RESEÑA: Maldito Cambio Climático, Bush Theatre ✭✭

Que le den a los Osos Polares

El Teatro Bush

14 de septiembre de 2015

2 Estrellas

No hay duda de que lo que el mundo necesita ahora son obras que examinen de cerca el preocupante tema de nuestro medio ambiente y qué, si acaso, cada uno de nosotros puede hacer para hacer la diferencia que podamos, por pequeña que sea, hacia el futuro de ese medio ambiente y así ayudar a dar forma a ese futuro medio ambiente para nuestros hijos y los hijos de nuestros hijos.

Sin duda.

Farsas, comedias, sitcoms, dramas, alegorías, tragedias, misterios, historias de amor, trabajos absurdos, enfoques vanguardistas: el tema es tan importante que cada forma puede ser el portador de la conversación y el cambio. Cuanto más se enfrenten y comprometan las audiencias con el tema, más esperanza habrá de comprensión y acción colectivas.

En su nueva obra, Que le den a los Osos Polares, Tanya Ronder señala que los ciudadanos de Pompeya no fueron tomados completamente por sorpresa por la erupción del Vesubio. Tuvieron advertencias durante días, tiempo suficiente para que algunos ancianos se fueran a las colinas, abandonando la civilización tal como la conocían para asegurar su seguridad y vida. Gordon, un ejecutivo millonario de una compañía energética, tiene una especie de crisis nerviosa y reflexiona con su esposa trofeo:

"Si les preguntaras a esos cuerpos de Pompeya si tuvieran otra vez su tiempo, ¿elegirían quedarse o escucharían las alarmas y correrían, qué dirían?"

De hecho, es una pregunta ingeniosa, ordenada y resonante. Pero es insuficiente para sostener 100 minutos de tiempo teatral.

La obra de Ronder, ahora en preestreno en el Teatro Bush, al menos tal como está dirigida por Caroline Byrne, es tan fracturada, revuelta e incoherente como sus personajes, todos los cuales están neuróticos u obsesionados con algo. Como pieza, no parece saber qué quiere ser, ni qué es.

Parece una farsa a medida que se desarrolla. Sin embargo, se describe como "un drama familiar escandaloso sobre el costo de vivir la vida de nuestros sueños". Ocurren cosas bizarras e incomprensibles a los personajes y su dominio, pero principalmente no se hacen para reírse. El estilo de actuación, en su mayoría, tiende al realismo, aunque la situación no es realista. Hay tanta seriedad en la actuación que las risas son pocas y contenidas, y es difícil absorberse en la narrativa.

Ronder introduce demasiados problemas en la obra y, como resultado, ninguno recibe suficiente atención. Justo cuando parece que un hilo narrativo tiene un lugar adonde ir, se corta. Esto es especialmente cierto en la historia del drogadicto en recuperación, pero también en la compleja relación entre la pareja central, el esposo y la esposa alrededor de los cuales todo gira.

El argumento es débil. Gordon y Serena quieren comprar una magnífica casa nueva en el río, una con su propio embarcadero. Serena teme que Gordon no gane suficiente dinero para asegurarse de que no les superen la oferta. Él negocia un nuevo acuerdo en la compañía eléctrica donde trabaja; tiene que destronar al actual CEO y tomar su lugar y luego disfrutar de un salario de £2.4 millones (más bonificaciones). El embarcadero parece estar seguro.

El dinero y la percepción impulsan a la pareja. Discuten incesantemente y no parecen entenderse mutuamente. Sus vidas son derrochadoras, a la moda y desechables. A pesar de los esfuerzos de Blundhilde, la au pair que vive en su casa, cuida de su hija Rachel, y trata interminablemente de rehabilitarlos y a la casa para que sean recicladores y ahorradores de energía, continúan como zombis; son la nobleza de Pompeya que no atiende las señales del volcán que se avecina.

Añade al hermano de Gordon, Clarence, un adicto a la heroína en recuperación que quiere reconstruir las conexiones con sus hermanos, una lesbiana vegana que lanza huevos, un hámster de mal carácter, un oso polar de juguete perdido, luces que se funden interminablemente, teléfonos que no se cargan, una secadora de ropa que no seca, un documento secreto robado y una cantidad inusualmente grande de pizza, y el mundo loco pero indudablemente decaído de Gordon y Serena cobra vida.

El potencial para la farsa no podría ser más claro, pero esa no es la forma en que se presenta la obra.

Ninguno de los personajes es agradable o cálido, excepto Clarence. Brunhilde es engañosa y bombástica, y Gordon y Serena son moral y emocionalmente banales. Es probable que los puntos que Ronder desee resaltar hubieran sido mejor servidos con personajes más agradables y relacionables; definitivamente hubieran beneficiado de más risas.

Cuando llega la retórica, como lava del Vesubio, es inevitable, sofocante y agotadora. Esto amortigua la importancia de su mensaje y las posibilidades de que realmente impacte. Es una oportunidad desperdiciada.

Un momento clave ilustra los defectos. Blundhilde pierde el control y grita a sus empleadores, regañándoles sobre el contraste en sus vidas:

"Mierda. Yo ahorro todo, el más mínimo trozo de plástico, lo guardo, tengo montones de envoltorios de menta en mi habitación esperando para ser reciclados, saco rollos de papel del cubo de basura de arriba. Me rompo la cabeza tratando de averiguar dónde poner la caja del almuerzo cuando hay comida pegada a los lados, las tazas de café van en plástico o papel, qué hago con los cuadernos de tapa dura cuando el cartón tiene esa capa de plástico. Recibos con grapas, película larga con etiquetas adhesivas, rollos de cocina, sobres acolchados...Apuesto a que esto está lleno de cosas que no has separado."

Es un colapso de cierto tipo, con el potencial de ser hilarante o devastador (una llamada de atención). Pero tal como se presenta aquí, es solo un torrente terrible de sonido confuso y desordenado, las palabras se pierden en una explosión incontrolada. Si no puedes entender lo que se dice, ¿qué esperanza hay de captar la esencia de lo que se está diciendo?

Y esa es la marca de Byrne aquí: confusión incontrolada. Las emociones y los personajes fluyen y refluye en una corriente de incoherencia. Más control, un paradigma más claro para las actuaciones, sutileza y exceso (pero coordinados, por una razón clara) y, lo más crítico de todo, un propósito definido. Probablemente haya una buena farsa absurda oculta en el "drama familiar" de Byrne. Pero está bien oculta.

Jon Foster es bastante conmovedor como el drogadicto en recuperación que viene a pintar gratis para su hermano increíblemente rico y horrible. Su sentido de la vergüenza y el arrepentimiento está bien juzgado, al igual que el pequeño atisbo de travesura que todavía brilla en su ojo cuando una chica guapa le pide un favor. Es un retrato muy real de un personaje en transición. Dicho esto, el papel realmente solo encaja en los temas generales cuando Clarence se utiliza como una especie de fuerza moderadora entre la indiferencia desechable de Gordon y Serena y la anarquía bien intencionada de Brunhilde, lo que no ocurre con frecuencia. De lo contrario, Clarence es como un esclavo de Pompeya: incluso si pudiera hacer algo sobre el desastre inminente, no tiene poder para actuar.

Los otros adultos del reparto, Andrew Whipp, Susan Stanley y Salóme R Gunnarsdóttir, no pueden superar la escritura lúgubre o la dirección errante. Sus personajes tienen mucho en común con los personajes de Ayckbourn medio: en un punto (que involucra excrementos de hámster y osos polares que cambian de forma) fue casi imposible disipar los recuerdos de Persona Singular Absurda y las alturas vertiginosas allí alcanzadas. Pero aquí, a diferencia de allí, insuficiente absurdidad de carácter e individualidad de espíritu, incluso dentro de tipos claros, significaba apagarse en lugar de estallar. Una lástima.

Chiara Stephenson proporciona un concepto interesante, aunque ligeramente anticuado, de vida hogareña excesiva con un escenario funcional pero quizás ligeramente demasiado ingenioso. Las entradas y salidas parecían forzadas y, cuando llegó el momento, fue realmente triste que no viéramos los resultados del lanzamiento de huevos de la furiosa vegana lesbiana (o, para el caso, los esfuerzos de redecoración de Clarence). Tim Deiling logra crear un efecto apocalíptico constante con la iluminación, incluso cuando el escenario está inundado de luz, un logro inteligente y altamente efectivo.

Esta producción de Que le den a los Osos Polares no favorece especialmente el texto y es poco probable que genere discusión o reflexión. El título llamativo sugiere un nivel de entretenimiento desenfrenado que ni siquiera está a la vista, y mucho menos alcanzado. En manos de Byrne es más ridícula que escandalosa.

Pero el punto de Ronder sobre Pompeya está garantizado para perseguirte después.

Que le den a los Osos Polares está en el Teatro Bush hasta el 24 de octubre de 2015