RESEÑA: Joking Apart, Theatre Royal Windsor ✭✭✭✭

Joking Apart - Theatre Royal Windsor. Foto: John Walmsley Joking Apart

Theatre Royal, Windsor

23 de junio de 2015

4 Estrellas

‘La tragedia de un hombre a menudo no es que falle, sino que casi gana.’

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Refugiándose justo bajo el muro cortina del Castillo de Windsor se encuentra el encantador Theatre Royal de estilo eduardiano, cuyo elegante color crema, dorado y lujo es actualmente el hogar de una breve secuencia de obras de alta calidad que recrea valientemente durante un breve tiempo el espíritu del teatro de repertorio colaborativo. Uno de los elementos de esta breve temporada es un muy bienvenido revival de Joking Apart de Alan Ayckbourn, una obra que ha tenido relativamente pocas producciones desde un estreno fallido en Londres a finales de los años 70.

Esta es una de las comedias más oscuras de Ayckbourn, centrada en el impacto destructivo y corrosivo de los celos y la envidia. En el centro de todo se encuentra una pareja, Richard (Chris Casey) y Anthea (Stephanie Willson), que son la encarnación de la bondad, el talento, la buena apariencia, el éxito profesional, la bonhomía y el espíritu comunitario. A su alrededor gravitan sus amigos, todos los cuales están cada vez más infelices y cuyas relaciones se vuelven cada vez más disfuncionales mientras Richard y Anthea permanecen resplandecientemente inalterados. Hay dos actos y cuatro escenas, con la acción ambientada en el jardín trasero de la casa de Richard y Anthea y distribuida a lo largo de doce años en total, alternando entre las estaciones de invierno y verano.

Como señala Ayckbourn en el programa, siempre ha habido un problema sobre cómo hacer que la bondad indiferenciada sea dramáticamente interesante. Así como el Dios de Milton es aburrido en comparación con la caracterización angustiada y compleja de Satanás, es difícil crear una obra convincente a partir de los matrimonios felices de personas hermosas y exitosas. Su manera de abordar este problema es enfocar la atención no en Richard y Anthea ellos mismos, sino en las acciones y reacciones y resentimientos acumulados de sus amigos. Así, el enfoque emocional de la obra se descentra intrigantemente hacia los vecinos, el vicario local y su esposa, Hugh (Anton Tweedale) y Louise (Natalie Douglas), un socio comercial, Sven, (Alec Fellows-Bennett) y su esposa Olive (Lou Lou Mason), y un viejo amigo de Anthea, Brian (Gary Roe), que aparece con una sucesión de novias idénticas, todas interpretadas por Grace K. Miller. Pasamos por la secuencia familiar de rituales sociales de clase media acumulando información sobre las vidas pasadas y las preocupaciones presentes de los personajes mientras las corrientes emocionales subyacen más fuertes y las tensiones entre los personajes se vuelven más desesperadas antes de estallar en confrontaciones que están diseñadas para ser intensamente cómicas y conmovedoras al mismo tiempo.

El tiempo y el ritmo son vitales en las obras de Ayckbourn. Cuando son correctos, la obra funciona como un mecanismo de relojería exquisito, pero cuando no lo son, los resultados pueden correr el riesgo de parecer inconsecuentes e inútiles. La frontera entre el éxito intoxicante en este repertorio y el fracaso torpe es peligrosamente estrecha. En la primera mitad de la noche me preocupaba en ocasiones que caeríamos del lado equivocado de la línea, y comencé a pensar, como suelo hacer, que las Noches de Prensa estarían mejor ubicadas más tarde en la ejecución de una obra, una vez que las cosas se hayan asentado en una ranura. Al principio las cosas iban demasiado lentas y el reparto estaba un tanto complaciente en sus indicaciones y en su actuación fuera del discurso. Claramente no estaba solo en pensar esto, a juzgar por este intercambio que escuché en el intermedio entre dos miembros del público que podrían haber pasado por ser personajes de Ayckbourn:

Marido: ‘¡Hemos estado aquí una hora, querida, y no ha pasado nada!’
Esposa: ‘¡Nunca pasa nada en sus obras hasta que alguien se emborracha!’

Esto resultó ser cierto - como tan a menudo en Ayckbourn, es de hecho el alcohol el que en la segunda mitad desata lenguas de manera destructiva y permite que los resentimientos acumulados de años se desborden de manera excoriante. Pero para entonces el ritmo era perfecto y la obra se trasladó con fuerza e intensidad hacia su cruda exposición de la verdad de la línea que he extraído al inicio de esta reseña. Bajo la superficie del simple pasaje de la juventud a la mediana edad yace una aceptación sombría del compromiso y el fracaso, tanto más oscuros porque los fracasos profesionales y personales fueron en realidad muy cerca de ser aciertos.

Cuando ves el texto en la página parece plano y delgado, al igual que sucede con Coward. Hay poco ingenio superficial o juegos de palabras. Pero el texto es solo el punto de partida, esbozo a completar y dar vida por los actores. Esta debe ser una de las razones por las que a los actores les encanta interpretar estos roles: porque hay mucho espacio para la invención creativa y la interpretación. Puedes ver inmediatamente que Ayckbourn comenzó como actor él mismo. Le da al actor un marco de estereotipo y de eso surge la oportunidad de crear un individuo único y matizado. La escritura ha hecho avanzar el juego de personajes con gran precisión y necesita ser tratada con cuidado y respeto, confianza y precisión; pero dentro de esa estructura también hay una verdadera libertad. Hay que felicitar al elenco por aprovechar estas oportunidades al máximo.

Como Richard y Anthea, Casey y Willson en cierto modo tienen la tarea más difícil. Son encantadores, de buen ver, irritantemente exitosos en todo lo que emprenden, los anfitriones munificentes de todas las fiestas que enmarcan la acción. Pero también tienen que ser el centro quieto alrededor del cual ocurre la acción. Transmiten exitosamente una sensación de desenfadada inconsciencia de los problemas, reacciones y sensibilidades de los demás, que es todo demasiado reconocible como una de las consecuencias de las victorias ininterrumpidas desde una edad temprana y la capacidad de obtener lo que quieren sin esforzarse mucho. En este sentido no son tan perfectos como supone Ayckbourn, pero son perfectamente plausibles.

Como el torpe, torpe sacerdote parroquial, Tweedale es muy efectivo. Aprovecha al máximo la retórica anglicana emocionalmente siendo efectiva cuando canaliza la emoción cruda a través de ella. Douglas traza la desintegración mental de su esposa, Louise, con una demostración destacada de torpeza física que refleja adecuadamente su creciente sensación de impotencia social ante la implacable buena voluntad de sus vecinos. Fellows-Bennett desarrolla un fino estudio de personaje en celos alfa-masculinos apenas contenidos, y lleva a su personaje de ser un cómplice cómico escandinavo estándar a una detallada descripción de primero el resentimiento de un rival, y luego a una ira contra la derrota digna de Marco Antonio. Mason tiene menos que hacer como su esposa, pero aún transmite bien su propia celosa ansiedad de Anthea y sus intentos patéticos de apoyar a su esposo al respaldar su crítica de Richard. El papel de Roe no está tan desarrollado como los otros, pero aprovecha al máximo un discurso en particular que revela conmovedoramente su amor de toda la vida por Anthea: como ocurre a menudo en Ayckbourn, el daño representado en el escenario en realidad ha sido hecho mucho antes, y vemos las reacciones demoradas. Miller tiene la tarea complicada de interpretar a jóvenes ingenuas rubias a lo largo de la obra; pero las distingue hábilmente y también proporciona la voz de una generación más joven al final, donde como la hija de la casa simboliza que se niega a participar en las batallas y alianzas que han rodeado a sus padres en los últimos doce años.

Como en muchos teatros de cierta edad, el bar en el Theatre Royal está orgullosamente decorado con fotos de producciones pasadas de la edad de oro del teatro de repertorio; y allí estaban, efectivamente, las fotos de producción de una producción de 1986 de esta misma obra, Joking Apart: todo abrigos de lana, pañuelos y chaquetas de tweed, vestidos de flores y grandes peinados rizados, llevándote directamente de regreso a los años 70. Pero la lección de esta espléndida producción es que es una obra atemporal que sujeta un espejo verdadero ante nuestras debilidades ahora como lo hizo antes.Para más información sobre la temporada de repertorio Theatre Royal visita su sitio web.