RESEÑA: La Bohème, Teatro Arcola ✭✭✭✭

La Bohème

Arcola Studio 1

05/08/15

4 Estrellas

¿Qué más se puede hacer con La Bohème? Con el Royal Opera House finalmente retirando su venerable producción de John Copley después de cuarenta años, y las encuestas revelando regularmente que La Bohème es la ópera ‘favorita’ o ‘más querida’ del mundo, ¿realmente hay algo fresco que se pueda decir con el cuento de Puccini sobre artistas con mala suerte en el Barrio Latino de París? ¿No deberíamos simplemente dar al público la actuación tradicional convencional a la que están acostumbrados? Este fue el desafío al que se enfrentaron Opera 24 y Darker Purpose Theatre Company en la apertura del Grimeborn Festival de este año en Dalston. En esta producción, la buhardilla parisina y el Café Momus se reubican en ‘los amplios campos de Hackney’, como lo propone irónicamente el libreto. Con la orquesta acomodada bajo el saliente del balcón, el resto del Arcola Studio 1 se entrega a dos escenarios contemporáneos: primero un apartamento frío y escasamente amueblado – con una variedad de televisores en estanterías, sacos de dormir, una guitarra y un portátil compartido; algunos viejos carteles apilados en el fondo y el equipo de un pintor esparcido alrededor de un brasero ineficaz. Y en segundo lugar, a las sillas y mesas de una cafetería de aceite cuya símbolo es el dispensador de ketchup en forma de tomate exprimible que tiene su propio momento satírico grand guignol en el Acto Dos. Rodolfo (James Scarlett) sigue siendo un poeta que tiene que quemar las letras de sus canciones para mantenerse caliente, Marcel (Ian Helm) sigue siendo un artista frustrado esperando su gran oportunidad, y Mimi (Heather Caddick) una excelente costurera, pero aquí una inmigrante ucraniana cuyo estatus incierto significa que no puede acceder a una atención médica adecuada. La orquesta se reduce a diez músicos, más piano, pero cuerdas y maderas están - crucialmente - completamente representadas.

Escuchar la ópera en esta escala de cámara te hace darte cuenta nuevamente de lo bien hecha que está como una obra de artesanía musical. Al igual que en la mejor música de cine, Puccini es un maestro del arte de la transición rápida y aparentemente sin fisuras: en cada escena hay muchos momentos solistas y de conjunto que definen el carácter individual y avanzan la trama con destreza teatral, sin embargo, se logra sin esfuerzo, sin que uno vea las uniones. Con fuerzas orquestales más pequeñas, puedes escuchar y ver cómo se hace más fácilmente y de manera más lúcida mientras las diversas líneas se entrelazan y los fragmentos de melodía se comparten y reensamblan; pero eso no disminuye la admiración por el resultado. Con las dos arias más grandes viniendo primero en el Acto Uno, no debería funcionar. Sin embargo, el compositor adapta y reconfigura el material de esas maravillosas declaraciones románticas de largo aliento a lo largo de la ópera para que el conjunto esté unificado e impregnado del mismo lenguaje armónico de deseo, donde sea que el flujo de la acción nos lleve.

Crucial para cualquier nuevo enfoque de esta ópera es qué hacer con el viejo libreto, y aquí la producción logra un éxito palpable con la ingeniosa, ligeramente consciente pero completamente plausible traducción contemporánea de John Farndon, que proporciona a los cantantes y actores mucho material rico con el cual trabajar. Proporciona la base para la credibilidad de las actuaciones clave y juega correctamente con los muchos momentos de comedia (de situación y lenguaje) que ocurren naturalmente en la ópera. Hay algunos episodios muy divertidos en esta producción, especialmente en las escenas de camaradería masculina y bromas que dominan en partes de los Actos Uno y Dos, y toman su origen del brío y la pura calidad de la escritura. Ocasionalmente, la pura verbosidad de la escritura lírica proporciona algunas esquinas incómodas para que los cantantes las aborden mientras desarrollan las largas líneas melódicas naturalmente respiradas de Puccini, pero en su mayor parte hay un ajuste soberbio entre palabras y música. Los arreglos orquestales, a cargo de John Jansson, son igualmente de buen gusto, de modo que la orquesta proporciona un acompañamiento efectivo sin dominar las voces. Solo eché de menos la orquestación original en el bullicio y ajetreo de las escenas del café parisino, donde Puccini se entrega a una paleta impresionista completa de pintura de escenas urbanas.

Las actuaciones son en su mayor parte muy fuertes y convincentes. Scarlett y Helm como Rodolfo y Marcel son, en cierto modo, el dúo crucial en esta ópera: pasan más tiempo juntos que Rodolfo con Mimi. Como actores y cantantes se complementaron bien juntos con una relación muy natural. Helm en particular representó la leal amistad de Marcel y su petulancia artística y autoabsorción de manera muy convincente, y demostró ser un amante celoso de manera efectiva en sus escenas con Musetta (Danae Eleni). La interpretación de Scarlett de su aria principal fue resonante y noble a pesar de cierto forzamiento de tono justo en las demandas más altas del registro, y su desintegración en los dos últimos actos fue tanto conmovedora como coherente y hábilmente actuada, lo cual ciertamente no siempre es el caso.

Los verdaderos honores vocales de la noche fueron para Caddick, quien cantó con una maravillosa pureza de línea y tono que capturó nuestra atención de principio a fin. El papel de Mimi es difícil de llevar a cabo: el cantante y actor necesita transmitir fragilidad mientras evita un victimismo barato y auto-promocional; y el canto necesita ser completamente autoritario mientras – si es posible – transmite menos que una salud robusta. Caddick logró habitar todos estos aspectos de su actuación con una caracterización fina de ‘gracia bajo presión’ – la definición de valentía de Hemingway. No esperaba ser conmovido más por la escena final, pero su interpretación me permitió experimentarla de nuevo.

Entre los roles menores hubo muchas contribuciones admirables, lo cual es en sí mismo un tributo a la forma en que Puccini democráticamente da a todos sus personajes pequeños episodios como joyas donde pueden brillar en el drama. Cheyney Kent, por ejemplo, aprovechó al máximo su escena vendiendo abrigo en el acto final; Leon Berger aprovechó al máximo los roles del casero y el amante anciano de Musetta, donde tiene que ser el blanco de todas las bromas; y Andrew McIntosh proporcionó un apoyo animado como Schaunard. Danae Eleni interpretó bien los contrastantes papeles de Musetta como coqueta del café y amiga leal de Mimi, pero podría haber aprovechado más vocalmente su aria en solitario en el Acto Dos. Nick Fletcher estableció tempos refrescantemente vigorizantes desde el foso que movieron la acción de manera ágil sin poner a los cantantes bajo presión.

En resumen, la producción logró exactamente lo que Grimeborn se propone hacer cada año. Quitó las viejas capas de barniz de un viejo favorito y encontró un nuevo y convincentemente pensado escenario en el cual reubicarlo. El director Lewis Reynolds tiene mucha experiencia presentando ópera en el King's Head Theatre, lo que lo convierte en una muy buena elección para lograr excelentes resultados aquí. Este fue un esfuerzo verdaderamente comprometido y enérgico por parte de todo el equipo: y en esta ópera nada más sirve para entregar los resultados.