RESEÑA: Rey Juan, Teatro Globe ✭✭✭✭✭

Rey Juan

Teatro Shakespeare's Globe

10 de junio de 2015

5 estrellas

William Shakespeare escribió diez obras sobre las turbulentas monarquías que reinaron en Inglaterra: Ricardo II, Enrique IV (1 y 2), Enrique V, Enrique VI (1, 2 y 3), Ricardo III, Enrique VIII y el Rey Juan. Esta última, que se cree fue escrita después de Ricardo II y antes de Enrique IV Parte 1, rara vez se representa, al menos en comparación con las demás. Esto sugiere que la obra tiene "problemas". Pero, ¿es así?

Con la fuerza de la producción de James Dacre, actualmente en cartel en el Globe, la respuesta es un rotundo "No".

Sorprendentemente, esta es la primera vez que el Rey Juan se presenta en el Globe desde que abrió en 1997. Ha valido la pena esperar dieciocho años. La producción de Dacre chisporrotea de energía, narra la intrincada historia política con claridad y humor, y se regocija en los excesos que los personajes y los giros de la trama ofrecen. Un poco traviesamente, se añaden líneas al texto de Shakespeare desde La turbulenta reinado del Rey Juan, Rey de Inglaterra, una obra posiblemente escrita por George Peele. Pero estas adiciones no son ni chocantes ni superfluas, y el resultado final es un paseo por un tiempo tenso para las relaciones anglo-francesas, contado a través del prisma muy específico de la ruptura con Roma después de Enrique VIII, lleno de veneno, traiciones y maniobras estratégicas.

Nicholas Hytner comentó famosamente que Shakespeare podría ser ininteligible: "Los primeros cinco minutos siempre son complicados" dijo en el Festival Literario de Cheltenham en 2013. La producción de Dacre demuestra lo contrario, si es que se necesitara prueba. La claridad singular en la entrega de todos los actores de la compañía hace de esta una de las producciones de Shakespeare más comprensibles vistas en el Globe. Esto no es solo cuestión de enunciación y audibilidad; la compañía aquí vive y respira el lenguaje, sacándole el máximo provecho, atrayendo al público a su confianza, a su apoyo. Es la retórica en acción plena de sangre.

En su desarrollo, la obra parece sorprendentemente relevante. El conflicto entre clases, el fracaso del cuerpo gobernante para contar con el apoyo del país, la disposición de ese cuerpo para volverse contra sus aliados por ganancias a corto plazo, amenazas de los ricos y poderosos para mantener al cuerpo gobernante bajo control, alianzas incómodas y coaliciones hostiles; añádase ataques personales venenosos y venta descarada de ideales y no solo se tiene la carne y huesos del Rey Juan, sino una visión cáustica de las recientes elecciones del Reino Unido.

En el programa, el Profesor Leon Black argumenta a favor de que la obra sea mejor considerada:

"Desconectada de la doble tetralogía sobre los York y Lancaster, con poco parecido a lo que se nos enseña de Juan en la escuela (la Carta Magna nunca se menciona), parece un hijastro olvidado. Debería ser más notada, pues contiene cosas espléndidas - entre otras, una notable diversidad de tonos, incluidos el patriótico, el conspiratorio, el impactante y el absurdo. Ofrece a directores y actores una amplia gama de opciones."

El Profesor Black tiene toda la razón.

Dacre aprovecha al máximo los muchos estados de ánimo y cambios de énfasis y estilo de la obra, con el resultado de que la velada es bulliciosa y completamente cautivadora: algo así como una montaña rusa política. Esta es una obra en la que es difícil determinar quién podría ser el verdadero villano: hay varios candidatos para ese apelativo. Pero el verdadero beneficio de la producción de Dacre es que los personajes tienen un valor pleno, y qué personajes tan ricos y gratificantes resultan ser.

Jo Stone-Fewings está en espectacular forma como el titular Rey Juan; nunca lo he visto mejor que aquí. Evoca sutilmente la sensación de la versión de dibujo animado del personaje, el león de voz suave Peter Ustinov de la película Robin Hood de Disney, y es venal, caprichoso, reflexivo, majestuoso, ingenioso, patético y grotesco. Es maravilloso de ver y su uso de su voz tonos oscuros y ricos es magistral: puede pasar de la comedia lloriqueante a la furia fanfarrona en un abrir y cerrar de ojos.

En conjunto, su Juan es un poco como Ricardo II 1/2, un personaje que se encuentra entre los extremos de Ricardos II y III, con características y actitudes comunes para ambos o uno. Sin embargo, el Juan de Stone-Fewings es completamente único al mismo tiempo; un punto de singularidad que brilla a su manera. Es una interpretación poderosa, cautivadora y completamente convincente, que establecerá el estándar durante mucho tiempo.

Una pequeña objeción surge sobre la manera y el asunto de la muerte de Juan. Parece aquí demasiado conveniente, demasiado rápidamente y sin escala o un nivel esencial de repugnancia. Juan, después de todo, fue envenenado en la obra; en la vida, la disentería lo reclamó. En cualquier caso, no fue algo agradable. Privar a Stone-Fewings de una muerte degradante y espantosa por intestinos envenenados y pudridos quita algo de esplendor a su actuación. Ha trabajado tan duro, ha hecho a Juan tan real, que el último y espantoso estertor de muerte no debería verlo partir con un gemido. Pero es un pequeño tachón en el cuaderno de Dacre; simplemente priva a la audiencia de ver lo bueno que podría haber sido Stone-Fewings.

Alex Waldmann continúa creciendo en estatura como actor clásico. Es un Bastardo maravilloso aquí: noble de espíritu, valiente, ruidoso, descarado, locuaz, fogoso y audaz. Un bastardo de bastardo. Todo lo que cabría esperar del hijo ilegítimo del cruzado Ricardo Corazón de León. Todo hombre y boca, rápido con la espada y mortal, en el campo de batalla y fuera de él. Un bromista y de ninguna manera una broma. Waldmann se gana el favor del público fácilmente y traza el ascenso de su personaje en estatura para igualar la caída de Juan de Stone-Fewings. Es una actuación madura, audaz e impresionante. Su escena final es magníficamente conmovedora.

Como la matriarca de todas las matriarcas, Leonor de Aquitania, Barbara Marten muestra un espíritu y agilidad de ingenio y maniobra que ciertamente hace preguntarse si James Goldman tomó su idea para El león en invierno de Shakespeare. La Leonor de Goldman y la de Shakespeare tienen mucho en común, y Marten aprovecha cada brocheta del banquete para una actriz que ofrece la pluma de Shakespeare. Regia, altiva, manipuladora, pero siempre electrizante, Marten se deleita en los juegos peligrosos que Leonor incita y apoya. Sus ojos comunican páginas de palabras con rápidos y penetrantes destellos. Completamente real y comprensible, la Leonor de Marten muestra qué papel tan impresionante es este para una actriz de habilidad.

La Leonor de Marten es aún más embriagadora por la escena pequeña donde Marten interpreta a un personaje diferente: Lady Faulconbridge, madre del Bastardo. Aquí, Marten es completamente diferente, casi como si otra actriz estuviera interpretando el papel. Rota, dolorida, resentida, humillada: Marten es magnífica. Y Lady Faulconbridge es un importante rayo en la rueda de la fortuna en constante giro. Es ella quien reconoce al progenitor del Bastardo, a pesar del costo para su reputación, y así es ella quien pone a su hijo en el curso que lo hará elevarse en estatura y rango, más allá de sus sueños.

Tanya Moodie es una destacada Constance, madre de Arthur, el hijo del hermano mayor fallecido de Juan, Geoffrey. La reclamación de Arthur al trono inglés es quizás tan tenable como la de Juan, y Constance quiere que sea coronado. Moodie puede intercambiar insultos con los mejores y no tiene dificultad para igualar a Marten o Stone-Fewings golpe por golpe. Interpreta a Constance como madre primero, madre de la corona segundo. En esto, es el espejo opuesto de Leonor, para quien el poder es lo más importante. La expresión en el rostro de Moodie cuando Arthur es llevado es extraordinaria, una pintura renacentista de devastación honestamente sentida, y maneja el lamento por el destino de su hijo con intensidad ruda y brutal.

Como el astuto, traicionero y determinado Cardenal Pandulph, Joseph Marcell brilla como una joya en la mano del Papa. Imperturbable ante lo desbocado, su astuto Cardenal ejerce poder sin dudar; una excomunión aquí, una excomunión allá, cualquier cosa para mantener la supremacía de Roma y llevar a cabo la Voluntad del Papa. Es hilarante que el personaje más maquiavélico aquí sea el Cardenal, pero eso refleja las opiniones de los tiempos de Shakespeare totalmente y conduce a risas, ahora como entonces. En una lectura moderna, casi podrías ver al Cardenal como la encarnación de la Unión Europea o del Mundo Bancario: es un enemigo para algunos, un amigo para otros, y respaldado por un tremendo poder bien financiado.

Una de las escenas más difíciles de la obra ocurre cuando Hubert (Mark Meadows) viene a cegar a Arthur (Laurence Belcher) con varillas al rojo vivo y a matarlo, pero el muchacho lo convence de no hacerlo. Es una escena difícil de hacer que funcione, a menos que haya un inquietante trasfondo pedófilo. Pero aquí, con ambos actores jugando completamente para real, con la conciencia y la consecuencia como las porras del debate, funciona espectacularmente. Estás seguro de que el niño será cegado; luego entiendes por qué Hubert se niega a hacer la sombría acción, y esto prepara el eventual destino de Arthur para ser desgarradoramente triste, en lugar de ridículamente tonto.

No hay vínculos débiles en el reparto y Simon Coates, Ciarán Owens y Daniel Rabin realizan un trabajo especialmente fino y reflexivo. Al igual que Aruhan Galieva en dos papeles muy diferentes: es una novia sorprendida cuando el foco de las negociaciones se dirige a su Blanca de Castilla, una princesa española; y, más tarde, como un Pedro de Pomfret raro y ligeramente salvaje, ella aporta el sentido de una de las brujas de Macbeth o el adivino de César al desarrollo.

La música original de Orlando Gough funciona particularmente bien y añade significativamente al estado de ánimo y tono. Scott Ambler proporciona un movimiento hábil y las secuencias de lucha estilizadas (Rachel Bown-Williams y Ruth Cooper-Brown) son muy impresionantes, más impresionantes, en realidad, de lo que probablemente sería cualquier secuencia completamente escenificada. El diseño del escenario de Jonathan Fensom hace un excelente uso del escenario, y las plataformas que coloca entre el público de pie, y la rampa central donde Arthur finalmente asciende a Dios, todo funciona bien.

Esta es una producción verdaderamente absorbente, fascinante y emocionante de uno de los patitos feos de Shakespeare. James Dacre y su elenco ejemplar, liderado por Stone-Fewings, Marten, Waldmann y Moodie, hacen completamente el caso para que Rey Juan sea visto como un verdadero Cisne.

Rey Juan se presenta hasta el 27 de junio de 2015 en el Shakespeare's Globe