RESEÑA: Enrique V, Iglesia del Temple ✭✭✭✭

Andrew Hodges y Greddie Stewart. Foto: Scott Rylander Enrique V

Temple Church

24/08/15

Imagino que la mayoría de los amantes del teatro tienen recuerdos claros de la primera vez que presenciaron una producción de Enrique V. Siempre que escucho a un actor empezar con '¡Oh para un musa de fuego!' me remonto inmediatamente a ese momento de mi infancia encantada cuando vi por primera vez la película de Olivier... el barrido de cámara sobre el Londres Tudor, la música vivaz de Walton de pastiche caballeresco, y la primera vista del 'O de madera'. Para otros, puede ser la versión cinematográfica más turbia pero aún heroica de Kenneth Branagh, o la producción anti-guerra de Hytner-Lester de hace una década o poco más. Pocos de nosotros podemos acercarnos a esta obra sin un conjunto de preconcepciones y valiente es el director que se propone encontrar una forma de decir algo nuevo sobre esta obra que todos creemos conocer muy bien. Sin embargo, eso es lo que Antic Disposition y los directores Ben Horslen y John Risebero han logrado en una de las revivificaciones más impresionantes de una obra de Shakespeare que he visto en años recientes. Lo logran reconociendo y acomodando en su visión las ambigüedades que se encuentran en el corazón de la obra, de modo que no es ni una celebración simplista ni una repudiación de la guerra, sino un reconocimiento de que la guerra es parte inextricable de la condición humana. Es crucial para la generosidad de mente de Shakespeare que la obra acoja la fascinación y el atractivo de la alta política al mismo tiempo que muestra las consecuencias de esas decisiones para el hombre y la mujer comunes, tanto como para el rey: el pompo y la pena, la fina línea de miedo entre el fracaso y el triunfo, la supervivencia o la muerte.

Andrew Hodges, Alex Hooper, Freddie Stewart y James Murfitt. Foto: Scott Rylander

El entorno en Temple Church no podría ser más propicio en sus resonantes capas de historia inglesa. Junto a las tumbas de los caballeros templarios y los barones que impusieron la Carta Magna, el escenario se encuentra en atravesado entre los bancos de la iglesia. En una plataforma elevada abierta en ambos extremos se coloca una dispersión de cajas de municiones y suministros médicos. Entran dos soldados vistiendo uniformes de la Primera Guerra Mundial, uno francés y uno inglés. Luego una enfermera francesa. Siguen luchas familiares de comunicación, terminando con el soldado inglés entregando a su contraparte francés un ejemplar de la obra de Shakespeare. Estamos en un hospital de campaña aliado en Azincourt detrás de las líneas, y ambos contingentes acuerdan poner en escena una representación para pasar el tiempo. Pero antes de llegar al prólogo, un acordeón y un piano introducen la adaptación de George Butterworth de 'The lads in their hundreds' de A.E Housman, y además de la inspirada retórica de Shakespeare, también tenemos otra capa resonante de pesar caballeresco, escrita justo antes de la Primera Guerra Mundial. Esto fue tan apropiado en tantos sentidos, tanto dramáticos, como estéticos e históricos, que me dio el mismo sobresalto de experiencia que me abrió la mente que recuerdo de la película de Olivier todos esos años atrás. No puedo pagar mejor cumplido al manejo de la secuencia inicial.

Y así entramos en la obra en sí misma, pero antes de discutir las cualidades de la producción, vale la pena enfatizar que el escenario de la Primera Guerra Mundial siempre permanece como punto de referencia. Otros arreglos de Housman, utilizando el estilo musical de la era eduardiana, interrumpen la acción para destilar emoción en puntos clave y la experiencia del conflicto reciente se infiltra conmovedora y adecuadamente en la actuación en momentos significativos, como el momento en que Bardolph es ejecutado por saqueo y el actor que interpreta el papel colapsa en un ataque. Es muy raro que una compañía integre un nuevo concepto tan profundamente en una obra de Shakespeare: demasiado a menudo es meramente gestual, pero aquí el nivel de atención al detalle es inmensamente impresionante e imaginativo, aunque sigue estando en armonía con el espíritu del original.

Como es habitual con esta compañía, hay un nivel uniformemente alto de desempeño individual y de conjunto. Las transiciones entre las escenas están muy bien gestionadas y aunque el espacio es limitado, los directores lo han usado de manera muy flexible y con un uso mínimo pero imaginativo de los accesorios (por ejemplo, una caja de vendas para pelotas de tenis, latas de pastel para coronas, etc.). Me preguntaba cómo iban a gestionar la gran escena de batalla en sí, pero nuevamente el escenario encuadrado dio la solución en forma de un repentino bombardeo de artillería fuera del escenario, otra canción de Housman y un toque de corneta... el momento fue capturado y registrado sin necesidad de ser mostrado.

Freddie Stewart y Louise Templeton. Foto: Scott Rylander

Las limitaciones de una reseña me impiden hacer justicia al rango de finas actuaciones que se ofrecen aquí, con varios actores desempeñando múltiples papeles. Baste decir que tanto las escenas políticas como las cómicas salieron igualmente bien, lo cual no siempre es el caso por ningún medio en esta obra. Tampoco se volvió pesada la competencia nacionalista entre los soldados, como a veces sucede. El texto fue bien proyectado y reforzado con un montón de movimiento fluido en el escenario, especialmente en las escenas de la noche antes de la batalla cuando la camaradería masculina y la nerviosidad bromista del original y los escenarios modernos se combinaron particularmente bien.

Fue un verdadero placer tener hablantes genuinos de francés interpretando los roles reales franceses por un cambio: había un contrapeso político genuino y plausible a las fuerzas inglesas, y la rivalidad entre el Delfín y el Condestable se proyectó de una manera que no ocurre normalmente. Katherine de Floriane Andersen interpretó maravillosamente los juegos lingüísticos que Shakespeare le establece, y fue más que un reto para el Enrique V de Freddie Stewart en su escena de cortejo.

La actuación de Stewart poseía muchas de las cualidades necesarias para el éxito en este papel. Era naturalmente autoritario en las escenas políticas y públicas, y en la escena de cortejo combinó coquetería, humor y torpeza en igual y encantadora medida: tiene el ‘toque dulce’, sin duda. En la disputa incógnita con Williams (Alex Hooper), crucial para cualquier producción de esta obra, controló el tono con seguridad y frente a las tropas repartió más que 'un toque de Harry en la noche' de forma plausible.

Sin embargo, tengo una reserva sobre su manejo de los famosos soliloquios, una reserva que se extiende más ampliamente a la forma en que los piezas de retórica shakesperiana se entregan generalmente en la actualidad. Aunque el naturalismo en el escenario te llevará muy lejos, no funciona en estas piezas de retórica altamente elaboradas, que son cristalizaciones explícitas de emociones particulares, no descripciones de ellas. Un enfoque naturalista termina siendo ruidoso y monótono y no convincente de ninguna manera significativa. El actor realmente necesita interpretar y dar forma a estos discursos estilizados como si fueran piezas de música en las que atraes a la audiencia a tu confianza. Aunque puedo entender la reticencia de los actores más jóvenes a abrazar la 'voz hermosa' consciente en la forma de Olivier y Gielgud, todavía se puede hacer sin distorsionar el resto de su caracterización. Los actores mayores de la compañía, por ejemplo Geoffrey Towers (Exeter) y Louise Templeton (Señora Quickly) mostraron el camino, y en particular la evocación del fallecimiento de Falstaff por parte de Templeton fue lograda hábil y conmovedoramente simplemente siguiendo y no forzando el ritmo natural del texto. A veces, como ha dicho Jonathan Bate, 'La clave del arte dramático es la falta de sinceridad.' La artificiosidad puede transformarse en arte, y la audiencia se ocupará de habitar felizmente ese espacio especial en el momento contigo...

Este es solo un pequeño reparo en lo que es una noche teatral totalmente absorbente que hizo que muchos de nosotros en la audiencia volvamos a pensar en este aparentemente más familiar de los juegos. Espero sinceramente que tengan la oportunidad aquí o en otro lugar de revivir este fino recasting de uno de los mayores logros de Shakespeare. Mientras el elenco marchaba en formación hacia las oscuras profundidades de Temple Church hacia los caballeros reclinables, uno no podía separarlos más de la larga tradición de caballería que se extiende desde el Relato de Caballero de Chaucer, a través de las obras históricas de Shakespeare y hasta la infantería condenada de Housman:

‘Regresan brillantes al acuñador la moneda de hombre.

Los muchachos que morirán en su gloria y nunca serán viejos.’

Enrique V se presenta hasta el 5 de septiembre en Temple Church