RESEÑA: El jardín de los cerezos, Young Vic ✭✭✭✭

El Jardín de los Cerezos en The Young Vic. Foto: Stephen Cumminskey El Jardín de los Cerezos

Young Vic

23 de octubre de 2014

4 Estrellas

Debo confesar que tengo una larga historia con El Jardín de los Cerezos de Anton Chéjov. Junto con Hamlet, Macbeth y Hedda Gabler, El Jardín de los Cerezos es uno de los clásicos que he visto más veces, y no siempre felizmente. También fue objeto de estudio serio en la Universidad, donde una profesora un poco "excéntrica" nos hizo a mis compañeros de clase y a mí tumbarnos en el suelo e imaginar que éramos árboles de cerezo talados mientras nos leía el texto...

He visto versiones trágicas, cómicas, trágico-cómicas y versiones absolutamente absurdas de El Jardín de los Cerezos, pero puedo decir con seguridad que nunca he visto una versión como la que se presenta ahora en The Young Vic, adaptada por Simon Stephens y dirigida por Katie Mitchell.

Es oscura, incluso brutal, sin rastro de ironía que aligere las circunstancias sombrías que culminan con la destrucción del adorado Jardín de los Cerezos de la familia Gaev. Ambientada firmemente en el presente, esta versión carece de nociones lánguidas sobre el pasado, no dedica demasiado tiempo a las complejidades de los personajes y prefiere la sorpresa y el slapstick descarado a las formas más sutiles de hacer puntos. Hay poco sentido de la vieja versus la nueva Rusia, poco sentido del cambio de tradiciones y tiempos y menos complejidad en todo. Pero es radiantemente sombría, llena de personas frágiles y terribles que llevan vidas engañosas y deshonestas. De esa manera, es una reinvención convincente de la obra maestra de Chéjov.

Chéjov insistía en que El Jardín de los Cerezos era una comedia, pero su primer director, Stanislavski, la consideró una tragedia y la dirigió como tal. Chéjov estaba horrorizado, pero la visión de Stanislavski realmente ha coloreado todas las versiones que siguieron a la suya. Incluyendo esta.

Stephens ha acortado la obra considerablemente (esta dura unas 2 horas, sin intervalo; he visto producciones que duran más de cuatro horas) y ha tomado decisiones muy drásticas sobre los personajes. Yasha es un asesino egoísta y seductor; Lophakin, fundamentalmente codicioso e insincero; Charlotte, una maga activista feminista confrontacional; Simeón, un bobalicón con un aura de pretensión; Ranevskaya, más cortesana y pescadera que aristócrata desvanecida.

Mitchell ejecuta todo esto como una atleta olímpica, y el resultado es una sinfonía rápida y cuidadosamente compuesta de dolor, angustia y pérdida. Si bien aquellos que conocen El Jardín de los Cerezos pueden levantar una ceja o dos, el hecho es que esta adaptación se sostiene y cuenta una historia cautivadora sobre la fragilidad de la vida y la mecánica del dinero y la duplicidad. Es tan inusual como cautivadora.

¿Quién habría pensado que la estrella de una producción de El Jardín de los Cerezos sería el actor que interpreta a Firs, el anciano sirviente que es inquebrantablemente leal a la familia Gaev? Sin embargo, ese es el caso aquí.

La interpretación maravillosamente elaborada e increíblemente delicada de Gawn Grainger de una vida entregada al servicio es absolutamente sensacional, desde su primer arrastrar encorvado por el escenario, llevando el bolso de Ranevskaya, hasta su colapso en el suelo cuando se da cuenta de que la familia lo ha encerrado, condenándolo a muerte al partir hacia otros destinos. (En esta versión, el destino de Firs está sellado por las acciones deliberadas de Yasha en lugar de por un despiste, lo que, por supuesto, hace que ese destino sea tanto peor como mejor)

Grainger es simplemente perfección y su discurso sobre lo que solía hacerse con las cerezas del jardín permanecerá conmigo mucho tiempo, al igual que el doloroso momento en que se puso a cuatro patas para asegurar un taburete para su despreocupada señora. Su realización final y trágica de su destino es devastadora.

Tom Mothersdale es perfectamente vil como Yasha, el símbolo de la juventud rebelde, el futuro desenfrenado. Sus excesos son tan claros como su magnetismo. La extraña escena en la que él y Simeón cantan juntos en el Acto Dos es extrañamente poderosa. Mothersdale es como el Nick Cotton ruso, una bola de ira, poder sexual, azar y manipulación; el sentido de que la violencia está solo a un momento de distancia es profundo. Un joven actor a seguir.

Dominic Rowan, un actor realmente magnífico, está en una maravillosa forma como Lopakhin, aunque la forma en que Stephens ha concebido el papel limita la gama de emociones requeridas. Este Lopakhin no es muy agradable en absoluto y se regodea en su adquisición de la propiedad Gaev. La escena en la que destruye a Varya (dos veces) es realmente sombría, pero Rowan lo hace tolerable, comprensible y completo. Todo un logro aquí, con esta visión reducida y ligeramente retorcida del personaje.

Mucho puede salir mal con la interpretación de Leonid, el amante del billar, algo chiflado hermano de Ranevskaya, pero no aquí: Angus Wright establece brillantemente, y con precisión, a este hombre tonto y sus debilidades. Su discurso sobre el armario de 100 años fue oro puro. Al igual que su sentido de fracaso desalentador cuando regresó a la propiedad, ya que la subasta había entregado la propiedad de la familia a Lopakhin.

Como Varya, Natalie Klamar es hábil en transmitir el sentido del pragmatismo de su personaje, así como su sentido de romanticismo e aislamiento dentro de una familia que la trata más como a una sirvienta de confianza que como a un miembro querido. Su voz, llena de ricas posibilidades y un timbre cautivador, tiene un alcance total y transmite efectivamente los muchos estados de ánimo y pensamientos de Varya. El momento en que se da cuenta de que el hombre que ama/desprecia ha dado la custodia de la Propiedad al simplón Simeón es increíblemente conmovedor, envuelto en una realización dolorosa y desgarradora.

Encontré al eterno estudiante, Peter Trofimov (Paul Hilton), un tanto demasiado sombrío y hippie (al mismo tiempo) para ser el contrapunto originalmente imaginado por Chéjov y el papel de Anya parece de alguna manera reducido en esta versión, aunque Catrin Stewart estaba adecuadamente hermosa y principesca. Como Simeón, Hugh Skinner, quien parecía haber basado su actuación en el torpe Doctor Who de Matt Smith, era entrañablemente torpe y fuera de lugar, pero no mucho de su cómica payasada realmente impactó como podría.

Charlotte (Sarah Malin) parecía más un dispositivo de Katie Mitchell para el engaño que un personaje interesante por derecho propio. Sus trucos de magia en el Acto Tres fueron magníficos, bellamente realizados, pero era difícil entender una palabra de lo que decía ya que la dicción de Malin era espantosa. Su breve y tonta escena de desnudo fue tan redundante como su mordisqueo de un pepino fálico o su referencia a su vagina como su "tejón" - distracciones de valor de choque. Bastante inútil.

Hay buen trabajo por parte del resto del elenco (Boris de Stephen Kennedy es especialmente bueno) pero no mucho sobre la interpretación de Kate Duchêne de Lyubov Ranevskaya sonaba veraz. Más inmiscuida sexual que la grandeza antigua, desvanecida y tonta, más petulante e impulsiva que perdida en una niebla de incomprensión sobre sus circunstancias, más burda y común que elegante y culta, esta fue una visión muy diferente de este gran papel. No me gustó en lo más mínimo, pero eso no es todo culpa de Duchêne; ella entrega exactamente lo que Stephens y Mitchell querían. Sin embargo, no entiendo por qué eso era lo que se quería. El resultado es plano y bastante bidimensional. Tristemente.

El diseño de Vicki Mortimer es excelente y proporciona una sensación muy clara de la grandeza desvanecida de la otrora bulliciosa y elaborada propiedad. La iluminación de James Farncombe es muy atmosférica, aunque ocasionalmente las cosas son demasiado sombrías para permitir la claridad.

Los efectos de sonido de Gareth Fry son, en esa marca registrada desconcertante de Katie Mitchell, efectivos, aunque personalmente encuentro el sonido de un solo hacha cortando un sonido más inquietante, aterrador y profundamente trágico que el que hacen las máquinas modernas zumbando y arando los árboles hasta la desaparición. Pero el sonido casi apocalíptico que rompe el silencio en la Propiedad en el Acto Dos es realmente impresionante y el sonido amplificado de un tren avanzando rápidamente (las ruedas del tiempo y el movimiento girando) resulta un leitmotiv sorprendente, pero efectivo, para cambiar de escena.

Este es un experimento con Chéjov que en gran medida funciona. Nunca es aburrido y la intención tanto del adaptador como del director es clara y fielmente cumplida por el gran elenco talentoso. Pero tiene pocos puntos altos (ninguno que sea alegre o irónico, ciertamente) excepto en su oscuridad, sus aspectos de comedia negra y su sombría condena de aquellos que no se moverían con los tiempos. Mothersdale, Rowan y Wright acaparan la atención, pero definitivamente es el magnífico Firs de Gawn Grainger el que será el recuerdo duradero de esta producción.