RESEÑA: Otelo, Teatro Real de Shakespeare ✭✭✭

Othello

Teatro Royal Shakespeare

11 de julio de 2015

3 Estrellas

El actor Steven Berkoff ha causado revuelo recientemente al lamentar la práctica actual en el teatro que considera el papel titular de Othello de Shakespeare como fuera de los límites para un actor de piel blanca. En una era donde el casting sin distinción de color y género se considera la mejor práctica, parece difícil argumentar en contra su punto de vista, si es que alguien se inclina a hacerlo. Si no se supone que nadie se altere si Hamlet o Enrique V no son interpretados por un hombre blanco, ¿por qué debería alguien alterarse si Othello es interpretado por un hombre blanco? Si no se supone que nadie se altere cuando el Duque de Venecia en Othello es interpretado por una mujer, ¿por qué debería alguien alterarse si Othello es interpretado por un hombre blanco? Si no se supone que nadie se altere si una de las hijas de Lear es interpretada por un actor negro, ¿por qué debería alguien alterarse si Othello es interpretado por un hombre blanco?

La única pregunta que debe hacerse con relación al casting, sin importar la raza, género, edad, color de cabello, acento o cintura que tenga un actor, es simplemente: "¿es este actor la mejor persona disponible para interpretar este papel?" Si lo son, elíjanlos. Si no lo son, no los elijan. No debería haber roles que estén fuera de los límites para categorías particulares de actores - que los actores actúen.

Actualmente en escena en el Teatro Royal Shakespeare en Stratford Upon Avon está la última revivificación del RSC de Othello, dirigida por Iqbal Khan. Protagoniza a dos actores negros en papeles principales: Hugh Quarshie como Othello y Lucian Msamati como Iago.

La elección de Quarshie merece alguna reflexión. En 1999, publicó un ensayo acerca de Othello que incluía esta línea:

"De todos los papeles en el canon, quizás Othello es el que definitivamente no debería ser interpretado por un actor negro."

Sus opiniones se centraban más en las convenciones racistas acentuadas por las interpretaciones de actores negros más que en si sólo los actores negros debían interpretar a Othello. Continuaba:

“Mi sensación es que los actores negros deberían continuar interpretando el papel; las convenciones racistas han persistido por tanto tiempo precisamente porque no muchos de nosotros hemos interpretado el papel y desafiado las convenciones. Y creo que una interpretación no racista puede ser posible."

Creía que Othello debía impulsarse por “razones psicológicas, sociales y políticas convincentes:… (ya que) se comporta como lo hace porque es un hombre negro respondiendo al racismo, no dándole un pretexto” y quería “producir una versión de la obra que desplace el enfoque más allá de la raza y hacia el carácter”.

No parece que Khan y Quarshie estuvieran de acuerdo sobre cómo interpretar a Othello, porque la actuación que Quarshie ofrece en el Othello de Khan no es una impulsada por razones psicológicas, sociales y políticas, ni hay un enfoque en el carácter: es, sin embargo, con diferencia, la interpretación más aburrida de Othello que he visto.

Othello es un personaje maravilloso: un guerrero, un líder, un animal político, un hombre, un amante. Para que la obra tenga éxito, la audiencia necesita ver en Othello lo que Desdemona ve, lo que el Duque ve, de lo que Iago está celoso, y lo que Cassio respeta: la grandeza de Othello debe brillar a través de su actitud, su porte, su habla, su estatura. Sólo cuando tienes un Othello con esas cualidades, un lustre profundo, puedes tener cualquier clase de tragedia, que puedes sentir el desprecio que tanto Brabantio como Iago sienten por Othello.

Quarshie está en tremenda forma física y aporta cierta gravedad taciturna a las reuniones, pero Othello es un hombre de acción y pasión, y casi no hay indicio de eso en la actuación de Quarshie. Su relación con la curiosamente insulsa Desdemona de Joanna Vanderham es incómoda y tensa; no hay sentido de un romance real y grande entre los dos. Este Othello es demasiado simple, demasiado ordinario, para sostener y alimentar la ira celosa que da lugar a una muerte.

Lucian Msamati como Iago apenas es mejor. La sutileza no es una palabra clave para esta actuación; este Iago es un lunático desquiciado, mejor resumido por el momento cuando obtiene lo que quiere y luego se pasa tiempo golpeando la tapa de un cofre, largo y fuerte. Parece mentalmente inestable, de una manera de asesino con hacha. El problema con esto es que, para que el drama funcione, Iago debe parecer confiable y leal: Msamati lleva su odio y desprecio a la vista; por qué alguien confía en él es incomprensible. Si Iago es meramente un psicópata amoral que odia a todos, la intensidad casi asfixiante del drama que escribió Shakespeare nunca cobra vida.

Msamati se come muchas palabras, por lo que más de una cuarta parte de lo que dice se pierde. Para un papel que tiene la mayoría de las líneas y lleva la mayor parte de la trama, esto es una seria deficiencia. Por darle su crédito, Msamati extrae una cantidad de humor del texto, lo cual es refrescante, y sus escenas con el colaboracionista Roderigo de James Corrigan son bastante buenas.

De hecho, tal vez la culpa no esté en las estrellas, sino en la dirección. Khan parece adoptar un enfoque de terreno medio imposible hacia el texto, que no recompensa a nadie, ni al elenco ni a la audiencia.

Hay una claridad en la narración general que es admirable, pero los puntos altos de la producción, los momentos clave, se ven empantanados por una necesidad de ser "modernos". Hay, por ejemplo, una sección incomprensible que evoca el waterboarding y la tortura asociada con la Bahía de Guantánamo - por qué alguien pensó que esto era necesario, o deseable, escapa a mi comprensión. No sirve más que como una distracción discordante de la trama de Shakespeare. Esa trama es tan relevante y oportuna ahora como lo fue cuando fue escrita por primera vez; solo necesita una representación adecuada. No necesita "volverse relevante". Es relevante. Ciertamente no es mejor - de ninguna manera - por el extraño espectáculo de Desdemona luciendo casualmente un taladro usado en sesiones de tortura.

Pero lo que logra esta secuencia de tortura interpolada es una disminución de la estatura de Othello. La tortura, especialmente la tortura extrema, no es parte del arsenal de un héroe. Al agregar esta escena de waterboarding, Khan sugiere que Othello justifica este comportamiento, o peor, lo practica él mismo. ¿Qué tan oscuro ve Khan el alma de Othello?

Khan no logra llegar a los resonancias emocionales de la obra. Las motivaciones no son claras; qué impulsa la disensión es desconocido; las lealtades, pasiones y miedos permanecen en gran medida inexplorados. El racismo está definitivamente en juego, así como el verdadero sentido de que Othello es un forastero. Pero si hay algún frisson especial que ganar al tener actores negros interpretando tanto a Othello como a Iago, no es evidente en esta producción. Más implacablemente, nunca queda claro por qué exactamente Iago hace lo que hace.

Hay muchas posibilidades para lo que motiva a Iago a destruir a Othello y Desdemona; aquí, parece reducirse a poco más que "¿Quién es ese tipo negro advenedizo para pensar que es mejor que yo?" Dado que este Iago tiene una reacción similar hacia Cassio (en su caso, "¿Quién es ese tipo blanco advenedizo para pensar que es mejor que yo?"), el estatus de Othello como un moro negro queda casi irrelevante.

El mejor trabajo proviene de Cassio "soldado clásico capaz de estar junto a César" de Jacob Fortune-Lloyd y Emilia la cautelosa de Ayesha Dharker. Fortune-Lloyd presta verdadera atención al texto y esto da buenos resultados: su discurso "Mi reputación" fue el primer momento de verdadera pasión en la obra, su fusión de carácter y discurso fue magistral. Su buena apariencia y físico de soldado lo hicieron el tipo perfecto de imagen de cartel, pero su inteligencia brilló intensamente. La belleza y la vigilancia silenciosa de Dharker hicieron de su esposa de Iago una criatura natural en las sombras. Dónde estaban sus lealtades nunca fue cierto - algo bueno, porque Emilia tiene una calidad voluble que es esencial para las maquinaciones de la trama. Cada uno aprovechó al máximo cada segundo en el escenario y a menudo transmitieron mucho mientras permanecían en silencio: el desconcierto de Cassio con las demostraciones públicas de afecto; la desaprobación de Emilia no articulada pero clara en sus fulgurantes ojos. Adornos inteligentes a actuaciones hábiles.

Nadia Albina es muy efectiva como el Duque de Venecia y James Corrigan saca algo de muy poco como Roderigo, el primero en ser engañado y usado por Iago. Estos roles pueden, y a menudo son, fácilmente desechados pero tanto Albina como Corrigan dejaron una impresión memorable. Lo mismo hizo Brian Prothero, pero el suyo fue del tipo indeseado: su Brabantio fue completamente sin vida, vocalmente aburrido y casi cómico en su espantosa interpretación. (Aunque tuvo unos grandes disfraces)

Los disfraces (Fotini Dimou) parecían la característica definitoria para Joanna Vanderham quien parecía tomar su iniciativa para su interpretación de Desdemona de la interpretación de Prothero de su padre. Ataviada, y con movimientos torpes, como una especie de modelo de moda bizarra, una criatura que se podría ver acechando en el fondo en Juego de Tronos (mi acompañante observó con ironía esto), todo sobre esta Desdemona sonaba falso. Se le prestó poca atención, y con movimientos torpes, parecía un tipo de modelo extraño de una pasarela, una criatura que uno podría ver acechando en el fondo de Juegos de Tronos (esto fue observado con ironía por mi acompañante), todo acerca de esta Desdemona resultaba falso. La escasez de su atractivo, de su atractivo intangible, que hace comprensible que las maquinaciones que giran a su alrededor, y que la envuelven. Aquí, por desgracia, la pregunta era quién la estrangularía primero.

Hay buen trabajo en el conjunto, particularmente de Jay Saighal, Owen Findlay, David Ajao y Rina Mahoney.

El escenario de Ciaran Bagnall es bastante delicioso. Bagnall utiliza plataformas móviles con facilidad y estilo: la primera escena, cambiando del suelo alicatado a un pasillo acuoso, es un buen ejemplo. El arco que establece el tono para la escena de apertura está agrietado en el centro, un reflejo inteligente del mundo de Othello. En todos los sentidos, el set era bello de ver.

Esta es una producción curiosa de Othello. Uno consigue los huesos de la historia, claramente, pero la carne, el tuétano, el corazón - todo lo cual depende de los personajes ricos del trío central y de la forma en que los actores abordan sus motivaciones, miedos y sentimientos tumultuosos - es escaso. Como dice Othello: "Ciertos hombres deberían ser lo que parecen". En el caso de Othello, un sombreado intelectualmente superior y un pasional ser, pero una vez más, lo que se supone, lo que se necesita, está asombrosamente ausente. Lo que falta no es apariencia, es actuación.

Othello se presenta en el RSC hasta el 28 de agosto de 2015