RESEÑA: Sir John In Love, British Youth Opera, Opera Holland Park ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser critica Sir John in Love de Vaughan Williams, interpretada por British Youth Opera durante una breve residencia como compañía invitada en Opera Holland Park.

Foto: Alastair Muir Sir John in Love

British Youth Opera

Opera Holland Park

25 de agosto de 2022

4 estrellas

Sitio web de British Youth Opera El telón cae este año en Opera Holland Park con una breve residencia como compañía invitada de British Youth Opera, que realiza un trabajo muy importante —aunque a menudo infravalorado— formando a las próximas generaciones de profesionales de la ópera en este país: no solo a los cantantes, sino también a los músicos de la orquesta y al personal técnico. Fue una velada doblemente placentera porque además ofrecía una rara oportunidad de escuchar Sir John in Love de Vaughan Williams, que tuvo una destacada representación en la ENO en 2006, pero pocas veces desde entonces.

Foto: Alastair Muir

Fue una elección audaz por parte del compositor explorar el mismo territorio que Verdi apenas treinta años después; pero, en realidad, esta es una aproximación bastante distinta a la historia de Falstaff frente a la cuidadosa construcción, por capas, que Boito armó a partir tanto de las obras de Enrique IV como de Las alegres comadres de Windsor. Vaughan Williams se ciñe mucho más a esta última y añade además textos de otros autores contemporáneos. Como resultado, el libreto acaba siendo una mezcla bienintencionada, de aire “tudorbethano”, con algunos momentos de humor involuntario. Tiene más acierto cuando sigue su predilección por la canción popular e incorpora muchas melodías modales de la época con sus letras originales. La partitura orquestal más amplia está densamente orquestada y reúne todos los elementos familiares del universo sonoro maduro del compositor: un pastoralismo exuberante —con un precioso interludio basado en «Greensleeves»—, una escritura coral vigorosa y de gran densidad, episodios laterales siniestros y delicados espacios de melancolía reposada y fantasía.

Foto: Alastair Muir

Dado que la historia es tan conocida y que el humor de Las alegres comadres es más bien amplio que sutilmente cómico, una producción que quiera impresionar necesita ritmo, una dirección coherente de las numerosas escenas de conjunto y una interpretación creativa y dinámica por parte de los protagonistas. Si no, aunque nunca sea menos que un trabajo bien hecho, el impulso dramático de la partitura puede decaer. El director Harry Fehr y la directora musical Marit Strindlund empujan la acción hacia delante de forma admirable y aprovechan al máximo los amplios espacios de Opera Holland Park. Una escenografía minimalista y flexible sugiere lo suficiente los interiores, y el vestuario y los diseños de iluminación combinan con acierto, especialmente al evocar el bosque de Windsor para el desenlace. Pero, inevitablemente, con un reparto joven, la interpretación detallada de carácter necesaria para que los distintos papeles cobren vida estuvo solo presente de manera intermitente.

Foto: Alastair Muir

Aun así, gran parte del canto fue realmente impresionante. Hay dos repartos y los comentarios que siguen se refieren únicamente a la función del 25 de agosto. Conrad Chatterton, como el caballero orondo, mostró una fanfarronería y bravuconería de sobra, aunque quizá necesitó encontrar algo más de astucia taimada. Philip Costovski, Toki Hamano y Armand Rabot, como sus compañeros lascivos, disfrutaron todos de buenos momentos en solitario, y las parejas centrales —los Ford y los Page— estuvieron muy equilibradas vocalmente. Nancy Holt fue una Mistress Quickly especialmente briosa, y hubo un excelente trabajo de Justin Jacobs como el Dr Caius, Joshua Saunders como el juez Shallow, James Micklethwaite como su sobrino Slender y Emyr Lloyd Jones como el párroco: papeles todos ellos mucho más desarrollados aquí que en la versión de Verdi. Clara Barbier Serrano y Sam Harris afrontaron con seguridad la música, radiante y exigente, de los jóvenes enamorados, Anne y Fenton.

Foto: Alastair Muir

La interpretación orquestal también fue notable. Un poco más de tiempo de ensayo sin duda habría afinado el equilibrio sonoro entre el foso y el escenario y evitado algunos problemas de sincronía; pero, por lo demás, fue una ejecución segura de una partitura compleja, con un sonido rico y confiado en todas las secciones, especialmente en los diversos interludios que cubren cambios de escena esenciales. La directora musical Marit Strindlund manejó los grandes clímax y algunas transiciones complicadas con auténtica destreza.

Fue una excelente elección de ópera como ejercicio formativo: hay muchos papeles de tamaño moderado que aportan una experiencia valiosa, y una buena proporción de los personajes también son jóvenes. Hay mucha actividad escénica que sacar adelante para pulir el talento de los regidores, y la paleta orquestal requerida es variada, con abundantes puntos de desarrollo sinfónico en los que la orquesta es, en esencia, un personaje dentro de la acción; algo, de nuevo, muy útil para que los músicos lo interioricen.

Para el público, fue una oportunidad poco frecuente de escuchar una obra infravalorada que formaba parte importante del ideario general del compositor: que la música inglesa debía nutrirse de materiales ingleses —tanto de la historia como de la tradición de la canción popular— en lugar de seguir modelos continentales. En conjunto, una velada absorbente y plenamente satisfactoria.