aunque solo duró 40 minutos, esta primera mitad fue emocionalmente agotadora y era difícil imaginar cómo sería seguida, o incluso podría serlo. Sin embargo, la segunda mitad - una 'extravagancia circense' llamada Sideshows, con un texto de Martin Kratz ambientado con una partitura inspirada en el jazz de Geyer - fue un absoluto deleite. Geyer reapareció para dirigir el espectáculo vestido con traje completo de Maestro de Ceremonias, y los músicos se pusieron disfraz (en un caso, de arrastre) reapareciendo como Honker, Scraper y Mrs Scraper, y Tickler. La música fue, de hecho, tan intransigente para el oyente como la de Schoenberg, pero el ingenio, el brío y el estilo de los intérpretes, bailarines y la cantante (Rachel Maby) crearon los personajes de manera más económica. En rápida sucesión, fuimos testigos de payasos, una adivina, un oso bailarín que escapó de control, una serpiente que fue encantada muy eficazmente por el clarinetista Antanas Makṧtutis, y una niña artista, Delilah, con su madre barbuda. Las convenciones tradicionales del circo y del decoro del ballet y la orquesta fueron deliciosamente subvertidas mientras aún seguían las continuidades de carácter y estado de ánimo con la primera mitad de la velada.

Este espectáculo es una empresa colaborativa entre dos conjuntos distintos - Constella Ballet and Orchestra, por un lado, y Khymerikal, por el otro. Es una vindicación de la creencia de todos los participantes en la relación liberadora y mutuamente reforzante entre la danza y la música contemporánea. La sinergia y la colaboración interpretativa entre las dos formas de arte se manifestaron magníficamente en el proceso. La velada en su conjunto proporcionó un comienzo exquisitamente vigorizante para el Festival Grimeborn en el Arcola. Se nos ofrecieron nuevas ideas sobre una antigua obra que la hicieron parecer mucho menos intimidante y más accesible de lo habitual; y en la segunda mitad se dio rienda suelta al lado alegre y extravagante de la vida del payaso y el circo en una nueva obra. La tradición y su subversión, los dos principios rectores de Grimeborn, estuvieron en esta instancia en perfecto equilibrio.

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