RESEÑA: A Ritmo de Banda, Upstairs At The Gatehouse ✭✭

Julian Eaves reseña el musical Strike Up The Band de George y Ira Gershwin en el Upstairs At The Gatehouse.

El elenco de Strike Up The Band. Foto: Andreas Lambis Strike Up The Band

Upstairs at the Gatehouse

8 de marzo de 2019

2 Estrellas

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Las rarezas no son mucho más raras que esta: tras casi un siglo, Londres finalmente puede ver una producción profesional de la comedia musical de 1927 de George y Ira Gershwin, con un libro satírico y antibélico de George S. Kaufman, todo sobre un conflicto sin sentido entre EE.UU. y Suiza provocado por el controvertido tema del... queso.  Revivido notablemente para una producción en la década de 1990 en el Goodspeed Theatre, Connecticut, y para un par de versiones de concierto en EE.UU. desde entonces, el guion aún impacta con sus mordaces y relevantes ataques al belicismo americano en el extranjero y el neofascismo en casa (que reconocemos tan dolorosamente bien ahora en la era Trump), la obra original de Kaufman señala con claridad que, después de todos estos años, parece que no ha cambiado mucho.

Foto: Andreas Lambert

Si esto suena como un tema fuerte para mezclar con el mundo ligero y esponjoso de las melodías vivas de George y las rimas intrincadas de Ira, bueno, sí, lo es.  El espectáculo oscila hacia adelante y hacia atrás entre tonos y estilos con una imprevisibilidad desconcertante, tratando de encontrar un camino a través de la mezcla intensa y volátil.  Un momento, tenemos un conjunto gilbertiano, con melodías amontonadas unas sobre otras para crear una sensación de escala social.  Luego, obtenemos una típica rutina cómica de 'estilo vodevil' para un par de actores, llena de ocurrencias ingeniosas y payasadas.  Y luego, nos lanzamos a una crítica social contundente del tipo que Elmer Rice o Cliff Odets podrían haber escrito - o estar a punto de.  Hay muchos momentos en que no sabes si reír o llorar, y esto no hace la vida fácil para el equipo creativo o el elenco.

El director Mark Giesser ciertamente tiene algo de experiencia en material de este tipo, pero incluso él parece no saber cómo unir los elementos dispares y competitivos de esta extraña criatura, como ocurre con la coreógrafa Orley Quick, cuyo trasfondo parece apenas haberla preparado para saber qué hacer con un material tan idiomáticamente preciso.  A ello se suma que la mayoría del elenco tiene una experiencia limitada en manejar la comedia de este tipo particular y el equipo (si realmente han trabajado juntos como uno) de director y coreógrafo tiene solo un éxito parcial en enseñarles a descubrir cómo hacer que funcione en la actuación.  Además, la dirección a menudo es incapaz de ofrecer algo más que líneas rectas de actores, recitando sus diálogos, aparentemente mientras esperamos a averiguar qué diablos hacer después.  Con un tema tan desafiante, la sensación de que no hay una convicción general y convincente que impulse la producción se vuelve abrumadora.  A esto se suma el hecho de que parece haber habido un presupuesto lamentablemente inadecuado para la decoración, con los decorados desaliñados de Camille Etchart luciendo tristes y descuidados incluso en el espacio modestamente proporcionado del pub Gatehouse en Highgate.  Los trajes de Julia Scrimieri lo hacen mejor, pero solo resaltan el aspecto de 'obra escolar' de la producción.  La iluminación de Will Leighton podría haber ayudado a extender el mundo 'físico' que ocupa la presentación, pero no opta por hacer nada más que lo esperado y obvio.  Todo toma el aire de una actuación 'improvisada'.  Si puedes soportar esto, tal vez puedas llegar a disfrutarlo.

Foto: Andreas Lambis

Una área donde definitivamente se ha gastado dinero, y posiblemente demasiado, es en la banda.  Bobby Goulder tiene una gran banda de foso y el director ha decidido aprovechar este activo y colocarlos en el centro del escenario trasero.  Esto les permite ahogar lo que sea que los intérpretes canten frente a ellos (el diseño de sonido de Harry Emerson apenas les brinda apoyo), y las orquestaciones, una fascinante mezcla de partes originales de 1927 y las confecciones de Goulder para esta producción, les permiten hacerlo una y otra vez.  Los cantantes se ven obligados a forzar sus voces, a menudo jóvenes - aún desarrollándose - mientras se sumergen en la larga y ruidosa partitura.  Sientes cierta relajación cuando están en los grandes números corales (que son magníficos, este está lleno de hermosa música de Gershwin), pero igualmente, realmente sientes su dolor en casi todos los otros números.  Ah, las cosas no se ven ayudadas por el tiempo de ejecución de la producción anunciado de 1 hora y 50 minutos, incluido un intermedio, cuando - en verdad - dura casi una hora más: algo a tener en cuenta al planificar tus visitas al baño!

Entonces, en medio de todos estos (muy cuesta arriba) desafíos, ¿cómo le va al elenco?  Estoy bastante seguro de que las decisiones que han tomado han sido todas autorizadas (al menos) por el director.  Richard Emerson nos ofrece una caracterización de un solo matiz como el rey del queso estadounidense, Horace J. Fletcher, que rápidamente aburre y luego gradualmente irrita.  Beth Burrows probablemente sale mejor de todos con un papel que tiene más carácter dramático, la hija del agro-industrial, Joan Fletcherd, pero nuevamente se ve obligada a balancearse salvajemente entre estados de ánimo opuestos.  La otra mitad del principal interés amoroso de Paul Biggin, Jim Townsend, hace un esfuerzo enérgico en soldar los elementos contradictorios de su papel, pero es una tarea imposible para él, especialmente cuando se le pide que interprete a un peón débil y humillado, no es un personaje fácil de simpatizar.  Pippa Winslow es una de las intérpretes más experimentadas del equipo, pero nuevamente da la impresión de siempre estar haciendo lo que el director ordena en lugar de hacer la comedia suya (de lo cual estoy seguro es más que capaz).  Como la soubrette, Anne Draper, Charlotte Christensen es vivaz y estoy seguro de que sería aún más atractiva si pudiéramos escuchar más de lo que canta.  Interpretando a su lado, Adam Scott Pringle parece todo lo que un juvenil debería ser, pero - nuevamente - está agotado por tener que luchar contra esa banda.  Dos intérpretes más experimentados, Robert Finlayson (como el autoritario Coronel Holmes) y Nicholas McBride (como C Edgar Sloane), están tan paralizados como parece estar casi todos los demás, al igual que el dulce y desafortunado Bob de Sammy Graham.

Foto: Andreas Lambis

No obstante, solo de toda la tripulación, la única persona que parece haber captado la esencia peculiar y extraña de la comedia aquí es George Spelvin de David Francis: su dominio de múltiples personajes y chistes continuos es seguro y ágil; también tiene la suerte de que el guion nunca le exige hacer cosas en rápida sucesión que sean el polo opuesto entre sí - una suerte muy favorable - ni tiene que cantar mucho.  ¡Qué afortunado!  Cuando está en el escenario, por lo tanto, puedes sentarte y disfrutar de la producción, contemplando lo que podría haber sido, si hubieran tenido un mejor guion, director, diseñador, director musical, coreógrafo, y demás.  Es realmente una mala suerte para el resto de los demás, que, sin culpa propia, tienen una lucha casi constante en sus manos.

Entonces, ¿vale la pena?  Para las personas que insisten absolutamente en llenar huecos molestos en su conocimiento enciclopédico del teatro musical, entonces lo es - en equilibrio - vale la pena la sentada.  Si solo estás buscando una noche divertida, puedes encontrar esto un tanto por debajo de las expectativas.  Upstairs at the Gatehouse, especialmente en las producciones de la compañía residente Ovation (de la cual esta definitivamente NO es una rama), tiene una reputación fantástica por llevar producciones de pequeña escala de calidad a una base de fans interesada y educada.  Esta, en su conjunto, probablemente sea una de la que preferirían no hablar mucho.

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