RESEÑA: Farinelli y el Rey, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove y Sam Crane en Farinelli y el Rey. Foto: Marc Brenner Farinelli y el Rey

Teatro Sam Wanamaker

4 de marzo de 2015

4 Estrellas

El rey está en la cama, pescando. No por cumplidos, sino por peces. Bueno, un pez. En una pecera. ¿Está soñando? ¿Está loco? ¿Es bipolar? La reina intenta calmarlo, llegar más allá de sus barreras, amarlo, con cuidado, paciencia y comprensión, para que pueda emerger de su oscuridad y gobernar España una vez más, ser de nuevo el nieto del Rey Sol Francés. Pero ella no puede llegar a él. Tampoco su Consejo, que intenta con amenazas y amenazas de destronamiento, en lugar de amor o respeto o comprensión, sacarlo de su letargo. Ninguna táctica funciona.

Desesperada, la reina se va. Mientras se inquieta fuera de España, oye al famoso superestrella de la ópera, Farinelli, cantar. Su voz celestial, etérea, calmante, increíblemente musical, la toca de maneras que apenas comprende. Ella concibe un plan. ¿Podría la extraordinaria voz de Farinelli proporcionar alivio a la mente perturbada de su esposo, su rey?

La respuesta se encuentra en el Teatro Sam Wanamaker, donde la nueva obra de Claire van Kampen, Farinelli y el Rey, está teniendo su temporada de estreno, en una producción dirigida por John Dove. Es una obra ligera, pero bastante hermosa, perfectamente adecuada a la grandeza íntima del espacio, y bastante embriagadora, tan perfectamente juzgado está todo en ella.

Las velas que proporcionan la iluminación del escenario bañan el procedimiento en un cálido resplandor ámbar que está perfectamente sintonizado con el corazón de la narrativa. La música se interpreta suntuosamente, con músicos talentosos tocando (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson y Jonathan Byers) y William Purefoy en encantadora voz como el Castrati para Todas las Estaciones, el titular Farinelli. (Purefoy comparte el papel con Iestyn Davies).

Se emplea un ingenioso concepto con el papel de Farinelli. El talentoso Sam Crane toma la carga actoral, pero cuando llega el momento de cantar, él es o acompañado en el escenario o reemplazado allí por Purefoy, vestido precisamente para coincidir con Crane. Ingeniosamente, este concepto separa la voz del hombre, replicando la dolorosa castración de Farinelli como un niño de diez años. El hombre no podría tener esa voz; la voz es antinatural; la voz es de otro mundo. Tanto en términos de los temas que la obra toca como en la teatralidad de la representación, esta dualidad en la representación de Farinelli es inspiradora. Permite la mejor actuación y el mejor canto.

Purefoy tiene un contratenor fuerte, rico y ágil. Es una delicia escucharlo. El timbre de su voz es seductor; lleno de tonos expresivos y ahumados así como de graciosas notas de embellecimiento y floreos impresionantes. Los pasajes sostenidos están adecuadamente apoyados y energizados y no hay ninguna de la indiferencia perezosa ante la producción de sonido que se puede encontrar en voces menos competentes de este tipo. Lo cual es bueno, porque nada podría salvar este trabajo si el canto del contratenor no fuera magnífico.

Sam Crane está en gran forma como la superestrella de Ópera tímida. Inseguro de sí mismo cuando no está disfrazado, en el escenario y frente a una orquesta, el Farinelli de Crane es un alma gentil, amable y atormentada. Está claro que recuperaría sus testículos al instante. Los adornos de la fama y la riqueza no le atraen tanto como ser normal, ser parte de una familia, hacer algo bueno.

Crane lleva todo este trasfondo a primer plano con una actuación ganadora que se trata tanto de cómo se para o de cómo está compuesta su cara como de su dominio del idioma. Es una actuación compleja y con capas, repleta de matices y encanto; divertida y conmovedora. Su discurso sobre su debut operístico en Londres es el punto culminante de la obra. Crane representa claramente el dolor y la soledad de la fama abrumadora.

Como Isabella, la segunda esposa de Felipe V, Melody Grove es encantadora en todos los sentidos. Demuestra su dedicación y devoción a su esposo sin esfuerzo, y apostarías por ella contra el Consejo del Rey cualquier día: puede parecer hermosa y recatada, pero los fuegos de su pasión arden profundamente. Su discurso sobre la gloria del trabajo vocal de Farinelli es expertamente, emocionantemente entregado. La relación delicada e intrincada entre Isabella y Farinelli es iluminada conmovedoramente por Grove y Crane, que están perfectamente sincronizados. Actuaciones generosas, detalladas y con clase.

Edward Peel es adecuadamente arrogante e irritante como el puntilloso gran señor de España, De la Cuarda, el funcionario que desconfía de su monarca confuso. Como el Doctor Cervi y Metastasio, Huss Garbiya, y Colin Hurley tienen poco con qué trabajar, pero ambos se desenvuelven bien, proporcionando algo de interés adicional como insiders idiosincráticos en la narrativa ligera en trama.

La obra de van Kampen es una hermosa confección y toca temas interesantes: el poder sanador de la música; la cuestión del “arte elevado” y el acceso de la comunidad a él; la belleza en la forma no natural; la relación entre el dolor y la grandeza. Todos estos son aspectos interesantes del joya central de la corona de van Kampen: la relación única y peculiar entre Farinelli y Felipe. Ambos hombres se consideran por razones no naturales: Farinelli por su castración, Felipe porque su abuelo el Rey Sol lo eligió para su cargo. Ambos hombres sufren por la carga no natural que llevan.

Igualmente, ambos llegan a apreciar y ser sanados por las virtudes, logros y habilidades del otro. Hay una secuencia encantadora en el segundo acto donde Felipe se las ingenia para hacer que Farinelli actúe para las comunidades locales en el bosque donde han estado viviendo, comunicándose con la naturaleza y la musicalidad de las esferas en el cielo. Es un momento importante para ambos hombres: Felipe significando que apoyará el interés de su esposa en la ópera y haciéndola accesible a las masas; Felipe sugiriendo que Farinelli debería actuar en público nuevamente y entender por qué su don debería ser disfrutado por muchos; y Farinelli entendiendo que su trabajo en sanar al Rey ha llegado tan lejos como probablemente lo hará.

En el programa, van Kampen dice: “El papel del Rey es uno muy particular en el que el actor tiene que habitar la mente y el cuerpo de un hombre que está severamente perturbado, pero que es muy querido. Tendría que decir que recordar a Mark interpretar a Hamlet en 1988 y nuevamente en 2000 fue fundamental para mí al crear este papel; Hamlet se comporta de manera espantosa con todos en la obra (excepto Horacio) pero al público le importa él a lo largo de toda la obra. Esa es la genialidad de Shakespeare, por supuesto, pero la habilidad de Mark para interpretar esos tipos de papeles (como con Johnny ‘Rooster’ Byron en Jerusalén en 2011) lo colocó firmemente en mi mente en el corazón de esta obra.”

No hay duda. Rylance está casado con van Kampen y ella ha tenido muchos años para considerar y reflexionar sobre sus muchas ofertas como actor. Todo esto se refleja claramente en la escritura: el papel de Felipe es para un actor mercurial y elegante, uno que puede fingir como un niño de dos años y rugir como un tirano invasor, todo dentro de un completo, complejo y constantemente cambiante retrato de disfunción.

Rylance es excelente en todos los sentidos, particularmente en el sentido de la humilde tolerancia que sustenta los aspectos más racionales de su Felipe. Es muy gracioso, pero también el dolor y la dificultad de la depresión se transmiten agudamente. Hay momentos en los que Felipe se vuelve contra Isabella y la hiere, casi rompiéndole la muñeca o mordiéndole el labio; estos son momentos puramente salvajes, impulsados por una rabia incandescente nacida de la locura y Rylance los lleva a cabo magníficamente.

Con un toque ligero y un ojo abierto a las posibilidades cómicas, Rylance muestra claramente la lucha del Rey con la cordura y el deber. Rompe la cuarta pared a menudo, siempre con buen efecto, y su respuesta extática a la música de Farinelli es bastante inspiradora. Es bueno verlo pisar el escenario (finalmente) en el teatro Sam Wanamaker.

Jonathan Fensom proporciona un diseño ingenioso y bastante suntuoso para la producción. Su solución para las escenas del bosque en el Acto Dos fue especialmente buena. Los disfraces son maravillosamente detallados y coloridos – el vestido de Isabella en las escenas del bosque es asombrosamente hermoso.

La producción de Dove es suave y hermosa. La obra no cambiará el mundo y tampoco representa necesariamente fielmente la verdadera imagen histórica, pero es amigable y radia calidez y alegría. Buena narración de cuentos, actuaciones soberbias y una tremenda musicalidad – un cóctel poderoso y un momento muy feliz en el teatro.

Farinelli y el Rey se trasladará al Teatro Duke Of York el 14 de septiembre de 2015