RESEÑA: Madres e hijos, Teatro Golden ✭✭✭

Bobby Steggert, Frederick Weller, Grayson Taylor, y Tyne Daly. Foto: Joan Marcus Mothers and Sons

Teatro Golden

20 de abril de 2014

3 Estrellas

Siempre se admira una experiencia teatral que puede ser tanto entretenida como instructiva; una que puede arrojar luz sobre un aspecto particular de la interacción humana y hacer que brille con una persistencia que exige atención. Esto se puede lograr de varias maneras: gran actuación, gran dirección, gran guion, incluso gran casualidad.

Ahora en el Teatro Golden de Broadway se está presentando Mothers and Sons de Terrence McNally (oficialmente, no hay mayúsculas en los títulos y la conjunción coordinada está en cursiva; cualquier conjetura sobre el por qué es bienvenida), una producción que utiliza un faro en una visión retrospectiva (en su mayoría) de amor, vida y muerte en el momento del inicio pánico y mortal del sida.

Katherine fue madre de Andre, quien amaba y vivía con Cal durante 6 años hasta la lenta y dolorosa muerte de Andre por sida. Katherine nunca conoció a Cal hasta el servicio conmemorativo de Andre, y no le habló allí. Después de 8 años de soledad / angustia, Cal conoció a Will, quince años menor que él, y se amaron, se casaron y finalmente tuvieron un hijo, Bud, que ahora tiene seis años.

De la nada, Katherine llega inesperadamente al apartamento de Cal y Will junto a Central Park. Se ha quedado viuda recientemente y está camino a Europa y quiere devolverle a Cal el diario de Andre, un tomo que no ha leído y que Cal, quien tampoco lo leyó, le envió después de la muerte de Andre.

La obra comienza con Katherine y Cal mirando en silencio, severamente en el caso de Katherine, y tontamente en el caso de Cal, hacia Central Park (la audiencia). Es una imagen de apertura impactante y prepara el escenario para el mirar sin ver que seguirá como una cascada.

Aunque en realidad tienen más en común que la mayoría de los conjuntos de dos personas, ya que ambos vivieron y amaron a Andre de manera incondicional y sin compromisos, ambos se esfuerzan por no ver la posición de la otra persona. Y el camino que toma la obra es examinar esas posiciones de manera brutal e implacable, salpicado de momentos de humor avispado o ingenuo.

El problema es que hay mucho más en esta situación y en la psicología subyacente de estos personajes de lo que sugieren los debates a veces banales que tienen. Gran parte del dolor y la complejidad de estos dos personajes no se explora en el guion.

En parte, parece ser porque McNally está escribiendo una especie de Oda a los que se perdieron y al sufrimiento de los que sobrevivieron a esa horrible época de los años 80 y 90. Si hay alguna duda, se disipa cuando Will declara abruptamente uno de sus miedos al hablar con Katherine sobre esa época, una época que él no vivió:

“Primero será un capítulo en un libro de historia, luego un párrafo, luego una nota al pie. ... Ya ha comenzado a suceder. Puedo sentir que está sucediendo. Todos los bordes crudos del dolor se han embotado, muerto, drenado.”

El resultado es una serie de viñetas, fragmentos de la batalla entre Katherine y Cal sobre quién lastimó más a Andre o quién no lo amó lo suficiente, yuxtapuestos entre el odio de Will al fantasma omnipresente de Andre y su deseo esencialmente maternal de calmar aguas turbias. Y contra todo esto está la dulzura, apertura y naiveté no juzgar de Bud, de seis años, quien simplemente ama porque todo lo que ha conocido es amor incondicional y absoluto.

No es coincidencia que McNally haya fijado la edad de Bud en seis años. Bud ha vivido tanto tiempo como Cal y Andre estuvieron juntos. Para Katherine, él se convierte en la encarnación viva de su amor, aunque no es el hijo de Andre. A pesar de sí misma, quiere que Bud tenga algo de Andre en él. La última y desgarradora imagen congelada de dolor insoportable - las luces se atenuan y Katherine, desolada y desesperada, mira al beatífico Bud y hacia sus amorosos padres, quienes están abrazados en el sofá, mirando hacia el parque que se oscurece, mientras la pieza favorita de Mozart de Andre suena - ve a Katherine darse cuenta de que sus decisiones, sus palabras la han llevado a un lugar donde nunca será parte de la familia de nadie nuevamente.

Pero a pesar de muchos momentos de verdadera angustia y sincera participación emocional, la obra nunca realmente se coagula como una obra. La escritura no permite que los personajes sean humanos totalmente realizados y la actuación no puede compensar eso, a pesar de ser, en la mayoría de los casos, de primera clase.

Deteniéndonos un momento, el uso de la palabra "madres" en el título merece cierta reflexión. Al principio, parece extraño, porque Katherine es madre solo de Andre. No pasa mucho tiempo antes de que quede claro que, le guste o no, también ha sido una "madre" (aunque no una maternal) para Cal y se vislumbra la posibilidad de que podría ser una "abuela" para Bud. A medida que avanza la obra, se revela que tuvo otro hijo, uno que también desechó al tomar una decisión, aunque una decisión marcadamente diferente. Finalmente, Will también es una "madre" para Bud: habla casi poéticamente sobre el proceso de nacimiento y crianza, es quien proporciona el cuidado principal a Bud y trabaja desde casa. Así que, curiosamente, McNally juega de manera provocativa con el concepto de "madres".

Lo que esta obra necesita es más conectividad, más explicación, más comprensión de los personajes, sus motivaciones, miedos, arrepentimientos y deseos. No es que todo deba explicarse; más bien, hay una riqueza no explotada en las historias y vidas entrelazadas de estas cuatro personas.

Por ejemplo, Will tiene solo un breve intercambio para transmitir la profundidad de su antipatía por el recuerdo de Andre. No es suficiente. Esto es especialmente cierto cuando es Will quien finalmente lee pasajes del diario que es la piedra de toque de la motivación de Katherine para ponerse en contacto con Cal. Otro ejemplo surge cuando Cal roza pero no explora o explica las circunstancias bajo las cuales Andre se infectó. El público nunca sabe si Cal fue traicionado o si permitió el trabajo extra de Andre. En ambos ejemplos, y hay muchos más, McNally deja el terreno sin labrar, prefiriendo inmortalizar el progreso hecho en el reconocimiento de las parejas homosexuales en la sociedad antes que airear la ropa sucia, y las motivaciones y características ocultas de los personajes.

No se exploran temas como: por qué Katherine nunca contactó a Andre después de que enfermó; por qué Cal no contactó a Katherine cuando Andre enfermó; por qué ni Katherine ni Cal se oponen a que Will lea el diario a pesar de que ambos lo consideraban sagrado; por qué Katherine no puede ver que Andre refleja su propia vida en el sentido de que huyó del lugar donde fue criado tan pronto como pudo.

Realmente es una oportunidad perdida, porque las nociones subyacentes y las posibilidades que ofrecen los personajes podrían dar lugar a una noche eléctrica de teatro.

Lo que hace que todo parezca mejor de lo que realmente es, simplemente, Tyne Daly.

Ella es abrumadoramente buena como la frágil, maliciosa, autojustificada y completamente incomprensiva única sobreviviente de su familia. Ella hierve de furia apenas contenida pero también de dolor: profundamente grabado, profundamente sentido y, a su manera de ver, profundamente inmerecido. Nunca ve la forma en que contribuyó a su propia situación espantosa y su resentimiento de décadas hacia Cal, simplemente porque amaba a su hijo, la envuelve como un sudario. Con una voz dos tercios Ethel Merman y una parte Evangelista, Daly domina el escenario.

Es en los silencios, los momentos en que se queda sola en escena, desconcertada, confundida, indignada, alienada donde realmente brilla. Con la boca abierta y ojos fulminantes, comunica el horror de la situación de Katherine con una claridad aguda y casi una especificidad demoníaca. Es maravillosa.

En mi opinión, las mejores escenas de la obra son sus varios enfrentamientos con Will de Bobby Steggart. McNally le da poco tiempo en el escenario a Will y no mucho para decir, es más reactivo que proactivo. Pero Steggart aprovecha al máximo lo que se le da, proporcionando un ejemplo de libro de texto de cómo hacer "algo de nada". Uno de los grandes fallos aquí es que no hay más exploración del personaje de Will.

Como Bud, Grayson Taylor es encantador y alerta, lleno de calidez, irradiando aceptación. Pequeño, rubio y asertivo, eleva el espectáculo cada vez que aparece.

Curiosamente, el mejor papel masculino escrito, el que tiene capas, problemas ocultos y esquinas afiladas, es el interpretado aquí por el actor menos talentoso. Frederick Weller, cuyo cuerpo y cara parecen perpetuamente tensos (de la misma manera en que el cabello de Felix estaba en The Odd Couple) nunca se acerca a desentrañar la profunda complejidad que es Cal. Sale mal parado de cada encuentro con Daly y Steggart y eso no debería ser así.

Cal fue elegido por Andre. La audiencia, y Katherine, necesitan ver por qué fue así, pero hay poco de encantador, atractivo, simpático o seductor en la actuación de Weller. Mientras Steggart logra hacer creer en la unión Cal/Will, nada de lo que hace Weller añade a esa convicción. No hay sentido de los detalles minuciosos de vidas vividas juntas durante once años, ninguna introspección, ninguna consideración por los demás - realmente ningún sentido - en absoluto - de una persona compleja con un corazón palpitante, amantes acres de ansiedad no resuelta, miedo y odio.

Weller pierde oportunidad tras oportunidad. Parece no notar la atención al detalle con la que Daly y Steggart animan sus personajes. Es profundamente decepcionante.

Esta no es una gran obra. Pero es teatro importante. Sus temas, tópicos, armonías subyacentes y resonancias son importantes y valiosos que deberían debatirse en noches de teatro accesibles y entretenidos. Como esta.

La pareja mayor a mi lado se mostró muy incómoda durante la mayor parte de la presentación. Al final, él le dijo a ella "¿Quién sabía que les importaban los niños?" Ella respondió: "Vamos a tomar una copa. (Pausa) No son perros, ya sabes." Los miré reprobatoriamente mientras pasaban a mi lado.

Pero luego pensé que al menos esta producción los había iluminado en una pequeña forma.

Y eso, y la memoria permanente de aquellos horribles años en los que el sida devastó el mundo, es más que suficiente justificación para el trabajo de McNally aquí, por más defectuoso que pueda ser.

Mothers and Sons vale la pena ver, porque provocará preguntas y discusión; no porque sea una gran obra.