Reseña: Hellscreen, Festival Vault ✭✭✭✭

Hellscreen

Festival Vaults

4 de marzo de 2015

4 Estrellas

Londres es una ciudad de capas históricas y arquitectónicas, y Vaults 2015 ha hecho uso animado en las últimas tres semanas, una vez más, de uno de los lugares mejor escondidos para teatro en el centro de la ciudad: el laberinto de arcos y túneles bajo la estación de Waterloo. Es un momento dramático, estilo ‘Alicia en Gotham City’, en sí mismo cuando desciendes por una escalera anónima para encontrarte en un túnel victoriano cubierto de grafitis, con aspirantes a Banksy trabajando duro sobreponiendo el trabajo del día anterior; antes de sumergirte en lo que parece ser un agujero en la pared, pero que es de hecho la entrada a un vibrante centro de espacios flexibles de actuación, exhibición y hospitalidad. Para la representación de Hellscreen fuimos conducidos a un arco de ladrillo con forma y color de un oscuro pan de jengibre y lleno de una masa de aparatos técnicos que me recordaron al siniestro almacén en desuso que aparece en The Ipcress File. Recibimos un taburete cada uno del coro, ya actuando en su papel para romper la cuarta pared, y nos dispusimos alrededor de un escenario de paso, rematado con cortinas de láminas de perspex. En los siguientes ochenta minutos fuimos atraídos a una intensa meditación sobre la función social y límites del arte, los roles malignos y benignos de mecenas y críticos, y el potencial en todas las audiencias para el voyeurismo creciente y la aceptación pasiva de lo intolerable.

Hellscreen tiene su punto de partida en un clásico relato corto japonés de Akutagawa publicado tan atrás como en 1918. En el original, un gran pintor es empleado por su mecenas para crear una pantalla que represente la visión budista del infierno. Descubre que solo puede pintar lo que no ha experimentado en la vida torturando a sus aprendices cada vez más cruelmente. Junto a este tema se desarrolla una competencia entre mecenas y pintor por el afecto de la amada hija del pintor, antes de que las dos tramas confluyan fatalmente dejando a la hija muerta en un último acto de desmesurada ambición artística, el pintor quitándose la vida, y solo quedando la pantalla completa de horrores.

Morgan Lloyd Malcolm y Rachel Parish transfieren con mucho éxito el núcleo temático y psicológico de la historia en el marco del mundo del arte moderno y una exploración de su culto al exceso. Frank Holt (Jonny Woo) es un artista contemporáneo que busca impactar pero parece haber alcanzado sus límites y perdido a su audiencia. Recurre a su relación con su hija Amy (Vanessa Schofield), el único elemento de su vida que no está tocado por el cinismo. Sin embargo, vuelve al trabajo y consigue un nuevo éxito sin precedentes después de conocer a la coleccionista y mecenas Katherine Bowker (Suzette Llewellyn), quien lo anima a cruzar más límites en la exploración artística recreando frente a una audiencia una secuencia de atrocidades de horror cada vez mayor. Estos incidentes, ejecutados con un toque improvisado por un coro de actores, rompen decisivamente la ‘cuarta pared’ involucrándonos en la ejecución de los crímenes. Mientras tanto, Bowker astutamente extrae a Amy de estos eventos para prevenir que aplique restricciones a su padre y la oculta en su retiro isleño para seguir su propio patrón de contemplación artística. Finalmente, Amy regresa con su padre, y uno tras otro, ambos son implacablemente atraídos a una inmolación final y profundamente simbólica.

Es gran mérito del equipo de producción, que ha trabajado en esta adaptación durante varios años, haber logrado tocar tantos temas importantes e inquietantes. Algunos de estos se relacionan con el propio arte: ¿quedan límites para lo que cuenta como arte? ¿Es el mecenas una figura noble y facilitadora o es egoísta y manipuladora? ¿Los artistas inevitablemente sacrifican a sus seres queridos por su arte? ¿La crítica de arte ahora reconoce algún valor aparte del sensacionalismo? Pero las preguntas más inquietantes se refieren a la presentación cada vez más estetizada de la violencia en los medios y nuestra exposición a ella. ¿Ha alentado esto una pasividad voyeurista y anestesiante que socava nuestra capacidad para reaccionar como ciudadanos en la vida real? ¿Cuál debería ser la respuesta adecuada a las representaciones cada vez más extensas de la violencia? Con recordatorios manipulativos diarios de ISIS de que los límites del horror, de hecho, pueden llevarse más lejos y un registro difundido por todo el mundo en poco tiempo, estas preguntas no podrían ser más pertinentes.

Así que no sorprendió que fueran las escenas basadas en transcripciones judiciales de crímenes reales las que golpearon más fuerte con la audiencia, creando algunos de esos momentos de concentración totalmente silenciosa cuando sabes que todos están comprometidos en el momento y el corazón del asunto. Pero eso no debería en absoluto restarle mérito a la calidad de la actuación y los valores de producción en otros lugares. Woo es muy eficaz proyectando una intensidad peligrosa e impredecible como el artista perturbado, y Schofield crea un centro de valores alternativos y belleza, a menudo usando el canto con poderoso efecto emocional. Pero quizá la actuación más intrigante vino de Llewellyn, cuyas motivaciones como mecenas artística permanecen elusivas detrás de una amplia gama cautivadora de encanto y generosidad de espíritu que también se desliza hacia la manipulación oportunista y un deseo de gloria reflejada. Alrededor y dentro de cada escena corta se envuelve una inventiva gama de música, proyección de video (en las cortinas de perspex), efectos de sonido e intervenciones fluidas y enérgicas del coro, uno de los cuales también tiene un cameo agradable y divertido como un crítico de arte que se revela como un relativista vacío sin creencias centrales.

Mi único comentario negativo sobre este excelente espectáculo es que ofrece demasiado material para el tiempo disponible. Dentro de solo ochenta minutos se necesita elegir entre el desarrollo de personajes en un flujo narrativo y diálogos sobre temas abstractos importantes, y realmente no hay suficiente tiempo para hacer justicia a ambos. Se deseaba más tiempo para que los temas se debatieran en detalle y para que las relaciones entre los personajes, especialmente las que involucran a Amy, se les diera una dimensión adicional. A veces había información insuficiente para obtener el cuadro completo, y especialmente hacia el final, la compresión de acción e incidente se volvió confusa. Una obra exitosa de ideas no tiene que ser tan larga o tan prolija como Man and Superman actualmente en juego en el National, pero si hay una oportunidad para otra producción en otro lugar, instaría a un nuevo vistazo al guion. La calidad e importancia de las cuestiones planteadas merecen no menos, y el vehículo seleccionado es muy adecuado para una versión más larga y desarrollada.

Un escenario de paso te permite observar en detalle a tus compañeros de audiencia y es testimonio de la calidad consistentemente provocadora de este cuento reinventado que la despreocupada charla cosmopolita al comienzo había dado lugar al final a una animada pero seria discusión de lo que habíamos presenciado, y sobre todo a un cierto desconcierto ante las incómodas verdades vislumbradas en el espejo que se nos sostuvo. Nos quedamos desconcertados, y con razón.