RESEÑA: Machinal, Teatro Almeida ✭✭✭

Julian Eaves reseña la obra de Sophie Treadwell, Machinal, que se presenta actualmente en el Teatro Almeida.

El elenco de Machinal en el Teatro Almeida. Foto: Johan Persson Machinal

Teatro Almeida

11 de junio de 2018

3 Estrellas

Reserva Ahora 'Machinal' es una de las obras más emocionantes e interesantes del teatro expresionista americano, rompiendo las reglas del drama convencional a raudales y llevándonos profundamente a las vidas desdichadas de sus personajes simples y a menudo inarticulados, con su combinación de franqueza directa, claridad atrevida y sorprendentemente hábil escenificación. Escrita por la injustamente olvidada Sophie Treadwell en 1928, aunque claramente debe mucho a 'The Adding Machine' de Elmer Rice de unos años antes, especialmente en el retrato que pinta de las vidas de 'pequeñas personas' en un mundo urbano mecanizado y anónimo, donde la individualidad cuenta tan poco que se ha vuelto realmente insignificante, este drama refuerza su mensaje al considerar lo que significa ser mujer en una sociedad aparentemente dirigida por y para hombres.  La obra se representa ocasionalmente en este país; la vi hace un par de años en Londres, realizada de forma excelente por la clase de graduación de drama en Kingston College. Cuando escuché que el Almeida la estaba reviviendo, las expectativas eran altas.

Kirsty Rider en Machinal en el Teatro Almeida. Foto: Johan Persson

Y hay mucho en la apariencia de esta producción que recompensa la expectativa entusiasta.  El diseño escénico de Miriam Buether -iluminado con destellos de intensidad por Jack Knowles- es un mundo profundamente sombrío y claustrofóbico: su escenario inicial de oficina de la década de 1920 con filas de escritorios reflejados y duplicados por un espejo colgado sobre ellos a 45 grados (permanece toda la noche), recuerda inmediatamente los diseños inolvidables de Gibbons y Gillespie para el logro culminante de King Vidor del mismo año en que se creó esta obra, 'La Multitud'; el gesto expresionista parece muy acertado, al igual que el diálogo errático, roto y superpuesto de la escena de apertura, con su escritorio vacío esperando ser llenado por.... bueno, ¿quién? ... ¿o qué?

Kirsty Rider, Emily Berrington, Dwane Walcott y Alan Morrissey en Machinal. Foto: Johan Persson

Por Emily Berrington.  Ella interpreta el papel de 'Una Mujer Joven', que es aproximadamente la cantidad de personalidad que el guion reconoce en su personaje: nos damos cuenta de que ya la hemos visto en una impresión fugaz de un vagón de metro abarrotado, o tranvía, donde los cuerpos están juntos y una hermosa rubia estilo Jean Seberg, sufre en medio de ellos, con su cara en un gesto de desaprobación - ¿o es un puchero de desagrado?  De cualquier manera, lleva su misma cualidad de antipatía amargada a su aburrido trabajo de oficina, donde su incapacidad para 'unirse' al grupo la convierte inevitablemente en el blanco de burlas y bromas hostiles.  Y esa es la primera verdadera sorpresa en esta producción de Natalie Abrahami: del espectáculo anterior, no tenía ninguna impresión de que esta persona, quien debería percibirse como la protagonista de la obra, fuera una criatura débil o pasiva.

Emily Berrington y Jonathan Livingstone en Machinal. Foto: Johan Persson

Y sin embargo, a medida que avanza la escena, parece que eso es exactamente como Abrahami desea que se la vea.  Ella está soltera, y es el objetivo de su jefe, un poco depredador, que no puede esperar para tenerla sola en su oficina para un poco de dicción extra.  Cuando eso sucede, y todavía estamos solo en la segunda escena de la obra, ya estamos reprimiendo el impulso de levantarnos en nuestro asiento y gritarle a esta rubia tonta: '¿Vas a dejar que ese tipo te hable así?  ¿Dónde está tu sentido del orgullo?'

Bueno, la respuesta a la primera pregunta es: Sí, lo está; y la respuesta a la segunda pregunta es: No tiene ninguno.  No tiene sentido de su propio valor, no de la manera en que Berrington interpreta y Abrahami la ha dirigido.  Sí, puede gemir y quejarse de su rol en la vida - ¿quién no lo hace? - pero lo hace, siempre, desde una posición de autocompasión quejumbrosa, sin una pizca de autosuficiencia.  Esto irrita.  Y eso parece extraño, para mí, que he visto a este personaje interpretado de manera radicalmente diferente en otra producción.  Me importaba - mucho - lo que le pasara a la Mujer Joven antes, porque mostró algunas cualidades humanas importantes que se le niegan aquí en este espectáculo: dignidad, autosuficiencia, fortaleza, perseverancia, calidez y esperanza.  Y verdadera ira, en lugar de las rabietas de un niño mimado.

Khali Best, Andrew Lewis, Emily Berrington y Nathalie Armin. Foto: Johan Persson

En contraste, en esta producción, Abrahami y Berrington parecen haberse propuesto impresionarnos con que le faltan todas estas dimensiones.  Bueno, si eso es así, ¿por qué deberíamos preocuparnos de lo que le sucede?  ¿Por qué debería importarnos?  Y, si no importa, ¿qué estamos haciendo en el teatro viéndola hacer un desastre de su vida?  ¿Ayuda a articular un punto de vista feminista?  ¿De verdad?  ¿Se comportan los hombres a su alrededor tan abominablemente con todas las mujeres?  No vemos a ninguna otra meterse en tales líos.  Así que el género apenas parece ser el tema clave aquí.  El egocentrismo perezoso y un enfoque frío hacia otras personas como si solo estuvieran allí para servir a sus propios propósitos parecen ser las características dominantes de la Mujer Joven, y son muy poco atractivas.  Cuando las cosas le salen mal, nos llevan más bien a concluir que ella prácticamente se lo ha buscado todo, y se merece un merecido correctivo.  El límite absoluto se alcanza cuando mata a su marido (Jonathan Livingstone), porque él se interpone inconvenientemente en el camino de estar con su amante (Dwane Walcott) - ambos, curiosamente, interpretados por actores negros - un asesinato por el cual nunca expresa el más mínimo remordimiento.  Sin embargo, enfrentada a la silla eléctrica, aumenta la apuesta en su campaña de quejas e importancia propia, rogando que la perdonen, como si nos importara.  No lo hacemos.

Si eso es lo mejor que Treadwell puede hacer, entonces no es de extrañar que la ignoren, concluirán muchos en la audiencia.  Pero estarán equivocados.  Es el punto de vista peculiar de esta producción el que nos obliga a ver a la dramaturga bajo esta luz, creando un juicio tan equivocado.  Y esto debería quedar claro cuando veamos cómo la mayoría de los otros personajes interpretan sus papeles de manera suave y amigable.  La mamá regañona, Denise Black, es de hecho una trabajadora desinteresada que trabaja incansablemente para mantener a su único hijo en tanto ocio y comodidad como puede; los bufones de la oficina solo están haciendo lo mejor que pueden en las mismas condiciones limitantes y pueden ser completamente perdonados por no apreciar la incapacidad abyecta del YW para comprender cualquier otro punto de vista en la vida que no sea el suyo propio.  Nosotros mismos odiaríamos tener que trabajar al lado de alguien tan egocéntrico y superficial.

Cuanto más avanza la obra - y sus meros 90 minutos acaban pareciendo una eternidad - más nuestros corazones se dirigen a Nathalie Armin, Khali Best, Demetri Goritsas, Andrew Lewis, John Mackay, Alan Morrissey, Kirsty Rider y Augustina Seymour, que deben luchar con esta difícil tarea.  Vestidos tan naturalísticamente por Alex Lowde, parecen peces fuera de su agua expresionista, especialmente cuando - por razones que parecen moda pero no comprensibles - la decoración de repente da un salto de una década, o dos, o tres, o cuatro o más (dime si crees que esto ayuda a contar la historia).  Ben y Max Ringham añaden un impresionante diseño de sonido, y Arthur Pita añade algo de movimiento.

¿Y cómo nos deja al final?  Bueno, a algunas personas les gusta, pero creo que les encantaría aún más otra producción: es una gran, una maravillosa, una obra inolvidable.  Lamentablemente, otros no piensan que este experimento, a pesar de su maravillosa ostentación, da en el clavo.  Si la producción satisface a los responsables de ella es un asunto para ellos y sus conciencias privadas: nunca he visto nada más de este director y no puedo comentar más sobre sus habilidades, más allá de señalar que su CV es impresionante. Todos parecen haber hecho un trabajo muy minucioso, perfectamente bueno, pero la totalidad de los esfuerzos aquí no logra cohesionarse en un todo exitoso.  Bueno, no importa.  No es el fin del mundo.  Habrá otras producciones de esta obra, espero.  Mientras tanto, esto es suficiente para continuar.

Hasta el 21 de julio de 2018

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