RESEÑA: Trabajos de amor perdidos, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Love's Labour Lost. Foto: Alastair Muir Love's Labour's Lost

Teatro Royal Shakespeare

15 de noviembre de 2014

4 Estrellas

Es, creo yo, seguro decir que el delicioso y supremamente hermoso diseño de Simon Higlett para la producción de Christopher Luscombe de Love's Labour's Lost de Shakespeare, ahora en escena en el Teatro Royal Shakespeare de Stratford Upon Avon, es la combinación más ambiciosa, evocadora y exitosa de escenografía y vestuario vista desde que el teatro renovado reabrió. Es un triunfo visual y proporciona el ambiente perfecto para el texto.

Basado en el verdadero Charlecote Park (donde tanto Dame Judi Dench como Shakespeare, en diferentes siglos, estuvieron involucrados en acusaciones de caza furtiva de ciervos) el escenario utiliza un enorme camión portátil, una trampilla que permite que un hermoso techo decorativo emerja desde el subsuelo y dos imponentes torres de portada; hay una maravillosa biblioteca y un hermoso césped inglés, así como otros encantos. Junto con los deliciosos vestuarios, el efecto total es glorioso: un verano inglés desvanecido de tiempos distantes.

Parte del truco aquí es que este escenario también se utiliza en la producción de Luscombe de Mucho Ruido y Pocas Nueces, que Gregory Doran ha renombrado como Love's Labour's Won para los propósitos de esta temporada de la RSC, por lo que, presumiblemente, tiene el doble del presupuesto de una producción única. No obstante, es un absoluto triunfo de diseño; habilidad, ingenio y practicidad en perfecta armonía.

Love's Labour's Lost a menudo se compara desfavorablemente con Mucho Ruido y Pocas Nueces, pero nunca ha sido fácil entender por qué. Ambas obras presentan dos conjuntos centrales de parejas que flirtean y se pelean, ambas presentan una aguda interacción verbal entre una de esas parejas, ambas están llenas de malentendidos e implican la ruptura de votos y ambas presentan una subtrama que involucra a un personaje masculino peculiar buscando sus propios fines. Uno termina más felizmente, en el sentido convencional, que el otro, pero entonces la pista está en el título: Love's Labour's Lost. Incluso entonces, los trabajos no se pierden, simplemente se posponen, al menos en teoría.

Visto de esta manera, la decisión de Doran de renombrar Mucho Ruido y Pocas Nueces tiene sentido. Ambas obras tienen grandes similitudes pero diferentes desenlaces. Parece una pareja natural. Y si ese fuera el alcance de la "interferencia" habría poco de qué quejarse.

Pero Luscombe parece reacio a dejar que el texto haga el trabajo, imponiendo una sensibilidad de opereta a la pieza que, al principio, parece extraña pero encantadora, pero que más tarde, en el segundo acto, se vuelve demasiado complicada, ligeramente contraproducente y completamente incongruente. Y luego, sin gracia y bastante en contra del espíritu del propio final de Shakespeare, los cuatro hombres cortejadores (el Rey de Navarra y sus compañeros estudiantes) aparecen en uniforme, saludan a sus damas y amigos y se van a la Primera Guerra Mundial, y probable muerte. Obviamente, la inserción del motivo bélico sirve para asistir a la temporada general, con una obra ambientada antes de la guerra y la otra después, pero parecía más torpe y discordante que uno de los mal compuestos bon mots de Don Armado.

Por suerte, en la mayoría de otros aspectos, la producción cuenta con buena actuación, impecable sincronización y un sentido de estilo, travesura y desparpajo que acentúa sus puntos altos. Mucho Ruido y Pocas Nueces a menudo se describe como la cima del embate verbal de Shakespeare, pero, en verdad, Love's Labour's Lost tiene ese honor. Prácticamente todos intentan ser superiores a los demás con un arsenal de bromas, sutilezas y apartes inquisitivos y, felizmente, Luscombe busca sacar el máximo partido de esto.

De lejos, la más gloriosa en esta aguda réplica es Michelle Terry, cuya Rosalina brilla y corta como el diamante multifacético que debería ser. Terry es talentosa y consumada, cada golpe verbal perfectamente entregado y un placer de oír. Maneja los pasajes rápidos con suma facilidad, es la compañera perfecta para sus hermanas en el cortejo y, sin fallar, hace que Berowne, su ardiente admirador, tropiece y se tambalee cuando su lengua lo hace tropezar. Terry es un absoluto placer de ver.

Sam Alexander es maravilloso como el ligeramente pomposo, ligeramente imbécil, pero completamente encantador Rey de Navarra. Tiene una expresión encantadora de cachorrito-perdido-en-una-niebla que es cautivadora y, al mismo tiempo, puede mostrar una determinación férrea en un instante. Es una convincente actuación regia y una delicia de ver y escuchar, tan imbuido de alegría y espíritu está su presentación. Se lanzó de lleno al número de baile de los moscovitas (cuando él y sus compañeros intentan hacer travesuras con sus amores) con una irresistible entrega total. Realmente impresionante.

Como la Princesa de Francia, Leah Whitaker es la elegancia y la realeza personificadas. Una cierta altivez, ligera y efímera, impregna cada uno de sus gestos y frases y sientes que es tanto mimada como precisa. Se adentra en el espíritu femenino de las maquinaciones con un tipo de entusiasmo de chica de hockey, pero mantiene constantemente una distancia de sus súbditos, exactamente como lo hace el Rey de Alexander. Parecen una pareja perfecta. Cuando llega la noticia de la muerte de su padre, Whitaker está impecable: transmite perfectamente el sentido de su pérdida personal, su deber hacia su país y su difunto padre y, suavemente pero con firmeza, rechaza la mano de Alexander hasta que ha pasado el período de luto de 12 meses. Es un momento devastador, bellamente juzgado.

Berowne es el papel que la gente sospecha que Shakespeare escribió para sí mismo y es un regalo; una maravillosa combinación de intercambios rápidos e ingeniosos, algo de payasadas abiertas, grandiosos chistes breves, monólogos encantadores y poéticos y momentos de claridad increíble sobre la condición humana. Edward Bennett hace un buen Berowne: su claridad y seguridad hacen que los pasajes rápidos giren con diversión y su dominio del lenguaje y la técnica asegura que sus discursos, especialmente el destinado a inspirar a sus compañeros al final del Acto Uno, sean rapturosos, inspiradores y bastante hermosos. Pero podría ser más pícaro, más seguro, más determinado sobre sus propias habilidades y destrezas, ya que es de ese sentido de su ser de dónde se puede extraer mucha diversión.

Don Armado puede ser un papel cansado; requiere un actor cómico adecuado con técnica precisa y un sentido animado de autocrítica. Hay muchas líneas tontas y chistes fingidos por hacer funcionar, y John Hodgkinson hace un trabajo soberbio como este payaso de acento tonto. Tiene especialmente maravillosa ayuda de Peter McGovern's Moth, un chico de botones tan brillante como un rayo con una mente aguda, una disposición alegre y una agradable voz para cantar. McGovern energiza cada escena que entra y su Moth es perfecto, revoloteando alrededor de la llama del disparatado Don Armado.

David Horovitch es absolutamente maravilloso como el escueto, locuaz y pretencioso maestro de escuela, Holofernes; Jamie Newall hace de Boyet un embajador adicto al champagne de tremenda gracia y estilo; Tunji Kasim es un deleite como el obsesionado con los ositos de peluche Dumaine (en un guiño humorístico a Retorno a Brideshead) que puede chillar tan bien como puede cortejar; y Roderick Smith entrega las malas noticias sobre el padre de la Princesa con precisión sombría.

Nick Haverson (Costard) y Emma Manton (Jacquenetta) intentaban un poco demasiado con sus personajes rústicos de estereotipo; ninguno fue ayudado por la falsa locura de Gilbert y Sullivan que Luscombe ha pegado a los procedimientos. De lo contrario, el resto del elenco aquí reunido está en buena forma y ayuda a que los procedimientos logren un sentido general de alegría consistente.

Nigel Hess proporciona música incidental agradable, pero ninguno de los ajustes de las canciones que Shakespeare escribió como parte de la obra son más que deleites triviales. Oliver Fenwick ilumina todo expertamente, haciendo que el escenario y los vestuarios brillen, y hay escenas bastante hipnotizantes que involucran los cuatro conjuntos de amantes. Hay un excedente de talento involucrado en hacer que esta producción se vea tan bien como lo hace.

Hay mucho que gustar y disfrutar aquí. Luscombe ha reunido un elenco y equipo ejemplar para este proyecto. Sin embargo, la concentración en el texto, en lugar de la distracción hacia la opereta, habría producido mejores resultados. Pero, sin duda, cuando los aplausos finales terminan aquí, quieres ver a esta compañía en la obra complementaria, Love's Labour's Won.